Балерина — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Балерина (итал. ballerina — танцовщица, от итал. ballare — танцевать) — артистка балетного театра, исполнительница классических танцев, выученная согласно академическим балетным канонам и использующая в танце пальцевую технику.
В России в XX веке балериной стала называться любая балетная танцовщица, тогда как в Российской империи так называлась лишь солистка, занявшая наивысшее положение в балетной труппе. Этот титул появился в Императорских театрах в третьей четверти XIX века[уточнить] вместе с появлением на балетной сцене целой плеяды итальянских виртуозок, приглашаемых из-за границы на положение ведущих солисток. Артистка, не являющаяся ведущей солисткой, именовалась дансёркой (от фр. danse — танец) или танцоркой, затем — просто танцовщицей.
При́ма-балерина (от лат. prima — «первая») — балерина, занимающая первое положение в театре, ведущая солистка труппы, исполняющая главные партии в спектаклях. Это танцовщица высшей квалификации, обладающая неповторимым своеобразием интерпретации ролей, высокой техникой и артистизмом
В англоязычных странах для обозначения высшего статуса балерины используется словосочетание англ. principal dancer — «главная танцовщица» (тж. танцовщик), во Франции — словосочетание première danseuse, «первая танцовщица».
В балетной труппе парижской Оперы, традиционно имеющей собственную сложную иерархию, на протяжении XIX века ведущая танцовщица именовалась «первым сюжетом» (фр. première sujet). Артистки и артисты, которые смогли подняться на самую высшую ступень служебной лестницы этой труппы, с конца XIX века начали носить титул «звезды» (фр. étoile). Этот статус, появившийся в 1895 году [уточнить] как «сюжет-этуаль» (фр. sujet étoile), окончательно закрепился уже в XX веке. В 1938 году балерина Соланж Шварц стала первой, кто был официально возведён в ранг танцовщицы — «этуали» (фр. danseuse étoile).
Prima ballerina assoluta[править | править код]
Начиная с 1805 года[источник не указан 1979 дней] некоторые итальянские танцовщицы начали добавлять к своему титулу прима-балерины слово assoluta — «абсолютная», подчёркивая таким образом своё первенство в профессии и тот факт, что у них нет соперниц на сцене. В России в конце XIX века так называли Пьерину Леньяни, затем, в начале XX века, этот титул носила Анна Павлова, ставшая всемирно известной после того, как покинула Россию и начала гастролировать со своей труппой по самым разным странам.
Позднее некоторые танцовщицы получали это звание официально. Так, в 1970-х годах Берлинский сенат принял решение наградить этим титулом балерину Еву Евдокимову после того, как она стала солисткой западноберлинской Немецкой оперы
В настоящее время этот редкий титул используется лишь символически, как знак признания выдающегося таланта знаменитой артистки и обычно рассматривается как почесть, а не официальный статус.
Премьер — танцовщик, занявший высшее положение по рангу в своей балетной труппе.
Вот новое и блестящее поколение балета Мариинки — запомните эти имена!
Петербург заждался новой прима-балерины. Кто ею станет? Три возможные претендентки – три разные обложки «Собака.ru», впервые в истории журнала! Балетный критик Анна Гордеева вангует будущую прима-балерину и пишет ЖЗЛ сверхновым звездам танца.
«Сколько в Мариинском театре балерин? Полсотни? — задумается прохожий. — Сто?» В реальности — всего семь: Диана Вишнева, Екатерина Кондаурова, Ульяна Лопаткина (она числится в отпуске за свой счет, хотя на сцену возвращаться не собирается), Юлия Махалина, Оксана Скорик, Алина Сомова, Виктория Терешкина. Все. Просто дело в том, что балерина — это не любая девушка в пачке и пуантах, а только та, что добралась до самого верха карьерной лестницы. После школы «артистки балета» (так называется специальность в дипломе) поступают в кордебалет, затем становятся корифейками, потом вторыми солистками, первыми солистками и наконец — венец карьеры — балеринами. При этом можно запросто до этой вожделенной вершины не добраться — даже получая главные роли, оставаться солисткой. В Парижской опере эта самая верхняя ступень называется «этуаль» (то есть у артистки в трудовой книжке — окей, в контракте — прямо так и написано, что она звезда), в России издревле — просто балерина. До революции балерина в театре могла быть одна — ну или две. Сейчас в провинции бывает тоже две-три-четыре. В Большом театре их сейчас восемь (при этом заметим: ровно половина московских прима-балерин окончили Академию русского балета в Петербурге). В Мариинском — вот, семь.
В балерины не попадают просто так: недостаточно только таланта, только работоспособности, только здоровья. Нужно все вместе — и чтобы худрук тебя «видел», и травмы щадили, и чтобы способности позволяли включаться в самые разные стили хореографов (если в театре нет главного балетмейстера, утверждающего только свой стиль, — но такое теперь уже редкость). Назначение новой балерины всегда событие в балетном мире, его ждут с нетерпением, его обсуждают пристрастно. Последний раз изящный прыжок на верхнюю ступеньку карьерной лестницы был совершен четыре года назад — балериной стала Оксана Скорик. А до нее аж в 2008 году этот статус получила Алина Сомова. Подходит время новых триумфов. Погадаем, кто будет следующей?
В театрах мира случались стремительные карьеры, когда этуалью становились буквально вчерашние школьницы (ух, как вздрогнула Парижская опера, когда Рудольф Нуреев швырнул на самый верх Сильви Гиллем — той было девятнадцать). Если предполагать, что такое возможно и в Петербурге, то одна из самых очевидных кандидаток — Мария Хорева. Ученица Людмилы Ковалевой (что сотворила и Диану Вишневу, и московскую приму Ольгу Смирнову) окончила школу лишь в прошлом году — но уже стала первой солисткой, то есть до балеринского ранга ей остался всего один шаг. Запоминается танцовщица прежде всего выточенностью движений — безупречные пируэты, безупречные пор де бра. «Ах, фарфоровая статуэтка!» — вздыхают балетоманы. Но у «статуэтки» внутри — мощный двигатель, кидающий ее в прыжок. В этом прыжке нет ракетного ускорения, но есть стремительность тонкого лезвия. Есть ли угроза в партии Повелительницы дриад в балете «Дон Кихот», в этом чистом празднике классического танца? Когда выходит Хорева — определенно есть. Дриады могут быть опасными, мы это сразу понимаем. В репертуаре Марии — главные партии в «Корсаре», «Щелкунчике», «Драгоценностях», «Пахите», «Аполлоне».
Еще одна возможная претендентка на балетную корону — японка Мей Нагахиса. В биографии — оконченная два года назад Академия принцессы Грейс в Монте-Карло, сейчас статус второй солистки. Такие тихие девушки (она — Жизель, Сильфида или Бабочка в «Карнавале» Михаила Фокина, и пока что невозможно представить ее себе, скажем, Черным лебедем в «Лебедином озере») редко становятся балеринами, но, когда становятся, остаются в истории балета навсегда. Мей можно сравнить с легендарной парижанкой Лиан Дейде, семь десятилетий назад ставшей этуалью в девятнадцать: балет с такими артистками вспоминает о своем романтическом репертуаре, танцовщица скользит меж ветров, не сражаясь с гравитацией, а будто не замечая ее.
Третья (last but not least) возможная балерина — Надежда Батоева. Самая опытная из претенденток (Академию русского балета, класс Людмилы Сафроновой, она окончила в 2009 году) иногда кажется совсем девчонкой — столько азарта она вкладывает в каждую роль. Для многих ее персонажей (даже для властной дочери раджи Гамзатти в «Баядерке») жизнь — приключение, ежедневные открытия, радостные сюрпризы. Принцесса Аврора в «Спящей красавице» и Китри в «Дон Кихоте», да даже Одиллия в «Лебедином» — кидаются в танец с чувством солнечного счастья. В Петербурге, где — особенно зимой — не хватает именно солнца, Батоевой судьбой вручена важная миссия поддержания жизнерадостности в горожанах. Миссия ей явно по плечу.
Мариинский дримтим в сборе: самые летучие лебеди и сильфиды и самые прыгучие принцы и петрушки фестиваля «Звезды белых ночей».
Ксандер Париш
Британец, девять лет назад оставивший родной остров и Королевский балет ради службы в Мариинском театре, где дослужился до ранга премьера, меняется со временем — все более осваивает петербургский стиль и в танце, и в игре, явно всматриваясь в окружающий мир и принимая его. Это не значит, что он отказывается от себя самого: английская школа с ее чуть отстраненной деликатностью видна в нем, особенно в дуэтах, — он берет своих партнерш за талию, будто птенца в руки, невероятно осторожно, словно боясь повредить. Конрад в «Корсаре» у него выходит каким-то нерешительным (ограбить гарем — ну, это как-то неудобно), зато в то, что в такого графа Альберта способна мгновенно влюбиться несчастная Жизель и что осторожный поцелуй такого принца Дезире способен разбудить спящую красавицу Аврору даже от столетнего сна, поверить можно запросто. Особенно интересен его Ромео — следить за тем, как сквозь хорошее воспитание героя прорывается-таки большое чувство.
Филипп Степин
Тот случай балетной карьеры, когда человек не берет вершины штурмом, а путешествует вверх вдумчиво, не торопясь, — зато каждая работа безупречна. Степин окончил Академию русского балета в 2005 году (класс Бориса Брегвадзе) и к настоящему времени превратился в одного из самых интересных солистов театра. Не только внятная техника — но отчетливый актерский дар, при этом дар благородный, без гримасничанья, без хлопотания лицом. Герои, родившиеся с серебряной ложкой во рту? Пожалуйста: принц Зигфрид в «Лебедином озере» и граф Альберт в «Жизели», Дезире в «Спящей» и Вацлав из «Бахчисарайского фонтана». Отчаянные игрушки судьбы, в жизни не бывавшие во дворцах, — без проблем: фантастический Петрушка, невероятный Юноша (ведущий диалог со Смертью в балете Ролана Пети). Из последних побед — главная партия в Push Comes to Shove, которую Степин танцует в очередь с Кимином Кимом. Партия, на минуточку, в свое время предназначенная лично Барышникову.
Виктор Кайшета
По статусу — еще танцовщик кордебалета, и, действительно, больших партий у него немного. Кайшету — бразильца, окончившего в 2017 году школу в Берлине, — можно увидеть в «Корсаре» (где он танцует Али) и в «Дон Кихоте» (уже Базиль, между прочим!). Кроме того — множество маленьких, но «афишных» (как это называется в театре, когда имя актера отдельно упоминается в программке) партий. Танцовщик юн, решителен, весел и виртуозен: в 2017 году на московском конкурсе поразил публику и жюри, скрутив в вариации десяток пируэтов. Претендент на все роли, где требуется бодрый темп аллегро.
Мария Буланова
Тоже еще кордебалет (выпуск АРБ 2018 года, одноклассница Хоревой — впрочем, в этом выдающемся классе Людмилы Ковалевой было создано еще несколько будущих звезд, тут же учились Дарья Ионова и Анастасия Нуйкина). Тот случай, когда на «девочку из корды» уже прицельно ходят — и даже приезжают из других городов — старые балетоманы. У юной танцовщицы есть значительный трагический дар — она умеет рассказывать про взаимоотношения своих героинь со смертью; повелительница вилис Мирта и готовая убивать из ревности Зарема долго не забываются после спектакля. Но проработаны и другие краски — в том числе ясно-баланчинские: Буланова отлично смотрится в «Рубинах». Трудно даже предположить ее следующую значимую роль — пока что кажется, что она справится абсолютно с любой техникой и любым стилем.
Анастасия Лукина
Еще одна ученица Людмилы Ковалевой — но предыдущий выпуск, 2015 года. Сегодняшний статус — вторая солистка. Если нужно искать юную танцовщицу, которая олицетворяла бы понятие «мариинская классика», Лукина — одна из явных кандидаток. Танец ясный, теплый, при этом безупречный технически. Танцовщица излучает доверие к миру — недаром первой ее большой ролью стала Аврора. В баланчинских «Драгоценностях» она занята в самой как бы невыигрышной части — все отмечают парад «Бриллиантов», летучие хохмы «Рубинов», — а что такое «Изумруды»? Много сложностей, мало эффектов. Но «Изумруды» — это оммаж Баланчина Парижской опере, ее стилю. Лукина этот стиль чувствует и соединяет времена, связывает великие театры — без напряжения и вызова, все с той же легкой улыбкой.
Кимин Ким
Ким — на сегодняшний день главный виртуоз театра — учился в Сеуле, но у наших людей, его класс вели Владимир Ким и Маргарита Куллик, звезды Мариинского театра в 1980-х. В Петербурге он уже семь лет, и четыре года — премьер. Как и Париш, Ким внимательно изучает местные сценические обычаи, не расставаясь при этом с собственным стилем — волевым, бойким и праздничным. Вертеться и летать, торжествовать и вызывать овации прямо посреди вариации, когда публика начинает восторженно кричать после одного исполненного элемента, — это все его. Во время «Звезд белых ночей» состоится его бенефис — программа еще не объявлена, а билетов дешевле 7000 уже нет. Скоро и оставшиеся расхватают.
Александр Сергеев
Пятнадцать лет в театре, по статусу — первый солист, но это какое-то недоразумение: Сергееву давно надо быть мариинским премьером. Именно мариинским — потому что в его танце сочетается рыцарское служение балерине и неотказ от собственного «я», чем славились и славятся лучшие танцовщики театра. Александр умеет рассказывать на сцене истории — его героям веришь так, будто они о своей несчастной любви — любви счастливой — планировании какой-нибудь подлости говорят, держа тебя за руку. Кроме классики Сергеева необходимо смотреть в «Шурале» (ах, какая из него прекрасная нечистая сила!) и в «Парке» (потому что, когда он поднимает девушку для легендарного кружащегося поцелуя, видно, насколько это герою важно — вот так отправлять возлюбленную в воздух). Еще в последнее время танцовщик пробует себя как хореограф — и это у него неплохо получается.
Рената Шакирова
Окончила Академию русского балета четыре года назад (класс Татьяны Удаленковой), но говорить о ней балетоманы начали раньше: еще студенткой она станцевала на сцене Мариинского театра «Рубины» Джорджа Баланчина. Шакирова — безусловная «танцовщица аллегро»: темп, прыжок, открытый взгляд. Китри в «Дон Кихоте» и Гюльнара в «Бахчисарайском фонтане», самая бойкая Тень в «Баядерке», решительная Катерина в «Каменном цветке». Артистка пробует и другие роли — Кардуча в «Пахите», например (не только испанский темперамент, но и отчетливая хитрость героини), но пока лучшие ее партии остаются в рамках аллегро. Эти рамки, впрочем, нисколько не мешают ее Авроре в «Спящей» — героиня просто мчится к счастью быстрее, чем обычно.
Благодарим ООО «Астерия» и Ola ola store за помощь в организации съемки.
фото: Алиса Тикстон (Мариинский театр), Данил Ярощук,
креативный директор: Ксения Гощицкая
хореограф: Максим Петров (Мариинский театр)
креативный стилист: Елена Бессонова
продюсер: Ирэна Азаркевич
стилист: Эльмира Тулебаева,
ассистент стилиста: Яна Панкратова, Елена Шмаргуненко
визаж: Ника Баева,
прически: Роман Габриелян (Park by Osipchuk)
Балет — Википедия
Бале́т (фр. ballet, от итал. ballare — танцевать) — вид сценического искусства; спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. В основе классического балетного спектакля лежит определённый сюжет, драматургический замысел, либретто, в XX веке появился бессюжетный балет, драматургия которого основана на развитии, заложенном в музыке. Основными видами танца в балете являются классический танец и характерный танец, к которому, начиная с XIX века, относятся народные и национальные танцы, переработанные для исполнения в балетном спектакле. Немаловажную роль играет пантомима, с помощью которой актёры передают чувства героев, их «разговор» между собой, суть происходящего, а во многих спектаклях — также и гротеск.
В современном балете широко используются другие техники танца (прежде всего современного и джаз-танца), а также элементы гимнастики, акробатики, восточных единоборств и тому подобное.
Зарождение балета[править | править код]
В начале — как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии, во Франции расцветает как пышное торжественное зрелище — придворный балет. Началом балетной эпохи во Франции и во всём мире следует считать 15 октября 1581 года, когда при французском дворе состоялось представление зрелища, которое принято считать первым балетом — «Комедийный балет королевы» (или «Цирцея»), поставленное итальянским скрипачом, «главным интендантом музыки» Бальтазарини де Бельджозо. Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан-Жоржем Новерром (1727—1810)[1]. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.
Дальнейшее развитие балета[править | править код]
Русский балет[править | править код]
В России первый балетный спектакль состоялся 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном селе Преображенское. Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Шарля-Луи Дидло. Дидло усиливает роль Кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца. Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Пётр Ильич Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия, воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века.
Танец модерн[править | править код]
Танец модерн — направление в танцевальном искусстве, появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы исполнителей и хореографов. Его предвестником был свободный танец, который отрицал балетную технику, отрепетированное до механизма движение и саму эстетику искусственной «балетной красоты». Его адептов интересовал танец как особая философия, способная изменить жизнь, как возвращение человека к естественному движению, к самому себе. Родоначальницей свободного танца, послужившего истоком различных направлений современного танца и пластики, и давшего импульс реформе самого классического танца, считается танцовщица Лои Фуллер, в труппе которой начинала свое восхождение и другая, ставшая впоследствии более известной танцовщицей свободного танца Айседора Дункан.[источник не указан 842 дня]
Основная статья: Терминология в балете, см. также: Балетные термины
Изначально балетные термины были заимствованы из Италии, но уже в XVIII веке балетная лексика и названия танцевальных движений (различных pas, temps, sissonne, entrechat и т. д.) основывались на грамматике французского языка. Большинство терминов прямо обозначает конкретное действие, производимое при выполнении движения (вытягивать, сгибать, открывать, закрывать, скользить и т. п.), некоторые указывают на характер выполняемого движения (fondu — тающий, gargouillade — журчащий, gala — торжественный), другие — на танец, благодаря которому они возникли (pas бурре, pas вальса, pas польки). Существуют также термины, в название которых заложен некий визуальный образ (например, кошки — pas de chat, рыбки — pas de poisson, ножниц — pas de ciseaux). Особняком стоят такие термины, как entrechat royale (по легенде, авторство этого прыжка принадлежало Людовику XIV, в честь которого он и был назван «королевским») и sissonne, изобретение которого приписывается Франсуа де Руасси, графу Сиссонскому, жившему в XVII веке.
В своей эволюции балет всё больше приближается к спорту, теряя по дороге драматургическое значение роли, порой опережает в технике, но отстаёт в содержании.
В комплексном обучении профессионала — артиста необходимо знание музыкальной культуры, истории, литературы и сценарной драматургии. В то же время с семи лет дети проходят гимнастическую подготовку, потому как балеты прошлого, сохранившиеся до наших дней, технически усовершенствовались, а балет модерн на классической основе, например балет Форсайта, требует серьёзной физической подготовки, так балерина Сильви Гийем начинала свой творческий путь именно с гимнастики.
Старинные балеты имели возвышенную эстетику, иногда ставились на античные сюжеты, например постановка Шарля Дидло «Зефир и Флора».
Новая волна романтизма появилась в балете в начале XX века, её провозвестником стал балетмейстер Михаил Фокин[2]
В России вплоть до XX века обучение хореографии, музыке, драматическому мастерству и различным прикладным театральным профессиям велось в одном учебном заведении — Императорском театральном училище. Смотря по успехам детей их определяли или переводили на соответствующее отделение. После революции 1917 года школы разделились и балетное образование начало существовать автономно. В то же время во многих театрах сохранялся смешанный репертуар: драматические представления чередовались с опереттой и балетными дивертисментами[источник не указан 1819 дней]. Так например, кроме постановок в Большом, Касьян Голейзовский ставил балетные спектакли в «Летучей мыши» и в «Мамонтовском театре миниатюр», среди которых была постановка «Les Tableaux vivants», означающая «ожившую картинку», так как Голейзовский, в первую очередь, был художником. Это явление развивается в современном балете, как «ожившая картина»[3], «ожившая фотография» и «ожившая скульптура»[4][5].
В 2001 году Сапармурат Туркменбаши упразднил в Туркменистане балет, а также оперу. «Я не понимаю балет, — заметил он. — Зачем он мне? …Нельзя привить туркменам любовь к балету, если у них в крови его нет». Вместо Туркменского театра оперы и балета был создан Национальный музыкально-драматический театр имени Махтумкули.
- Штелин Я. Музыка и балет в России XVIII века //Л.: Тритон. — 1935.
- Библиографический аннотированный указатель статей и журналов «Советский балет» и «Балет» за 1981—2007 ГГ (сост. Л. Д. Ивлева) //Челябинск. — 2009
- Карп П. М. Балет и драма. — » Искусство, » Ленинградское отд-ние, 1980.
Артист балета — Википедия
Материал из Википедии — свободной энциклопедии
Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 17 сентября 2017; проверки требуют 11 правок. Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 17 сентября 2017; проверки требуют 11 правок.
Артист (артистка) балета — танцовщик (танцовщица), владеющий техникой классического танца и работающий в балетном театре.
С официальной точки зрения это квалификация (специальность), которая присваивается учащимся балетных школ (хореографических училищ) после сдачи государственных экзаменов и получения диплома.
Выпускники, получившие приглашение в театр, чаще всего начинают работать артистами кордебалета. Дальнейшее положение в труппе определяется профессиональным техническим уровнем, природными данными, индивидуальностью, здоровьем, трудолюбием и другими факторами. Танцовщики, обладающие высокой техникой и артистизмом, выдвигаются на положение (должность) солиста или солистки. Солисты, ведущие основной сольный репертуар и обладающие особой харизмой, занимают высшие позиции — премьера (т. е. «первого танцовщика») и прима-балерины («первой балерины»).
Энциклопедия балета определяет профессиональный уровень примы-балерины, как танцовщицы высшей квалификации, обладающей неповторимым своеобразием интерпретации ролей, высокой техникой и артистизмом[1]. Такие балеринские партии, как Никия, Одетта, Раймонда, может исполнять только артистка, обладающая академической выучкой, чистотой линий и возвышенностью образа.
Парижская опера[править | править код]
В балетной труппе Парижской оперы[fr] все артисты занимают положение согласно строгой иерархии[2]: Молодые артисты, принятые в труппу, зачисляются в кордебалет. Их продвижение по карьерной лестнице зависит от трудолюбия и природной одарённости. Солисты кордебалета получают статус «кадри» (quadrilles), затем идут «корифеи» (coryphées), которым поручаются небольшие соло и вариации. Положение «сюже» (sujet) выводит артиста на положение солиста; солисты, ведущие спектакль продвигаются на ступень «первого танцовщика» (premier danseur)[3].
При определённом стечении обстоятельств первые танцовщики могут быть произведены в ранг «этуали» (étoile) — «звезды» труппы, которых в театре строго ограниченное количество. Продвинуться по служебной лестнице артисты могут не только по желанию администрации, но и участвуя в особом служебном конкурсе, показывая перед жюри, состоящем из руководства и педагогов, заранее подготовленные номера из репертуара театра[4].
Мариинский театр[править | править код]
- Миманс
- Вспомогательный состав
- Кордебалет
- Корифеи
- Солисты характерного танца
- Вторые солисты (исполняют как главные партии, так и роли второго плана)
- Первые солисты
- Примы и премьеры
Большой театр[править | править код]
- Миманс
- Кордебалет
- Солисты и солистки
- Первые солисты и солистки
- Ведущие солистки и солисты
- Примы и премьеры[5]
Американский театр балета[править | править код]
- ABT II (молодёжная группа выпускников и стажёров)
- Кордебалет[6]
- Солисты[7]
- Балерины и премьеры (principals), приглашённые «звёзды»
В других труппах[править | править код]
Во многих труппах, репертуар которых составляют современные постановки, строгая иерархия не соблюдается, или же деления на премьеров—солистов—кордебалет нет совсем, так как все артисты должны нести одинаковую техническую, артистическую и эмоциональную нагрузку.
| Парижская опера[fr] | Мариинский театр | Большой театр | ABT |
|---|---|---|---|
| Этуали | Примы и премьеры | Примы и премьеры | Ведущие танцовщики (principals) |
| Первые танцовщики (premier danseur) | Первые солисты | Ведущие солистки и солисты | Солисты и солистки |
| Танцовщики-сюже (sujet) | Вторые солисты | Первые солисты и солистки | — |
| — | Солисты характерного танца | — | — |
| Корифеи | Корифеи | — | |
| Кадри (quadrilles) | |||
| Кордебалет | Кордебалет | Кордебалет | Кордебалет |
| Оперный балет (Ballet à l’Opéra) | Вспомогательный состав | — | — |
| — | Миманс | Миманс | — |
История балета — Википедия
Балет является видом сценического искусства, включающего в себя формализованную форму танца.
В конце Средневековья появился интерес к классическому прошлому, который привёл к Ренессансу. Во время ренессанса внимание сместилось с общества в целом на отдельную личность. В результате, в этот период на танцоров стали смотреть как на идеальных людей.
Наиболее выдающиеся усовершенствования в хореографии во время Ренессанса были произведены в городах-государствах на территории современной Италии. Балет возник при дворах как развитие торжественных спектаклей, которые ставились во время праздников для аристократов. Придворные музыканты и танцоры вместе участвовали в развлечении знати.
Балет Ренессанса был гораздо беднее современного. Пачки и пуанты ещё не были в использовании. Хореография была создана на основе шагов придворных танцев. Актёры одевались в костюмы по тогдашней придворной моде. В ранних балетах зрители также могли принимать участие в танцах в последних действиях.
Гравюра первой сцены в Ballet Comique de la Reine.В 15-м веке людей, которых можно было бы назвать хореографами, было совсем немного. Сейчас известно лишь про тех из них, которые писали про танцы, работы остальных утеряны. Доменико из Пьяченцы (Domenico da Piacenza), или Доменико Феррарский (Domenico da Ferrara) был одним из таких хореографов. Вместе со своими учениками Antonio Cornazzano и Guglielmo Ebreo он преподавал танцы дворянам. Доменико написал одну работу De arte saltandi et choreus ducendi (Про искусство танца и ведение танцев), которая была сделана вместе с его учениками. Доменико, вероятно, наиболее известный хореограф эпохи, так как после него осталось много описаний его работ.
В своей книге Доменико использовал слово ballo вместо слова danza, хотя они оба означают танец по итальянски. Поэтому его танцы стали известны как baletti или balli (мн. ч.), balletto (ед .ч.). Вероятно от этого слова и произошло современное слово «балет». В 1489 году в Тортоне (Италия) на пирах у Бергонцио ди Битта (Bergonzio di Botta), танец, называвшийся entrée, начинал каждую часть пира. Некоторые рассматривают это как первый балет.
В 16-м веке появились так называемые spectaculi — грандиозные представления- в северной Италии. Они включали не только танцы, но и конные представления и битвы. Отсюда возникло слово spectacle, используемое во французском языке при разговорах о балете.
Когда Екатерина Медичи, итальянская аристократка, имевшая интерес к искусствам, вышла замуж за наследника французского престола Генриха II, она принесла свой интерес к танцам во Францию. Она же была первым спонсором балетов. Тогдашние балеты сочинялись на мифологические темы.
Екатерина Медичи как «Королева Мать» Франции устраивала грандиозные spectaculi . Одним из заметных был «Польский балет» (Le Ballet des Polonais), который был поставлен к визиту польских послов в 1573 году.
Возможно одним из первых традиционных балетов был Комедийный балет королевы[en] (1581) поставленный Бальдасаром Бальтазарини да Бельджозо (итал. Baldassare Baltazarini da Belgioioso, фр. Balthasar de Beaujoyeulx), который представлял собой балетную драму. Его смотрели десять тысяч зрителей и он длился с 22:00 до 3:00. Тогда балет включал не только танцы, но и разговоры и элементы драмы, и потому длился так долго. Он был назван baleto-comique (comique означает «драма», а не «комедия») .
В том же году трактат Il Ballarino авторства Фабрицио Карозо, представлявший из себя руководство по изучению придворных танцев, как социальных так и для спектаклей, утвердило Италию как центр развития танцевальной техники.
В течение следующих 50 лет танец постепенно вытеснил из балета элементы драмы. Балетные представления теперь давали не только при дворе, но и в театрах за деньги.
В это время дворяне, включая Людовика XIV, исполняли в балете роли разной важности. Это делало фоновые роли и роли отрицательных героев более престижными.
В 1584 году появился театр Teatro d’Olympico с просцениумом в Вероне, Италия.
В 1588 году появился первая французская книга про танцы Orchésographie авторства Туано Арбо. В ней было описание выворотности.
Балет выработался как отдельное искусство, нацеленное на создание спектаклей, во Франции во время правления Людовика XIV, который имел страсть к танцам и прекратил упадок стандартов танцев, который начался в XVII веке.
Когда Людовик XIV был коронован, его интерес к танцам сильно поддерживался рождённым в Италии кардиналом Мазарини, который помогал Людовику XIV. Юный король мальчиком сделал свой дебют в балете.
Существенное влияние на французские спектакли оказал итальянский композитор и хореограф Жан-Батист Люлли (итал. Giovanni Baptista Lulli, 1632—1687), приехавший во Францию с подачи Мазарини. Люлли сделался одним из любимых танцоров короля и представлял короля как лучшего танцора во Франции.
Поддерживаемый Людовиком XIV, Люлли часто помещал короля в свои балеты. Титул «Король-солнце» Людовика 14-го происходит от его роли в Le Ballet de la Nuit (1653) поставленном Люлли.
В 1661 году Людовик XIV основал Королевскую академию танца[en] (фр. Académie Royale de Danse) в комнате Лувра. Это была первая в мире балетная школа. Она развилась в компанию, позже известную как «Балет Парижской оперы». Люлли, служивший при французском дворе, железной рукой руководил Королевской Академией Танца. Он сыграл важную роль в определении общего направления развития балета на следующее столетие.
Основным вкладом Люлли в балет было его внимание к нюансам композиций. Его понимание движений и танцев позволяло ему сочинять музыку специально для балетов, с музыкальными фразами, соответствующими физическим движениям. Он также сотрудничал с французским драматургом Мольером. Вместе, они взяли итальянский театральный стиль, комедию масок (Комедия дель арте), и приспособили его в своих работах для французских зрителей, создав comédie-baleto. Среди их наиболее важных творений был «Мещанин во дворянстве» (1670). Пьер Бошан (1636—1705), другой придворный танцор и хореограф, также сотрудничал с ними, ставя танцевальные взаимодействия между драматическими частями. Пьер Бошан был преподавателем танцев Людовика XIV.
Пьер Бошан продолжил работу над танцевальной терминологией. Самые ранние упоминания принятых сегодня позиций ног в балете находятся в его работах.
Пять позиций ног и выворотность, которая есть в каждой из позиций, могут быть объяснены также тем, что балет возник на основе придворных танцев. В придворных танцах XVII века нередко участвовали дворяне, многие из которых были обучены фехтованию, поэтому некоторые приёмы фехтования, такие как выворотные положения ног и позиции рук, были использованы в балетной хореографии.
Существующая общепринятая терминология классического балета на французском языке, однако она сохранила некоторые первоначальные итальянские названия.
В 1669 году Людовик XIV основал Королевскую Академию Музыки (Académie Royale de Musique), её руководителем стал Люлли. В 1670 году здоровье Людовика XIV ухудшилось до такой степени, что он прекратил танцевать. Вслед за ним аристократы также оставили сцену, и балет стал оформляться как занятие для профессионалов, на которых высшее сословие смотрело уже исключительно из зрительного зала.
Позднее Люлли стал первым постановщиком театра Королевской Академии Музыки, когда она развилась настолько, чтобы включать танцы. Люлли соединил итальянский и французский балеты, создав наследство, которое должно было определить будущее балета.
В 1672 году Люлли основал танцевальную академию в Королевской Академии Музыки. Эта танцевальная компания существует до сих пор как Балет Парижской оперы, являясь старейшей непрерывно работающей балетной труппой мира.
Серьёзность Люлли в изучении танцев привела к развитию профессиональных танцоров, которые стали отличаться от просто людей из числа придворных, способных танцевать. Кроме того, в балете появились два различных стиля — величественный, дворянский, свойственный придворному балету, и виртуозный, ранее возможный только у профессиональных актёров.
До 1681 года в исполнении балета участвовали только мужчины. В 1681 году Люлли поставил Le Triomphe de l’Amour. Одной из четырёх танцовщиц, участвовавших в спектакле, была мадмуазель Ла Фонтен (1665—1738), имена трёх остальных сейчас неизвестны. Ла Фонтен, которая с этого времени стала называться «королевой танцев», считается первой балериной — женщиной-профессиональной танцовщицей. В это же время первыми (то есть ведущими) танцовщиками были Луи Летанг (ум. ок. 1739) и Луи Пекур (1655—1729).
В 1687 году Люлли поранился, случайно проткнув себе стопу тростью, которой отбивал такт, и от полученного заражения крови скончался.
В это время балет обычно исполнялся в составе тех же театральных постановок, что и опера, в форме спектакля, называемой опера-балет (opéra-ballet). Музыкальная академия, которой управлял Люлли, создала стандарт опера-балета. Люди желали танцев в той же или большей степени, чем музыку. Андре Кампра, автор оперы-балета «Галантная Европа» (1697), решил сделать его более популярным, удлинив танцы и укоротив юбки танцовщиц, которые тогда уже прочно заняли место в качестве исполнительниц рядом с мужчинами.
XVIII век — развитие балета как формы искусства[править | править код]
Некоторые композиторы — например, Глюк — внесли существенные изменения в композицию балета. В результате балет был разделён на три вида: sérieux (серьёзный), demi-caractère (полу-характерный) и comique (комический). Балетные вставки стали использовать в операх в качестве связок.
В 1700 году Рауль-Ожер Фейё[en] опубликовал свой трактат Choréographie, ou l’art de décrire la danse. Слово choréographie в названии книги произошло от греческих khorea (танцевать) и graphein (писать). От этого слова произошло слово «хореография». Эта книга описывала как сценические танцы так и бальные. В ней делалась попытка создать способ записи танцев, аналогичный записи музыки. Хотя этот способ записи никогда не был завершён и стандартизирован, он используется и сейчас, так как никакая другая система не была выработана. В 1700 году уже использовались многие и ныне обычно используемые слова для описания балетных движений, например cabriole, chassé, entrechat (антраша), jeté, pirouette (пируэт), sissone.
В 1713 году Парижская опера основала свою собственную танцевальную школу[fr], в которой преподавалась техника танцев на основе сочинений Фёйе. В 1713 году Королевская Академия Танца была присоединена к Парижской опере.
В 1725 году вышла книга Мастер танцев авторства Пьера Рамо (1674—1748), бывшего ранее учителем танцев королевы Испании. В этой книге Рамо впервые формально даёт пять позиций ног.
В это время французские танцоры уделяли внимание элегантности, а итальянские — акробатике. Во Франции, в танцевальных частях опера-балета рассказ продолжался, в то время как в Италии танцы вставлялись просто для того, чтобы зрители не слушали непрерывное пение слишком долго.
Выдающиеся танцоры-мужчины того времени — Мишель Блонди (1677—1747) и Клод Балон (1676—1739). Фамилией последнего, возможно, был назван термин ballon, обозначающий способность замирать во время прыжка в воздухе. Женщины всё ещё играли менее важную роль в балете, чем мужчины, так как они начали танцевать позже и вынуждены были носить тяжёлые костюмы. Выдающимися танцовщицами этого поколения были Мария-Тереза де Сублиньи (1666—1735) и Франсуаза Прево (1680—1741), танцевавшие наравне с Блонди и Балоном.
Прево стала претендовать на известность после успеха сольной постановки Les charactès de la Danse, представляющей несколько романсов, где она играла обе стороны. В этой же постановке были задействованы две её ученицы, ставшие соперницами по сцене, — Мари Салле (1701—1756) и Мари-Анн де Кюпи де Камарго (1710—1770). Камарго дебютировала в 1726 году, её конкурентка Салле — в 1727-м. В 1733 году Салле танцевала в «Пигмалионе», будучи одетой лишь в античную тунику.
Камарго делала акцент на чистом танце. В сольных номерах она концентрировалась на прыжках и вырабатывала шаги с множеством заносок (batterie). Салле стала известной из-за невероятной способность показывать характеры. Поэтому она преобразовала соло своего преподавателя в дуэт, что дало возможность взаимодействовать с партнёром. Как Камарго, так и Салле способствовали укорочению костюма балерины: они танцевали в более коротких юбках, но и эти были едва выше щиколотки. В таких более коротких юбках балерины должны были надевать calçons de précaution (précaution означает «предотвращать», «беречься»), чтобы зрители не видели ничего «непристойного».
В 1735 году Жан-Филипп Рамо поставил оперу-балет «Галантная Индия», в основе которой — четыре любовные истории в разных экзотических ситуациях. В ней танцоры безусловно исполняют балет, так как танцы для балета и танцплощадки уже признаны как отличающиеся друг от друга. Выворотность ног рассматривается как важная часть балета, который тогда требовал почти полного (на 180 градусов) разворота ног.
В 1738 году Жан-Батист Ланде положил начало балетной школе в России. Его танцевальные классы со временем выросли в полноценное театральное (после революции 1917 года — исключительно балетное) учебное заведение: Академия русского балета им. А. Я. Вагановой является одной из старейших балетных школ в мире.
В 1739 году в Париже дебютировала итальянка Барбара Кампанини (1721—1799), ставшая известной как Ла Барбарина. В то время как La Carmargo отлично делала entrechat-quatre — прыжок, в котором ноги перекрещиваются или ударяют друг друга два раза, La Barbarina могла сделать entrechat-huit, прыжок с четырьмя ударами.
С середины 30 — х гг. XVIII века в Англии усилилось внимание к балету. Английский хореограф Джон Уивер (1673—1760) создал ballet d’action (действенный балет), то есть балет без разговоров. Весь рассказ передавался в нём с помощью танцев и пантомимы. Его наиболее амбициозный проект был Любовь Марса и Венеры, в котором участвовали Луи Дюпре (1697—1774), первая английская балерина Эстер Сантлоу (1690—1773) и сам постановщик. Хотя Любовь Марса и Венеры была хорошо оценена, спектакль вскоре был забыт, и Уивер не получил заслуженного признания. Идею действенного балета использовали в своих постановках итальянец Гаспаро Анджолини (1731—1803) и ученик Дюпре, швейцарец Жан-Жорж Новерр (1727—1810), которого называли «Шекспиром балета».
В 1758 году Жан-Жорж Новерр ставит свой первый балет в Лионе и пишет свои теоретические «Записки о танце». В 1760 году он опубликовал свою книгу Lettres sur la danse et les ballets (Письма о танце и балетах), где рассказывал о постановке ballet d’action (действенный балет), в котором перемещения танцоров разрабатывались для выражения смысла и передачи рассказа. Эта книга тмеа большое значение, т.к. благодаря ей XVIII век был периодом усовершенствования технических норм балета и периодом, когда балет стал серьёзной драматической формой искусства наряду с оперой. Чтобы всё происходящее на сцене было как можно правдивее, Новерр основным способом избрал пантомиму.
К середине XVIII века многие монархические дворы в Европе старались быть похожими на Версаль. Оперные театры открывались повсюду. Танцоры и преподаватели легко находили себе работу.
В это время женщины-танцовщицы играли вспомогательную роль, так как они были одеты в кринолины, корсеты, парики и носили высокие каблуки. В таких костюмах танцевать было трудно, а кожаные маски мешали выражению чувств. Новерр внёс вклад в изменение традиционного костюма балерин и в 1763 году поставил «Ясона и Медею» без масок. Выражения лиц танцоров был видны, и огромная выразительность спектакля сильно впечатляла зрителей.
В 1772 году Максимилиан Гардель прекратил использовать свою маску.
В 1780 году в Филадельфии (Пенсильвания, США) выступает Джон Дюрн, первый американский танцор.
В 1783 году Екатерина II создаёт Императорский Театр Оперы и Балета в Санкт-Петербурге, для которого сразу же строится здание Большого Каменного театра.
Во второй половине XVIII века в Парижской опере доминировали такие танцовщики-мужчины, как ученик Дюпре, виртуоз итальянского происхождения Гаэтано Вестрис и его сын Огюст, прославившийся своими прыжками. Женщины также улучшали свою балетную технику: немка Анна Хайнель (Anne Heinel) стала первой танцовщицей, выполнившей двойной пируэт.
В 1789 году в Большом театре Бордо[fr] ученик Новерра Жан Доберваль (1742—1806) поставил для своей жены, танцовщицы Мари-Мадлен Крепе[fr] (1760—1796) один из первых балетов о людях среднего класса — Le Ballet de la Paille. Балет, в котором мать пыталась устроить выгодный брак для своей дочери, стал известен под названием «Тщетная предосторожность».
Доберваль находился в Бордо, подальше от столицы, из-за событий французской революции. Здесь в труппе под его руководством танцевали итальянцы Сальваторе Вигано (1769—1821) и его жена Мария Медина. Вигано, чей театральный гений сравнивали с шекспировским, вновь после Новерра повернул балет в сторону хореодрамы. Для него Бетховен сочинил свой единственный балет — «Творения Прометея».
Вместе с французской революцией пришла и революция в балетных фасонах, что видно из рисунков Вигано и его жены. Костюмы Вигано были гораздо легче предыдущих. Его жена надевала лёгкие парящие костюмы с вырезом, похожим на французскую имперскую линию, и оба танцора одевали мягкую гибкую обувь. В 1790-х годах прекратилось использование обуви с каблуком в балете. У мужчин появившиеся обтягивающие штаны до колен и чулки, что позволяло видеть фигуру танцора. Более лёгкая одежда облегчала выполнение пируэтов и прыжковых движений.
В 1791 году первая американская балетная компания выступает в Чарльстоне, Южная Каролина, США.
В начале XIX века балет находился в переходной фазе развития, называемой пред-романтической. В пред-романтическую эпоху танцоры мужчины достигли своего пика.
Итальянский хореограф Карло Блазис (Carlo Blasis) (1797 (по некоторым источникам 1795 или 1803) — 1878), один из учеников Вигано, преподавал следующему поколению танцоров так, чтобы они продвинулись вперёд по сравнению с предыдущим поколением, и он опубликовал свои результаты в учебниках в Италии и потом в Англии, описывая более тонкие детали балета. В 1820 году Карло Блазис написал Элементарный трактат о теории и практике искусства танца. Танцевальная техника начала 19-го века была описана в его Кодексе Терпсихоры (1830). Считается, что он является изобретателем позы attitude, придуманной на основе известной работы фландрийского скульптора Giambologna, изображающей бога Меркурия, легко держащего равновесие на пальцах левой ноги.
В пред-романтическую эпоху балета танцоры впервые начали танцевать на кончиках пальцев ног. Самое раннее изображение женщины, танцующей на пальцах ног — изображение Фанни Бэс (Fanny Bias) 1821 года, но, возможно, Женевьева Госселен (Geneviève Gosselin) танцевала на пальцах еще в 1815 году. Однако традиционно считается, что первой танцовщицей, танцевавшей на пальцах, была знаменитая итальянка Мария Тальони (Marie Taglioni) (1804—1884), которая встала на кончики пальцев в 1822 году — в возрасте 18 лет, и если до неё стояние на пальцах было всего лишь трюком, то для неё оно стало выразительным средством.
В 1828 году Мария Тальони дебютировала в Парижской опере.
XIX век был периодом больших изменений в обществе, и это отразилось в балете, где произошёл переход к романтическому балету.
Романтизм был реакцией против формальных ограничений и механики индустриализации. Разум эпохи привёл хореографов к сочинению романтических балетов, которые выглядели как лёгкие, воздушные и свободные, что должно было быть контрастом к редукционистской науке которая, по словам Poe, «вывела дриад из лесов». Эти как бы нереальные балеты представляли женщин как деликатные, неземные, воздушные существа, которые могут быть подняты без труда и выглядят почти плавающими в воздухе. Балерины начали носить костюмы в пастельных тонах, с парящими вокруг ног юбками. Сценарии были на темы ужасных фольклорных духов.
Балерины Женевьевы Госселен, Мария Тальони и Фанни Эльслер экспериментировали с новыми техниками, такими как танцы на пальцах, которая заставляла фигуру казаться выше ростом и изящнее. Профессиональные либреттисты писали рассказы для балетов. Преподаватели- как например Карло Блазис,- описывали балетную технику в той базовой форме, которая используется и сейчас. Пуанты были изобретены для поддержки танцев на пальцах.
В 1832 году Филиппо Тальони (Filippo Taglioni) (1777—1871), отец Марии Тальони, поставил для неё балет «Сильфида» La Sylphide. Мария Тальони танцевала роль Сильфиды, сверхъестественного существа, которое полюбил и погубил обычный юноша. Танцы на пуантах использовались, чтобы подчеркнуть сверхъестественные яркость и невещественность. Балет «Сильфида» оказал огромное влияние на темы, стиль, технику и костюмы балета. В «Сильфиде» Мария Тальони надевала костюм в форме колокола с корсажем их китового уса. На основе этого костюма через 50 лет была сконструирована романтическая балетная пачка.
Балетом «Сильфида» началась романтическая эпоха. Он до сих пор не утратил своего значения и исполняется в театрах по сей день, оставаясь одним из старейших в истории балета.
Другой известный балет начала эпохи романтизма — «Жизель» (Giselle, ou Les Wilis), поставленный в Парижской опере в 1841 году, с хореографией Жана Коралли и Жюля Перро (Jean Coralli и Jules Perrot 1810—1892). Музыку написал Адольф Адан (Adolphe Adam). Роль Жизели играла Карлотта Гризи (Carlotta Grisi) (1819—1899), новая балерина из Италии. Жизель построена на контрасте человеческого и потустороннего миров, и в его втором действии духи-привидения, называемые виллисами, были одеты в белые юбки, вошедшие в моду после «Сильфиды».
В 1845 году в Театре Её Высочества в Лондоне Жюль Перро поставил Pas de Quatre.
По мере совершенствования нового умения танцевать на пуантах, женщины- танцовщицы приобретали всё большее значение. Лишь немногие мужчины были заметными в балете того времени. Некоторыми из них был Жюль Перро, хореограф поставивший Pas de Quatre, Люсьен Петипа 1815—1898) и Артур Сен-Леон (1821—1870), который был не только отличным танцором, но и отличным виолончелистом.
В России и Дании мужчины совершенствовались вместе с женщинами, в то время как балет в этих странах поддерживался монархическими дворами[1]. Датчанином, оставившем наиболее заметный след в балете, был Август Бурнонвиль (Auguste Bournonville). После обучения в Дании и Париже и выступлений в Парижской опере, Август Бурнонвиль вернулся в Данию. Там в 1836 году он поставил свою версию «Сильфиды», с новой хореографией и новой музыкой; 16-летняя Люсиль Гран играла роль Сильфиды.
Россия[править | править код]
Несмотря на то, что балет в современном понимании зародился во Франции, другие страны и культуры вскоре адаптировали для себя эту форму искусства. Россия имеет наиболее признанную традицию балета по сей день.
После 1850 года в Париже балет начал угасать. Он ещё был популярен, но рассматривался главным образом как представление с участием красивых женщин. В Лондоне балет к тому времени практически исчез со сцен оперных театров и переместился на эстраду.
Но в России и Дании балет процветал благодаря мастерам Августу Бурнонвиллю, Жюлю Перро, Артуру Сен-Леону, Энрико Чеккетти (Enrico Cecchetti) и Мариусу Петипа (Marius Petipa) (1818—1910), брату знаменитого танцора Люсьена.
Во Франции выступало много талантливых танцоров из Италии, в то время как в Россию приезжало много французов до того, как русские танцоры стали выступать в Петербурге. Одной из самых известных танцовщиц была Мария Данилова, которая отлично танцевала на пуантах и о которой вспоминали как о «российской Тальони». Она умерла в возрасте 17 лет в 1810 году.
В 1842 году Кристиан Йоханссон (1817—1903) сопровождал Марию Тальони в Россию и остался там, позднее он стал одним из наиболее заметных преподавателей в России.
Жизель был в первый раз исполнен в России через год после парижской премьеры с Еленой Андреяновой (1819—1857) в роли Жизели. Она танцевала с Кристианом Йоханссоном и Мариусом Петипа, самыми знаменитыми танцорами российского балета.
В 1848 году Фанни Эльслер и Жюль Перро приехали в Россию. Перро остался на 10 лет в качестве руководителя Санкт-Петербургского Императорского Российского Балета (сейчас Балетная труппа Мариинского театра).
В 1852 году Лев Ива́нов (1834—1901), первый родившийся в России инноватор, закончил Императорское Балетное Училище.
Мариус Петипа ещё был ведущим танцором Санкт-Петербургского балета в 1862 году когда он создал свой первый балет из нескольких действий Дочь фараона для царского императорского театра. Это была невероятная фантазия на египетские темы, с оживающими мумиями и ядовитыми змеями. Этот балет привёл к появлению других балетов и, возможно, к тому что сейчас рассматривается как классический балет.
В 1869 году Мариус Петипа стал главным постановщиком Санкт-петербургского Императорского Российского Балета вместо Сен-Леона и оставался его руководителем следующие 30 лет. Петипа создал много балетов из одного или нескольких действий для постановки на императорских сценах России. В 1869 году он отправился в Москву и там поставил балет Дон-Кихот для Большого театра в Москве.
Тогда Артур Сен-Леон вернулся в Париж и поставил «Коппелию», последний большой балет Парижской оперы. Франко-прусская война и осада Парижа привели к смерти балета в западной Европе.
В 1877 году Петипа создал балет Баядерка для Императорского театра в Санкт-Петербурге.
В 1877 году была первая постановка Лебединого Озера, балета, который теперь принято считать воплощением классического. Лебединое Озеро с музыкой Петра Ильича Чайковского был первым из так называемой «большой тройки» русского балета. Изначально созданный австрийцем Вензелем Ратцингером (1827—1892), Лебединое Озеро был переработан многими,
Интересные факты о балете, история развития, русский балет, факты из жизни артистов балета
Такой вид искусства как балет уже несколько столетий радует людей, и всё это время танец развивается и усложняется. Ценителям балета когда-то давно с появлением этого вида искусства иногда приходилось проделывать длинный путь, чтобы насладиться танцевальным представлением, но на сегодня, к счастью, всё упрощено. Балет может понравится не каждому, но это лишь дело вкуса.
Балет как искусство
- Узнавая о балете, стоит сказать, что это настоящий спорт. Обучение данному виду искусства продолжается 10 лет и минимум 20 часов в неделю. Помимо балета балеринами изучаются современный танец и актерское искусство.
- В собственной длительной эволюции балет всё больше приблизился к спорту, утратив по дороге драматургическую значимость ролей. Иногда балет даже опережает спорт по технике, но отстаёт по содержанию.
- В балете имеется 5 основных позиций ног и рук, в которых носки ног выворачиваются наружу. Такие позиции пришли к нам из фехтования. И это совсем не удивительно, потому что первые танцоры в балете – это именно мужчины- дворяне, а все они в то время обучались технике фехтования.
- Первую балерину женщину мир увидел лишь в 1681 году. В начале ХVIII века в балете балерин женского пола стало гораздо больше, нежели танцоров-мужчин.
- Ведущие солисты балета называются примой и премьером.
История балета
Впервые балет упоминался в XV веке. Сохранились сведения о том, что придворный учитель танцев Доменико да Пьяченца предлагал для очередного бала объединять несколько танцев. Это и помогло ему написать торжественный финал с окончательным названием «балет».
Сам же танцевальный жанр появился несколько позже в Италии. Точка отсчета балетного искусства — 1581 год. Именно в это время Бальтазарини в Париже поставил собственный спектакль на основании музыки и танца.
Термин «балет» возник в конце XVI века. Тогда он означал не спектакль, а только танцевальный эпизод, что передает определенное настроение. Подобные «балеты» состояли из мало связанных между собой «выходов» персонажей — чаще всего персонажей греческих мифов. После таких «выходов» был общий танец, который называли «большим балетом».
В XVII веке популярность приобрели и смешанные представления с названием «опера-балет». При этом огромное значение в данных постановках отводилось именно музыке, а не танцам. Только за счет реформ балетмейстера из Франции Жан Жоржа Новера жанр приобрел классические очертания с настоящим «хореографическим языком».
При царствовании Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особенного великолепия. Людовику самому нравилось принимать участие в балетах, и собственное известное всем прозвище «Король-Солнце» он получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи».
В 1661 году Людовику удалось создать Королевскую академию танца и музыки, куда входили 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью было сохранить танцевальные традиции.
Вскоре после этого открылась Парижская опера, где балетмейстером назначили того же Бошана. Под его руководством сформировалась и балетная труппа. В первое время в ее составе были только мужчины. Женщины же на сцене Парижской оперы начали выступать только в 1681 году.
Зарождение балета
День зарождения балета во всем мире — 15 октября 1581 года. Именно в это время во Франции на суд публики собственное творение представлял балетмейстер из Италии Бальтазарини. Его балет назывался «Комедийный балет королевы» или «Цирцея», а продолжалось такое представление примерно 5 часов.
Первые французские балеты в собственной основе имели народные и придворные танцы с мелодиями. Совместно с музыкальным оформлением в спектакле присутствовали и разговорные, и драматические сценки.
Дальнейшее развитие балета
Дальнейшее развитие и расцвет балета пришлись на эпоху романтизма. Ещё в 30-х годах XVIII века французская балерина Камарго захотела укоротить юбку и полностью отказалась от каблуков, что дало ей возможность ввести в собственный танец заноски.
К концу XVIII века балетный костюм стал значительно более свободным и лёгким, что в немалой степени поспособствовало сильному скачку в развитии данного танца. Попытавшись сделать собственный танец более воздушным, исполнительницы стали вставать на кончики пальцев, что и привело к созданию пуант. Далее пальцевая технология женского танца начала бурно развиваться.
Первая женщина, которая применила танец на пуантах в форме выразительного средства — Мария Тальони. Драматизация балета при этом потребовала также развития балетной музыки.
Русский балет
Первый русский балет — «Балет об Орфее и Евридике» был поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медленные танцы тогда вмещали в себе смену изящных поз, ходов и поклонов, а также чередование речи и пения. Никакой существенной роли в развитии сценического танца это не сыграло. Это был только очередной царский «каприз», привлекавший внимание собственной необыкновенностью и новшеством.
Лишь спустя четверть столетия за счет реформ Петра I, танец и музыка стали частью быта у русского общества. В дворянские учебные заведения вводились обязательные занятия по танцам. При дворе выступали выписанные из-за границы оперные артисты, музыканты и балетные труппы. Об этом свидетельствуют исторические факты.
В 1738 году удалось открыть первую в России балетную школу, и спустя 3 года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди смогли стать первыми в России профессиональными танцовщиками. Вначале им приходилось выступать в балете иностранных мастеров в роли фигурантов, а позднее и в главных партиях. Прекрасный танцовщик тех времен Тимофей Бубликов блистал не только в Санкт-Петербурге, но и в Вене.
В начале XIX-ого века русский балет достиг собственной творческой зрелости. Российские танцовщицы того времени смогли привнести в танец одухотворенность и выразительность. Достаточно того, что А. С. Пушкин это прочувствовал, называя танец своей современницы Авдотьи Истоминой «душой исполненный полет».
Современный балет
Современный балет отказался от присутствия пуантов и пачек, что пришли на смену свободным, удлиненным одеяниям балерин, создававшим воздушный и утонченный образ. Множество танцоров начали выходить на сцену и совсем босиком.
Современный балет говорит «нет» классическим позициям ног и рук, а также сложному вывороту, что характерен для классического балета. Также в современности отказались от высоких прыжков и нарочитого удлинения рук и ног.
Развитие современного танцевального искусства стало для знаменитых балетмейстеров возможностью показать собственное мастерство, потому что балетные традиции, которые складывались годами, почти не пополняются новыми элементами и не берут в учет современные тенденции балетного танца.
Современный балетный танец за счет определенной свободы движения и танца, не стесненных множественными правилами, дает возможность заниматься балетом даже в зрелости. Это связано с тем, что такой танец в стиле модерн не потребует проработки техники, а главное в нем – естественная пластика тела, что позволяет выполнять сложные движения.
Интересные факты о балете
- В среднем прима-балерине необходимо примерно 300 пар пуантов. Таким образом расход на них составляет более 1 пары в день, считая выходные дни. У обычной балерины за год может уйти примерно 100 пар.
- В среднем танцор в балете за выступление поднимает партнёршу примерно 200 раз, а это около 10 тонн суммарного веса.
- Множество танцоров в балетном искусстве являются суеверными личностями. Одно из распространённых суеверий — зайти в гримёрку лишь с левой ноги.
- Самое популярное в мире балетное произведение — «Лебединое озеро».
- Самым страшным оскорблением для балета является веник, который бросили на сцену вместо охапки с цветами.
- С 2001 года балет в Туркменистане стал запрещенным искусством.
- Балерины действительно должны быть очень худыми и стройными. Средний вес балерины не превышает 50 кг.
- Для изготовления одной балетной пачки потребуется примерно 15 метров тюля, а на такую работу уйдет несколько дней.
Факты из жизни артистов балета
- В XV веке, когда Екатерина Медичи — одна из самых первых покровительниц балетного танца, вышла замуж за короля Франции Генриха II, эта страна стала главной в развитии балета.
- Говоря о балеринах, стоит отметить самый поразительный случай, произошедший с российской балериной Ольгой Лепешинской. Она прямо на сцене поломала себе ногу. При этом характерный хруст услышали все зрители. Артистка выполнила свой номер до конца, не прерывая его даже на минуту и получила в тот день тройной перелом ноги.
- Учитель Людовика XIV — Пьер Бошан – известный хореограф, балетмейстер и композитор. Именно он смог кодифицировать 5 положений ног. Это единственные 5 позиций, когда удобнее всего двигаться в любом направлении.
- В 1831 году прима-балерина Мария Тальони сумела произвести фурор танцем на носочках в самодельных пуантах. Она снабдила собственные атласные тапочки кожаной подошвой, а также укрепила носки, создавая коробку возле основания пальцев. Еще она набила кончики данной коробки небольшой подушкой.
- Анна Павлова считается одной из великих балерин всех времен. Она стала первой женщиной, которая когда-то совершила мировое турне со своей труппой, показав балет людям, которые даже никогда не слышали о нем. Всего одно ее выступление покорило мир.
Голосуй за пост!
Загрузка…Тоже интересные факты
Что такое балет, история балета
Что такое балет, история балета
«Мы хотим не просто танцевать, а говорить танцем»
Г. Уланова
Удивительный, прекрасный и многогранный мир балета никого не оставит равнодушным. Впервые это слово прозвучало в Италии, сам жанр возник во Франции, помимо этого, балет является настоящей гордостью России, более того, в XIX веке именно русский спектакль, созданный П.И. Чайковским, стал подлинным образцом.
Об истории балета и значении этого жанра в культурном обогащении человека читайте на нашей странице.
Что такое балет?
Это музыкально-театральный жанр, в котором тесно переплелись несколько видов искусств. Так, музыка, танец, живопись, драматическое и изобразительное искусство объединяются между собой, выстраивая слаженный спектакль, разворачивающийся перед публикой на театральной сцене. В переводе с итальянского, слово «балет» означает – «танцую».
Когда возник балет?
Первое упоминание о балете относится к XV веку, сохранились сведения, что придворный учитель танцев Доменико да Пьяченца предложил для очередного бала объединить несколько танцев, написав к ним торжественный финал и обозначив, как балет.
Однако, сам жанр возник немного позднее в Италии. Точкой отсчета признан 1581 год, именно в это время в Париже Бальтазарини поставил свой спектакль на основе танца и музыки.В XVII веке, популярность получают смешанные представления (опера-балет). При этом, большее значение в таких постановках отводится именно музыке, а не танцу. Лишь благодаря реформаторской работе балетмейстера из Франции Жан Жоржа Новера жанр приобретает классические очертания со своим «хореографическим языком».
Становление жанра в России
Сохранились сведения, что первое представление «Балет об Орфее и Эвридике», было представлено в феврале 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Большой вклад в формирование жанра внес талантливейший балетмейстер Шарль-Луи Дидло. Однако, настоящим реформатором принято считать знаменитого композитора П.И. Чайковского. Именно в его творчестве происходит становление романтического балета. П.И. Чайковский уделил особое внимание именно музыке, превратив ее из сопровождающего элемента в мощный инструмент, помогающий танцу тонко улавливать и раскрывать эмоции и чувства. Композитор преобразовал форму балетной музыки, а также выстроил единое симфоническое развитие. Немалую роль в развитие балета сыграло и творчество А. Глазунова («Раймонда»), И. Стравинского («Жар-птица», «Весна священная», «Петрушка»), а также работа балетмейстеров М. Петипа, Л. Иванова, М. Фокина. В новом столетии выделяется творчество С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Р. Глиэра, А. Хачатуряна.
В XX композиторы начинают поиски для преодоления стереотипов и установленных правил.
Кто такая балерина?
Балеринами раньше называли вовсе не всех, кто танцует в балете. Это высшее звание, которое получали танцовщицы по достижению определенной суммы артистических заслуг, а также через несколько лет после работы в театре. Изначально всех кто выпускался из Театрального училища принимали танцовщицами кордебалета, за редким исключением – солистками. Некоторым из них удавалось достигнуть звания балерины через два-три года работы, некоторым – только перед пенсией.
Основные компоненты
Главными составляющими балета являются классический танец, характерный танец и пантомима.Классический танец берет начало еще во Франции. Он невероятно пластичен и изящен. Сольные танцы называются вариациями и адажио. Например, хорошо всем известное Адажио из балета «Лебединое озеро» П. И. Чайковского. Причем эти номера могут быть и в ансамблевых танцах.
Помимо солистов, участие в действии принимает кордебалет, который создает массовые сцены.
Зачастую танцы кордебалета относятся к характерным. Например, «Испанский танец» из «Лебединого озера». Этим термином обозначают народные танцы, введенные в спектакль.
Фильмы о балете
Балет является весьма популярным видом искусства, который нашел отражение и в кинематографе. О балете есть множество прекрасных картин, которые можно разделить на три большие категории:
- Документальные фильмы – это запечатленная балетная постановка, благодаря которой можно познакомиться с творчеством великих танцоров.
- Фильм-балет – такие картины также показывают сам спектакль, но только действие происходит уже не на сцене. Например, лента «Ромео и Джульетта» (1982), режиссера Пауля Циннера, где главные роли исполнили знаменитые Р. Нуреев и К. Фраччи; «Сказка о коньке-горбунке» (1961), где главную роль исполнила Майя Плисецкая.
- Художественные фильмы, действие которых связано с балетом. Такие киноленты позволяют погрузиться в мир этого искусства и подчас события в них разворачиваются на фоне постановки, либо они рассказывают обо всем, что происходит в театре. Среди подобных картин особого внимания заслуживает «Авансцена» — американский фильм режиссера Николаса Хитнера, который публика увидела в 2000 году.
- Отдельно следует упомянуть биографические картины: «Марго Фонтейн» (2005 г), «Анна Павлова» и многие другие.
Нельзя обойти вниманием картину 1948 года «Красные башмачки» режиссеров М. Пауэла и Э. Прессбургера. Фильм знакомит зрителей со спектаклем по мотивам известной сказки Андерсена и погружает публику в мир балета.
Режиссер Стивен Долдри в 2001 году представил общественности ленту «Билли Эллиот». В ней рассказывается о 11-летнем мальчике из шахтерской семьи, который решил стать танцором. Он получает уникальный шанс и поступает в Королевскую Балетную школу.
Фильм «Мания Жизели» (1995) режиссера Алексея Учителя, познакомит зрителей с жизнью легендарной русской танцовщицы Ольги Спесивцевой, которую современники прозвали Красной Жизелью.
В 2011 году на телеэкраны вышел нашумевший фильм «Черный лебедь» Даррена Аронофски, который показывает жизнь балетного театра изнутри.
Современный балет и его будущее
Современный балет сильно отличается от классического более смелыми костюмами и свободной танцевальной интерпретацией. Классика включала в себя весьма строгие движения, в отличие от модерна, который уместнее всего назвать акробатичным. Очень многое в этом случае зависит от выбранной темы и идеи спектакля. Опираясь на нее, постановщик уже выбирает набор хореографических движений. В современных спектаклях движения могут заимствоваться из национальных танцев, новых направлений пластики, ультрасовременных танцевальных течений. Интерпретация также производится в новом ключе, например, нашумевшая постановка Метью Берна «Лебединое озеро», в которой девушки были заменены на мужчин. Работы хореографа Б. Эйфмана – это настоящая философия в танце, поскольку каждый из его балетов содержит глубокий смысл. Еще одна тенденция в современном спектакле – размытие границ жанра, и правильнее его было бы назвать многожанровым. Он более символичен, по сравнению с классическим, и использует множество цитат, ссылок. Некоторые спектакли применяют монтажный принцип построения, и постановка состоит из разрозненных фрагментов (кадров), которые все вместе составляют общий текст.
Кроме того, во всей современной культуре наблюдается огромный интерес к различным ремейкам, и балет не исключение. Поэтому многие постановщики пытаются заставить публику взглянуть на классический вариант с другой стороны. Новые прочтения приветствуются, причем, чем оригинальнее они, тем больший успех их ждет.
Пантомима – это выразительная игра с помощью жестов и мимики
В современных постановках хореографы расширяют установленные рамки и границы, помимо классических компонентов добавляются гимнастические и акробатические номера, а также современные танцы (модерн, свободный танец). Эта тенденция наметилась еще в XX веке и не утратила свою актуальность.
Балет – сложный и многогранный жанр, в котором тесно переплетается несколько видов искусств. Никого не может оставить равнодушным грациозные движения танцоров, их выразительная игра и чарующие звуки классической музыки. Только представьте, как балет украсит праздник, он станет настоящей жемчужиной любого мероприятия.
Понравилась страница? Поделитесь с друзьями: