Топ-8 самых известных балерин — ГОРБИЛЕТ
Балет — это настоящее волшебство, которое неподражаемо красиво. Восхитительная музыка, шорох пачек и лёгкий стук пуантов по паркету уносят зрителей в удивительный мир, где настоящие богини — балетные дивы. Именно о самых известных артистках балета, чей гений неоспорим, мы и расскажем.
Мари Рамберг (1888 — 1982)
Родилась в еврейской семье в Польше — настоящее имя Сивия Рамбам. Но его впоследствии пришлось поменять по политическим мотивам.
Девочка уже с ранних лет влюбилась в танцы. Её талант быстро привлёк внимание театрального и художественного деятеля Сергея Дягилева. В итоге уже с 1912 она начала танцевать вместе с Русским балетом.
Спустя несколько лет переехала в Англию, где основала очень успешную балетную школу. Позже Мария организовала первую постоянную труппу в Великобритании, чьи выступления были настоящей сенсацией!
Анна Павлова (1881 — 1931)
Родилась в Петербурге, отучилась в театральном училище.
В 1899 году поступила в Мариинский театр, где уже к 1906 году стала ведущей балериной театра. Но настоящая слава пришла к ней спустя год, когда она исполнила главную роль в миниатюре «Умирающий лебедь».
После её участия в Русских сезонах в Париже об Анне заговорил весь мир. Годы спустя Павлова собрала собственную труппу и переехала в Лондон, где вместе со своими подопечными гастролировала по миру с классическими балетами Глазунова и Чайковского.
Матильда Кшесинская (1872 — 1971)
Родилась под Петербургом. Танцами занималась с детства и блестяще окончила Императорское театральное училище, попав в балетную труппу Мариинского театра.
Её отличала фирменная русская пластика с нотками итальянской школы. Именно Матильда стала любимицей балетмейстера Михаила Фокина и императора Николая II.
С 1904 года гастролировала по Европе. При этом она очень любила Россию и не думала о переезде за границу. Но революция сказала своё слово — в 1920 году ей пришлось покинуть страну.
Балерина переехала в Венецию, где продолжала заниматься любимым делом.
Агриппина Ваганова (1879 — 1951)
Агриппина Ваганова не стала великой балериной, однако её имя навсегда вошло в историю этого искусства. Всё дело в том, что почти всю жизнь она исполняла роли второго плана. Но благодаря упорному труду ей удалось достичь настоящего мастерства. Балерина сумела заново раскрыть образы, казалось, уже затёртые поколениями предыдущих танцовщиц.
Ивет Шовире (1917 — 2016)
Родилась в Париже. Танцами начала заниматься уже с 10 лет. Её талант и работоспособность быстро отметили режиссёры и в 1941 году она стала примой Оперы Гарнье — дебютные выступления принесли ей поистине мировую славу.
Ивет на сцене демонстрировала истинный драматизм, не теряя при этой всей девичьей нежности. Балерина буквально проживала жизнь каждой своей героини, выражая все эмоции на сцене.
Галина Уланова (1910 — 1998)
Родилась в Петербурге. В 1928 году окончила хореографическое училище, сразу после чего попала в труппу Театра оперы и балета в Ленинграде.
Первые же выступления привлекли внимание критиков и ценителей балета — а потому не удивительно, что в 19 лет Уланова уже танцевала ведущую партию в «Лебедином озере».
Она выступала в Кировском и Большом театре. Участвовала в гастролях в Лондоне в 1956 году. Вершиной её творчества считают сцену сумасшествия в «Жизели» и партию в «Ромео и Джульетте».
Алисия Алонсо (1920 — 2019)
Родилась в Гаване, Куба. Искусству танца она начала учиться в 10 лет. Дебютировала на Бродвее в 1938 году в музыкальных комедиях. Работала в нью-йоркской «Балле театр», где, кстати, и приняла решение развивать балет на Кубе.
Вернувшись на родину, Алисия открыла собственную балетную школу. Много выступала в театрах и на площадях, ездила на гастроли. Один из самых ярких образов Алонсо — партия Кармен в одноимённом балете в 1967 году.
Майя Плисецкая (1925 — 2015)
Самая знаменитая русская балерина с рекордно долгой карьерой. Любовь к балету Майя впитала ещё в детстве, ведь её дядя и тётя также являлись известными танцорами.
В 9 лет поступила в Московское хореографическое училище, а в 1943 году попала в Большой театр. Там её педагогом стала знаменитая Агриппина Ваганова. Всего за несколько лет Плисецкая прошла путь от кордебалета до солистки.
Знаковой для неё оказалась постановка «Золушки» и партия феи Осени в 1945 году. Дальше были классические постановки «Раймонда», «Спящая красавица», «Дон Кихот», «Жизель», «Конек-Горбунок». Плисецкая блистала в «Бахчисарайском фонтане», где смогла продемонстрировать свой редкий дар — буквально зависать в прыжке на какие-то мгновения. Балерина участвовала сразу в трёх постановках «Спартака» композитора Арама Хачатуряна, исполнив там партии Эгина и Фригии.
Ролей балерине хватало, но творческая неудовлетворённость накапливалась. Выходом стала «Кармен-сюита», одна из главных вех в биографии танцовщицы.
В 1971 году Плисецкая состоялась и как драматическая актриса — она сыграла в «Анне Каренине». По этому роману был написан балет, премьера которого состоялась в 1972 году.
Фото: alchetron.com, artistize.com, zen.yandex.ru, tellerreport.com, twitter.com, 123ru.net, headtopics.com, www.culture.ru
Комментировать10 лучших балерин нашего века
Они воздушны, стройны, легки. Их танец неповторим. Кто они эти выдающиеся балерины нашего века.
Агриппина Ваганова (1879-1951)
Одним из самых важных в истории российского балета годов является 1738. Благодаря предложению французского танцмейстера Жана-Батиста Ланде и утверждению Петра I в Санкт-Петербурге открылась первая школа балетного танца в России, которая существует по сегодняшний день и называется Академией Русского балета им. А.Я. Вагановой. Именно Агриппина Ваганова в советское время систематизировала традиции классического императорского балета. В 1957 году ее имя было присвоено Ленинградскому хореографическому училищу.
Майя Плисецкая (1925)
Выдающаяся танцовщица второй половины XX века, вошедшая в историю балета феноменальным творческим долголетием, Майя Михайловна Плисецкая родилась 20 ноября 1925 года в Москве.
В июне 1934 года Майя поступила в Московское хореографическое училище, где последовательно занималась у педагогов Е. И. Долинской, Е. П. Гердт, М. М. Леонтьевой, но лучшим своим педагогом считает Агриппину Яковлевну Ваганову, с которой встретилась уже в Большом театре, куда ее приняли 1 апреля 1943 года.
Маяй Плисецкая – символ русского балета. Одну из своих главных партий Одетты-Одиллии из «Лебединого озера» она исполнила 27 апреля 1947 года. Именно этот балет Чайковского стал стержнем ее биографии.
Матильда Кшесинская (1872-1971)
Родилась в семье танцовщика Ф. И. Кшесинского, поляка по национальности. В 1890 году окончила балетное отделение Петербургского театрального училища. В 1890-1917 годах танцевала в Мариинском театре.
Прославилась в ролях Авроры («Спящая красавица»,1893), Эсмеральды (1899), Терезы («Привал кавалерии») и др. Ее танец отличала яркая артистичность, жизнерадостность. В начале 1900-х годов была участницей балетов М. М. Фокина: «Евника», «Шопениана», «Эрос», в 1911-1912 годах выступала в труппе «Русский балет Дягилева».
Анна Павлова (1881-1931)
Родилась в Петербурге. После окончания Петербургского театрального училища, в 1899 г. была принята в труппу Мариинского театра. Танцевала партии в классических балетах «Щелкунчик», «Конёк-Горбунок», «Раймонда», «Баядерка», «Жизель». Природные данные и постоянное совершенствование исполнительского мастерства помогли Павловой выдвинуться в 1906 г. в ведущие танцовщицы труппы.
В 1907 г. на благотворительном вечере в Мариинском театре Павлова впервые исполнила поставленную для нее Фокиным хореографическую миниатюру «Лебедь» (позже «Умирающий лебедь»), ставшую впоследствии поэтическим символом русского балета XX века.Светлана Захарова (1979)
Светлана Захарова родилась в Луцке, на Украине, 10 июня 1979 года. В шестилетнем возрасте мать отвела ее в хореографический кружок, где Светлана занималась народными танцами. В возрасте десяти лет она поступила в Киевское хореографическое училище.
Проучившись четыре месяца, Захарова покинула училище, так как ее семья переехала в Восточную Германию в соответствии с новым назначением ее отца-военнослужащего. Вернувшись через полгода на Украину, Захарова снова сдала экзамены в Киевское хореографическое училище и была принята сразу во второй класс. В Киевском училище она занималась главным образом с Валерией Сулегиной.
Светлана выступает во многих мегаполисах мира. В апреле 2008 года ее признали звездой знаменитого миланского театра «Ла Скала».
Галина Уланова (1909-1998)
Галина Сергеевна Уланова родилась в Санкт-Петербурге 08 января 1910 года (по старому стилю 26 декабря 1909 г.), в семье мастеров балетного исскуства.
1928 году Уланова окончила Ленинградское хореографическое училище. Довольно скоро она поступила в труппу ленинградского Государственного академического театра оперы и балета (ныне Мариинский).
Любимую Мариинку Улановой пришлось оставить в годы блокады Ленинграда. Во время Великой Отечественной войны Уланова танцевала в театрах Перми, Алма-Аты, Свердловска, выступая в госпиталях перед ранеными. В 1944г. Галина Сергеевна переходит в Большой театр, в котором периодически выступала с 1934 г.
Настоящим достижением Галины стал образ Джульетты в балете Прокофьева «Ромео и Джульетта». Ее лучшими танцами являются так же роль Маши из «Щелкунчика» Чайковского, Марии из «Бахчисарайского фонтана» и Жизель Адана.
Тамара Карсавина (1885-1978)
Родилась в Петербурге в семье танцовщика Мариинского театра Платона Карсавина, внучатая племянница Алексея Хомякова, видного философа и литератора 1-й половины XIX века, сестра философа Льва Карсавина.
Училась у А. Горского в Петурбургском театральном училище, которое окончила в 1902 г. Еще воспитанницей исполнила сольную партию Амура на премьере балета «Дон-Кихот» в постановке Горского.
Балетную деятельность начинала в период кризиса академизма и поисков выхода из него. Поколонники академического балета находили в исполнении Карсавиной много изъянов. Балерина совершенствовала свое исполнительское мастерство у лучших российских и итальянских педагогов
Замечательный дар Карсавиной проявился в работах над постановках М. Фокина. Карсавина явилась родоначальницей принципиально новых тенденций в искусстве балета начала XX века, позднее названных «интеллектуальным искусством».
Талантливая Карсавина быстро достигла статуса примы-балерины. Она исполняла ведущие партии в балетах «Карнавал», «Жизель», Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» и многих других.
Ульяна Лопаткина (1973)
Ульяна Вячеславна Лопаткина родилась в Керчи (Украина) 23 октября 1973 г.
В детстве занималась в танцевальных кружках и в секции спортивной гимнастики. По инициативе матери поступила в Академию русского балета им. А.Я. Вагановой в Ленинграде.
В 1990 г, будучи студенткой, Лопаткина участвовала во Втором Всероссийском конкурсе им. А.Я. Вагановой для учащихся хореографических училищ и получила первую премию..
В 1995 году Ульяна стала примой-балериной. В ее послужном списке лучшие роли в классических и современных постановках.
Екатерина Максимова (1931-2009)
Родилась в Москве 1 февраля 1939 года. С детства маленькая Катя мечтала танцевать и в десять лет поступила в Московское хореографическое училище. В седьмом классе станцевала первую роль – Машу в «Щелкунчике». После училища поступила на службу в Большой театр, и сразу же, практически минуя кордебалет, стала танцевать сольные партии.
Особое значение в творчестве Максимовой имело участие в телебалетах, раскрывших новое качество ее таланта – комедийное дарование.
С 1990 года Максимова являлась педагогом-репетитором театра «Кремлевский балет». С 1998 года — балетмейстером-репетитором Большого театра.
Наталья Дудинская (1912-2003)
Родилась 8 августа 1912 года в Харькове.
В 1923-1931 годах училась в Ленинградском хореографическом училище (ученица А.Я. Вагановой).
В 1931-1962 годах — ведущая танцовщица Ленинградского театра оперы и балета им. С.М. Кирова. Исполняла главные партии в балетах «Лебединое озеро» и «Спящая красавица» Чайковского, «Золушка» Прокофьева, «Раймонда» Глазунова, «Жизель» Адана и др.
Мы восхищаемся мастерством этих блестящих балеририн. Они сделали огромный вклад в развитие русского балета!
Наталья Довбыш
www.horeograf.com
Клюг раскрыл имена ведущих исполнителей в балете «Мастер и Маргарита»
https://radiosputnik.ria.ru/20200204/1564245656.html
Клюг раскрыл имена ведущих исполнителей в балете «Мастер и Маргарита»
Клюг раскрыл имена ведущих исполнителей в балете «Мастер и Маргарита» — Радио Sputnik, 04.
02.2020
Клюг раскрыл имена ведущих исполнителей в балете «Мастер и Маргарита»
Хореограф Эдвард Клюг в интервью РИА Новости рассказал, кто из солистов Большого театра репетирует сейчас роли главных героев балета «Мастер и Маргарита» и кто… Радио Sputnik, 04.02.2020
2020-02-04T15:47
2020-02-04T15:47
2020-02-04T15:47
искусство
москва
ольга смирнова
балет
/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content
/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content
https://cdnn21.img.ria.ru/images/93407/99/934079945_0:192:2872:1808_1920x0_80_0_0_ca04bc9963b201a6f438d072330ea5a6.jpg
МОСКВА, 4 февраля/ Радио Sputnik. Хореограф Эдвард Клюг в интервью РИА Новости рассказал, кто из солистов Большого театра репетирует сейчас роли главных героев балета «Мастер и Маргарита» и кто станет Маргаритой. «У нас сейчас репетируют две исполнительницы – Катя Крысанова и Ольга Смирнова. Над образом Мастера работают Денис Савин и Артем Овчаренко. А Воланда репетирует – для вас это будет неожиданностью – Влад Лантратов», ‒ сказал Клюг.
По словам хореографа, он приехал в январе для того, чтобы начать работу с этими главными героями.»Мы уже начали, и я хочу сказать, постучав по дереву, что за две с половиной недели работы мы очень глубоко в процессе. Тем, что мы уже сделали, я очень доволен», ‒ отметил он.Подписывайтесь на наш канал в Яндекс.Дзен и присоединяйтесь к нашему Telegram-каналу.
https://radiosputnik.ria.ru/20200204/1564243038.html
москва
Радио Sputnik
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
2020
Радио Sputnik
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
Новости
ru-RU
https://radiosputnik.ria.ru/docs/about/copyright.html
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/
Радио Sputnik
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.
xn--p1ai/awards/
Радио Sputnik
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
Радио Sputnik
7 495 645-6601
ФГУП МИА «Россия сегодня»
https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/
искусство, москва, ольга смирнова, балет
МОСКВА, 4 февраля/ Радио Sputnik. Хореограф Эдвард Клюг в интервью РИА Новости рассказал, кто из солистов Большого театра репетирует сейчас роли главных героев балета «Мастер и Маргарита» и кто станет Маргаритой.
«У нас сейчас репетируют две исполнительницы – Катя Крысанова и Ольга Смирнова. Над образом Мастера работают Денис Савин и Артем Овчаренко. А Воланда репетирует – для вас это будет неожиданностью – Влад Лантратов», ‒ сказал Клюг.
По словам хореографа, он приехал в январе для того, чтобы начать работу с этими главными героями.
«Мы уже начали, и я хочу сказать, постучав по дереву, что за две с половиной недели работы мы очень глубоко в процессе. Тем, что мы уже сделали, я очень доволен», ‒ отметил он.
4 февраля 2020, 14:57
Эдвард Клюг: ставить в России «Мастера и Маргариту» и сложно, и легкоПодписывайтесь на наш канал в Яндекс.Дзен и присоединяйтесь к нашему Telegram-каналу.«Я поняла, что мое тело откликается на новые языки танца»
Прима-балерина Мариинского театра Диана Вишнёва – о своем фестивале и о том, как меняется мировая и российская хореография
Диана Вишнёва, прима-балерина Мариинского театра / Сергей Карпухин / ТАСС
Диана Вишнёва впервые обратила взгляд на современный танец в 1994 г., когда в 17 лет участвовала в престижном Международном конкурсе балета в Лозанне, где завоевала сразу и Гран-при, и золотую медаль.
Конкурс стал поворотным моментом для танцовщицы, которая спустя совсем немного времени будет жить между Санкт-Петербургом и Нью-Йорком, став одновременно примой-балериной Мариинского театра и Американского театра балета. Ей оказались подвластны и классический репертуар, и современная хореография.
В 2013 г. Вишнёва создала международный фестиваль современной хореографии Context. Diana Vishneva. Она его бессменный арт-директор, продюсер и хедлайнер. Каждый год танцовщица выходит на сцену в премьерных постановках. Нынешний год не станет исключением: в балете Алексея Мирошниченко «Шахерезада» Вишнёва станцует последнюю иранскую императрицу Фарах Пехлеви. В фестивальные дни (29 августа – 4 октября) «Шахерезаду» смогут увидеть зрители московского Театра им. Моссовета и Основной сцены Александринского театра в Петербурге.
– Какие лично вы сделали открытия во время подготовки фестиваля нынешнего года: новые имена, сюжеты, подходы?
– Каждый фестиваль – это живой процесс.
В этом году мы проводим его в девятый раз. С одной стороны, обрели уже и опыт, и знания, и курс, которого придерживаемся. С другой – пандемия принесла столько непредсказуемости, турбулентности, что для меня, как для человека высокой внутренней дисциплины, это сложный момент: несмотря на все усилия, многие планы повисают в воздухе из-за внешних обстоятельств, на которые ни я, ни команда не можем повлиять. Например, мы уже в третий раз были вынуждены перенести «Шахерезаду» и почти два года откладываем эту московскую премьеру из-за пандемии. По меркам моей профессии это, конечно, огромный срок: можно было бы за это время три-четыре проекта подготовить.
Сейчас в подготовке фестиваля много экспромтов, часто приходится спонтанно искать новые или оживлять старые контакты, где-то использовать свое имя. До ковида, конечно, все было по-другому. Мы следим за событиями мирового танца и, конечно, выезжали на разные фестивали, отсматривали новые постановки, знакомились с новыми хореографами, балетными компаниями.
Но и в этом году мы смогли сохранить в программе фестиваля баланс между новыми именами и признанными мэтрами.
Мы не просто каждый год приглашаем хореографов, а очень много общаемся с ними, следим за их судьбой, находим те или иные нестандартные проекты, новые площадки и новые форматы. Смысл названия фестиваля – Context – состоит в том, что мы стремимся вписать отечественную хореографию в мировой контекст современного танца. Новых интересных имен в российской современной хореографии все больше, их влияние все ощутимее, и я рада, что наш фестиваль имеет к этому непосредственное отношение.
– Из чего каждый год складывается фестивальная мозаика, насколько велика ваша роль в отборе участников?
– Поскольку на протяжении своей зрелой карьеры я много танцую современную хореографию и как артист развиваюсь именно в этом направлении, то те хореографы, с которыми я сотрудничаю, естественным образом появляются на карте фестиваля. Так что моя история как артиста очень тесно связана с моей деятельностью как художественного руководителя фестиваля.
Это сочетание не только позволяет получить быстрый отклик на все, что мы делаем, но и очень обогащает меня в творческом плане и выводит на новый уровень.
Родилась в 1976 г. в Ленинграде. Окончила Академию русского балета им. А. Я. Вагановой. После окончания в 1995 г. поступила в Мариинский театр. Народная артистка России, лауреат Государственной премии России
1996
прима-балерина Мариинского театра (по настоящее время). Дебютировала в Большом театре России в партии Китри («Дон Кихот»)
1999
в составе Мариинского балета выступила на сцене Метрополитен-опера, в 2000 г. – в лондонской Королевской опере
2001
в качестве приглашенной солистки выступала в театре Ла Скала (Милан) и Баварской опере (Мюнхен). В 2002 г. – в берлинской Штаатсопер и Парижской опере
2005
прима-балерина Американского театра балета (по 2017 г.
)
2010
учредила Фонд Дианы Вишнёвой – культурную и благотворительную организацию, действующую на территории России, США и Японии
2013
создала международный фестиваль современной хореографии Context. Diana Vishneva. В 2017 г. открылась студия танца Studio Context в Санкт-Петербурге
Именно так, благодаря нашим совместным планам, в Россию в 2020 г. приехал молодой и очень одаренный хореограф Марко Геке – и сейчас на мировой сцене это одно из самых востребованных имен. А когда я танцевала Марту Грэм (хореографию Марты Грэм, американской танцовщицы и хореографа. – «Ведомости»), именно мы привезли труппу Грэм впервые в Россию в 2015 г., в год 90-летия этой компании. Мы смогли привезти в Россию и Матса Эка (шведский танцовщик, хореограф, театральный режиссер. – «Ведомости»), с которым я работала в Большом театре. Он уже объявил о намерении уйти со сцены, но мы успели показать на фестивале 2016 г.
его постановку «Топор» с Аной Лагуной и Иваном Ауцели. Ярким приездом были выступления Национального балета Канады с работой Кристал Пайт «Возникновение», которую она создала специально для труппы. Вечер вызвал колоссальный успех и восторг у нашего зрителя. И сегодня Кристал Пайт нарасхват у всех театров, одна из самых топовых хореографов. Мы планировали привезти ее новый спектакль, созданный уже для ее собственной компании Kidd Pivot. Но пандемия внесла свои коррективы. Несмотря на это, мы верим, что еще увидим Кристал в программе фестиваля.
– Вы много сотрудничаете с молодыми российскими хореографами, открываете новые имена. Кого из них мы увидим на фестивале в этом году?
– Наш традиционный конкурс молодых хореографов в этом году немного видоизменился. Мы по-прежнему принимаем заявки, но каждый год проводить конкурс все же не будем. В программу вечера войдут постановки победителей конкурсов предыдущих лет: Эрнест Нургали (2020), Анна Шеклеина (2018) и Ольга Лабовкина (2017) представят три одноактных постановки, в которых примут участие танцевальные компании из Уфы, Воронежа и Казани.
Мы расширяем, таким образом, и географию фестиваля, и его возможности. Не будем забывать и о региональных балетных труппах, и о том, что помимо хореографов должны развиваться и артисты, которые смогут взаимодействовать с новым поколением хореографов, которое появилось в России. Хочу сказать, что наше взаимодействие с хореографами – это длинная дистанция, а не проекты из серии «открыли и показали публике».
«В «Шахерезаде» Мы путешествуем по волнам памяти Фарах»
– Балет Алексея Мирошниченко «Шахерезада» – достаточно редкий случай, когда спектакль основан на реальных событиях, истории любви иранской правящей четы Пехлеви. Как это обстоятельство повлияло на вашу работу над ролью?
– В моей практике это впервые, когда спектакль основан не на некоей вымышленной, фольклорной или абстрактной истории, а на реальных исторических фактах. Балет рассказывает о свержении правящей династии, изгнании четы Пехлеви из страны, и произошло все по историческим меркам совсем недавно: Мохаммед и Фарах покинули Иран в 1979 г., после иранской революции.
«Шахерезада» (Пермский театр оперы и балета, хореограф Алексей Мирошниченко) /Андрей Чунтомов
С Алексеем Мирошниченко мы знакомы давно, принадлежим и к одному поколению, и к одной школе. Мы долго бок о бок работали в Мариинском театре, и у него на глазах развивался весь мой путь в балете, поэтому когда он стал главным балетмейстером Пермского театра оперы и балета, то пригласил меня на Дягилевский фестиваль, где хореограф Владимир Варнава поставил на меня «Петрушку». Алексей и сам давно задумывался о балете для меня. Он долго искал прототип главной героини – сильную, неординарную женщину, которая принадлежит ХХ в., и, поскольку была выбрана партитура «Шехерезады» Римского-Корсакова, то речь шла о Востоке. Как хореограф он обычно работает в неоклассическом стиле, а для этой премьеры выбрал более современную стилистику танца. Он очень много переписывался с Фарах и ее окружением, чтобы получить ее согласие на постановку и убедиться в том, что она принимает его видение этого сюжета, ее жизненного пути. Получился очень яркий балетный байопик, который рассказывает о невероятной и во многом трагической судьбе Фарах, последней императрицы Ирана. Для меня эта роль стала историческим событием.
– Удалось ли вам лично пообщаться с вдовствующей императрицей?
– Да, и это особенно ценно. Незадолго до локдауна нам удалось встретиться с Фарах, которой сейчас 82 года, побывать у нее дома в Париже. Она была невероятно взволнована, благодарна, она бывала в России, знает нашу страну и понимает, насколько важную роль балетное искусство играет в русской культуре.
До этого мы общались по телефону, и я тоже очень волновалась: мне лично звонит императрица, историю жизни которой я долго изучала, и говорит, как она счастлива и как она мечтает увидеть этот балет. На доли секунды я потеряла дар речи!
Для меня существует осязаемая перекличка с революцией 1917 г. и историей российской царской семьи. Безвозвратно утраченная власть, боль одиночества в изгнании, невозможность вернуться на родину, потеря детей (двое из них покончили с собой) – на долю Фарах выпало множество испытаний.
Разные сцены из истории жизни Фарах в балете не связаны между собой, но в итоге драматургически встраиваются в единый сюжет, где переплетены воспоминания героини о юности, учебе в университете, первой встрече с Мохаммедом, свадьбе, коронации, грандиозном параде 1971 г. в честь 2500-летия Персидской империи. Как раз эта сцена, кстати, будет одной из самых эффектных: по сцене пройдут 70 солдат, повторяя позы и жесты с барельефов фресок, повествующих о походах царя Дария. И конечно, балет расскажет и о трагических событиях иранской революции. Мы путешествуем по времени, по волнам памяти Фарах.
Алексей опирался также на рубаи Хафиза Ширази – афористические четверостишия великолепного суфийского поэта, одного из самых ярких поэтов Востока, – что очень обогатило колорит постановки.
«Ты становишься полиглотом в хореографии»
– Что способствовало вашему становлению в области современного танца?
– Первое и самое важное – у меня всегда был интерес к современной хореографии, еще со времен учебы в Вагановском училище, когда мы даже толком не знали, что такое современный танец, и полностью фокусировались на классическом балетном наследии, готовились танцевать классический репертуар.
Когда я приняла участие в международном конкурсе в Лозанне, в обязательную программу входил современный номер, и я довольно быстро ощутила, что мы упускаем что-то важное, что у нас не происходит в танце тех явлений, что я увидела за границей. Уже во время моей учебы стали появляться видеокассеты с записями балетов Иржи Килиана, Матса Эка, Джона Ноймайера, Джона Кранко, Кеннета Макмиллана, неоклассика Джорджа Баланчина, и я поняла, что существует огромный пласт танцевальной культуры, с которым мы совершенно не соприкасаемся. Что возникают новые, невероятные и очень разные языки танца, которые мы не осваиваем, и я даже не понимаю, с какой стороны к ним подойти.
– Этот конкурс стал поворотным моментом?
– Да, я вернулась с него другим человеком. Побывав на Западе, почувствовав дух свободы, узнав новое для меня отношение к танцу, я поняла тогда, в 17 лет, что хочу пойти по этому пути, каким бы непростым и долгим он ни был.
Мне повезло оказаться в Мариинском театре уже в то время, когда он был открыт современным зарубежным хореографам, и посчастливилось поработать с Ноймайером и [Уильямом] Форсайтом, будучи еще очень молодой, но в то же время созревшей для того, чтобы расширить границы классического репертуара и начать осваивать новые танцевальные языки. В течение почти 10 лет, совершенствуясь в классике, я параллельно отсматривала множество записей современных западных постановок.
Посещая западные театры, я видела, что их репертуар строился не только на классическом наследии, и в какой-то момент я поняла, что мое тело откликается на новые языки танца и есть огромное желание этими языками овладеть. И я начала самостоятельное движение в этом направлении, стала искать встречи с современной хореографией и ее амбассадорами.
Было непросто: приходилось отпрашиваться, искать компромиссы в отношении того, как выстроить свой график репетиций и выступлений, сохранить связь с Мариинским театром. Нагрузки были колоссальные. Помню, что иногда я просыпалась и не могла понять, где я, в каком городе. Я могла репетировать одновременно несколько балетов в разных концах мира: «Даму с камелиями» в Американском театре балета в США – и тут же балет [Алексея] Ратманского «Анна Каренина» в Мариинском театре и параллельно еще какой-нибудь современный опус в Европе.
– Тело сопротивлялась новой хореографии?
– Постоянно! Иногда в каком-то смысле приходилось себя ломать. Но, преодолев себя, ты понимаешь, что результат тебе дает новый уровень понимания своих возможностей в танце. Ты становишься полиглотом в хореографии, ты чувствуешь, как тебе открывается весь мир, исчезают границы. Это невероятное ощущение свободы в танце очень ценно для меня.
– Какие телесные практики, помимо классической балетной подготовки и хореографической базы в широком смысле, оказались для вас полезными и почему?
– Каждая техника уникальна, и гениальность хореографа как раз и состоит в том, что он изобретает хореографический язык – будь то Уильям Форсайт, Марко Геке или Охад Нахарин. А взять Эдуарда Лока, у которого на невероятных, запредельных скоростях все происходит и танцовщики словно включают у себя внутри ускоренный режим движения!
Когда ты вливаешься в постоянный состав труппы того или иного хореографа, у тебя есть годы на изучение его особого языка. Но когда ты приходишь туда как гость, это совсем другая история: время сжимается, это давление невероятное. Поэтому я всегда предпочитала, скажем так, пожить в труппе какое-то время, побыть ее частью. Я приезжала в труппу Лока, к Охаду Нахарину, в другие компании на несколько месяцев, на полгода, иногда даже на год. В Нидерландах, в театре танца NDT, куда я приехала к Полу Лайтфуту и Соль Леон, я оказалась первой классической танцовщицей, нога которой вообще ступила на эту сцену, и на меня смотрели как на инопланетянку!
Я хваталась за любую возможность попробовать что-то новое и развиваться, жила в самолете, разрываясь буквально между континентами. Это было не просто невероятно энергозатратно, нужно было полностью посвятить себя этой миссии. Более того, не только ты, но и твоя семья и близкие должны тоже посвятить себя этой цели, понимать тебя, принимать и помогать тебе. В одиночку справиться с такими нагрузками и выдержать этот образ жизни невозможно.
«Мне безумно тяжело давался балет»
– Что конкретно наполняет для вас фразу «Искусство требует жертв»? Есть ли в ней правда жизни? Старались ли вы обойтись без жертв и если да, то что для этого делали?
– На мой взгляд, этот постулат справедлив в любом деле и любой профессии, если ты полностью отдаешься поставленной цели. Я с детства знала: кто-то пойдет отдохнуть, кто-то пойдет в кино или клуб, а я буду репетировать и работать до ночи. Но это был мой свободный выбор, мое решение. Самое важное – любить то, что ты делаешь. Тогда преодоление станет источником энергии, а каждый маленький результат, пусть даже его не заметят окружающие, будет для тебя настоящей победой.
Да, оглядываясь назад, я понимаю, что многие вещи в плане праздности, удовольствий, гедонизма я пропустила. Но я делала каждый свой шаг осознанно, меня никто не заставлял, поэтому свой выбор я не воспринимала как какую-то жертву. Я все делала, чтобы понравиться лично себе, а не кому-то, и поэтому никогда ни о чем не жалела. У меня был прекрасный педагог Людмила Ковалева, которой я полностью доверяла и которая меня очень поддерживала. И эта связь между нами держится до сих пор.
Я с 10 лет привыкла к жесткой дисциплине, и я приняла ее вместе с отношением к профессии. Даже сегодня я знаю, что у меня нет права дать слабину. Но важно понимать и то, что система балетного образования – это не застенки и не тюрьма, там каждый вкладывается в меру своего желания и возможностей.
Мне очень нравилось Вагановское училище. Там были свои правила, но и свои радости тоже: мы беззаботно играли на переменах, у меня были подруги. Но уже в 10 лет я понимала, что такое труд, самостоятельность и ответственность, – и главное, что мне это нравилось.
– Что помогало вам справляться с нагрузками?
– Мой плюс был в том, что я могла быстро собраться, сфокусироваться на поставленной задаче, схватить суть – и довольно быстро выдать результат, которого от меня в том или ином возрасте не ожидали. Я понимала, что, если надо – значит, кровь из носа, но надо сделать. Такова моя природа, на которую балетная дисциплина и ответственность, сценарий «через тернии – к звездам» очень удачно легли.
– Терний было много?
– Они были постоянно! Сколько себя помню, мне безумно тяжело давался балет. Были и слезы, и боль, которая, накапливаясь, перерастает из физической в душевную. Однако меня в силу особенностей моей натуры эти трудности не отворачивали от профессии.
Я твердо шла к своей цели, и был педагог, который верил в меня. Но важно не просто верить, не просто трудиться, а делать это с пониманием, что тебе действительно нужно, а что тебе не подходит.
Важные этапы в жизни не случались со мной по инерции или эмоционально. Я все анализировала в плане принятия решений. Те же репетиции, выбор спектаклей и хореографов по сей день идут через мое сознание. Меня и хореографы всегда вдохновляли те, что имеют серьезный интеллектуальный бэкграунд, широкую эрудированность.
– «Нельзя себя жалеть» – это часто звучит в мире балета и спорта высших достижений. Действительно так и нужно?
– Любой осязаемый результат, а тем более успех имеет свою цену. Но иногда нужно остановиться и сделать передышку. Физические нагрузки очень связаны с иммунитетом, и подчас необходимо взять паузу, чтобы не сорвать потом спектакль. Меня мои педагоги всегда останавливали, но не со словами «пожалей уже себя», а с просьбой себя поберечь. Думаю, что и мне ближе такая формулировка.
Риск выгорания, безусловно, существует, и ты должен себя от него защитить. Если ты не делаешь этого сам, тебе помогает твой наставник, поэтому важно, чтобы педагог был внимательным и небезразличным. Меня никогда не нужно было заставлять заниматься, а вот просьбу сбавить обороты, чтобы не перегореть, я от педагогов слышала не раз и очень благодарна им за чуткость.
По мере наступления зрелости в отношении артиста появляется больше анализа, рефлексии. Ты уже хорошо знаешь себя и понимаешь, сколько и как тебе нужно поработать для достижения результата, когда нужно добавить огня, чтобы выдержать бешеный спринт. Иногда я устраивала немыслимые по сложности балетные вечера: три акта, все в разном стиле, с пуантами и без – но я любила эти вызовы, которые сама себе бросала. Без этого я не мыслю себя в профессии.
– Успех балета во многом зависит от того, насколько и автор спектакля, и танцовщики сумеют донести свои мысли до публики. Что делаете вы для того, чтобы быть услышанной?
– Иногда самые прекрасные произведения остаются недооцененными среди современников и получают признание лишь по прошествии времени. Некоторые работы просто опережают свое время. И тут встает вопрос: что такое успех – аплодисменты, рецензии, полный зал, долгая жизнь спектакля на подмостках? Но ведь может произойти и такое: я станцую спектакль – и кто-то лишь пожмет плечами, но лет через 10, просмотрев запись этого выступления, люди скажут, что это совершенно невероятно. Поэтому для того, чтобы быть услышанной, я ничего специально не делаю. На мой взгляд, это бесперспективно: готовность публики воспринять ту или иную идею находится вне зоны моего контроля. Если я верю в постановку, я буду в ней участвовать, искренне делать свое дело, вот и все.
Чтобы двигаться вперед, нужно не бояться быть непонятым. Более того, надо быть готовым к этому. Мне не раз приходилось сталкиваться с тем, что в меня не верили, не понимали, не видели моих возможностей. Даже от некоторых педагогов доводилось услышать, что я по своим данным просто не могу быть балериной, что мое тело не создано для балета и даже врачебный осмотр не нужен, чтобы это понять. Но реальность оказалась совсем другой, и я создала ее своими руками.
«В слиянии жанров и стилей и состоит искусство ХХ века»
– В апреле состоялась премьера фильма Андрея Сильвестрова «Слепок». Пять хореографов – лауреатов фестиваля Context разных лет поставили танцевальные опусы, вдохновленные пятью периодами в истории искусств на музыку современных академических российских композиторов. Съемки проводились в залах ГМИИ им. Пушкина, а вы выступили в одной из партий, связавшей воедино пять историй об искусстве. Какими глазами вы сами увидели коллекцию ГМИИ им. Пушкина во время подготовки проекта?
– В этот раз я не просто смотрела на коллекцию, мы с ней говорили на языке танца. Как выразить пластикой Средневековье или Древний Рим? Было интересно посмотреть на знакомое в новом ракурсе. Тем более что мой образ в фильме – это линия или проводник между разными историческими периодами, разными жанрами искусства. Я несу в себе память всех поколений. Это было важно показать.
У меня наложился и другой опыт. Будучи классической балериной, я на физическом уровне ощущаю античные скульптуры. В их замерших движениях история всего танца. Поэтому мне был интересен диалог с ними языком хореографии и кинематографа.
Также впервые музей я увидела без привычной суеты посетителей. Осталась с ним наедине. Несмотря на все внешние события – локдаун, ограничения, – в закрытом музее царила медитативная атмосфера. Мы погружались в прошлое, говоря с ним языком дня сегодняшнего.
– Изменилось что-то в вашем восприятии знакомых музейных залов?
– Я еще сильнее убедилась в том, насколько танец и музейное пространство связаны. Как они наполняют друг друга иными смыслами. В слиянии жанров и стилей и состоит искусство ХХ века. И нам важно продолжать исследовать эту территорию. Быть в контексте.
– В чем для вас ценность участия в этом проекте?
– Фильм всем нам – фестивалю Context, Фонду Аксенова и Пушкинского музея, режиссеру Андрею Сильвестрову – дал новый опыт, очень обогатил и сплотил. Удивительно, но, если бы не пандемия, возможно, такой проект и не получилось бы реализовать. Когда все мы оказались запертыми, без театров, музеев и кинозалов, и ушли в онлайн, то единственно возможным стало создать что-то, совмещенное с кинематографом. И мы стали искать. Вместе пошли на эксперимент: режиссер, прежде не имевший опыта съемок танца, и хореографы, никогда не танцевавшие в залах музея такого масштаба, да еще и для киносъемок. И все это – на музыку современных академических композиторов. Этот путь занял пять месяцев подготовки, составления сценария и договоренностей с апреля по сентября 2020 г. Снимали мы за девять дней в конце ноября – начале декабря, а на монтаж и запуск фильма к премьере ушло вновь пять месяцев: с января нового года по март. Такая магия чисел.
Сегодня фильм «Слепок» уже живет своей жизнью, обрастает все новыми гранями смыслов. Мы и сами еще разгадываем, что же у нас получилось. Высказывание на тему слепка? Рефлексия на прошлое? Попытка анализировать настоящее, всматриваясь в будущее? Уверена, что каждый зритель ответит сам на эти вопросы и задаст новые. Наш фильм дает возможность интерпретации.
– Фестивальные показы в этом году пройдут в том числе и в ГМИИ им. Пушкина. В чем их особенность? В перспективе какие еще площадки были бы вам интересны?
– Музеи становятся более открытыми. Для них тоже очень важно предложить посетителям новый контекст восприятия своих коллекций, поэтому в этом отношении мы удачно нашли друг друга. Хореографу непривычное пространство, наполненное разными смыслами, дает огромное поле для фантазии. Музейные залы далеко не всегда соответствуют критериям сценического пространства, поэтому не все законы создания балетного произведения там работают, и это дополнительный вызов для создателей спектакля. Приходится искать подходы и способы ощутить тело, музыку в новом пространстве, это очень творческий процесс. Опыты такого рода оказываются и очень интересными, вдохновляющими и востребованными. Музейные экспозиции по своей природе статичны, а здесь танец рождается и умирает на глазах у зрителей, которые находятся на расстоянии нескольких шагов от артистов. Это удивительный опыт для обеих сторон.
На фестивале в залах Пушкинского музея мы покажем работу Павла Глухова, финалиста нашего фестиваля 2016 г., – это балет «Бумажный человек». В его спектакле-монологе в исполнении Васко Насонова очень интересный замысел: человеческая природа выступает главным героем произведения искусства, балет становится формой антропологического исследования. Раньше в Пушкинском музее выступала испанская труппа La Veronal, которая в этом году вновь приедет в Россию, но ее новая постановка, балет Pasionaria, будет показана уже на сценических площадках – в московской «Новой опере» и в театре-фестивале «Балтийский дом» в Петербурге.
Pasionaria (компания La Veronal, Испания; хореограф Маркос Морау) /Alex Font
– Хореограф Маркос Морау создал в балете Pasionaria образ планеты, обитатели которой превратились в технические гаджеты, утратившие всякую способность к чувствам. Чем вас привлек этот спектакль?
– Мне давно полюбилась и эта труппа, и ее замечательный хореограф. И публике она тоже запомнилась. У нас сложились дружеские отношения, очень теплые, и мы следим за каждой премьерой испанцев. Новая постановка – это фантазия на тему, что произойдет с человечеством, если на смену людям придут гаджеты, уничтожив чувства и человеческие проявления. На мой взгляд, это очень актуальная сейчас тема, и она очень талантливо рассказана языком танца. Я очень люблю синтез искусств, и в Passionaria этот синтез будет невероятно ярким, поэтому я очень жду этого спектакля, мне кажется, что он станет сенсацией.
«Имя человека в чем-то подобно флагу»
– Для Кристиана Шпука, художественного руководителя балета Цюриха, важной жизненной школой стала альтернативная служба в армии, во время которой он работал в психиатрической клинике. Вспоминая об этом, Кристиан отмечает, что эта школа жизни воспитала его и как хореографа: он общался с людьми, которые оказались за бортом, и учился находить с ними общий язык. Что вы могли бы назвать вашей жизненной школой за пределами балетной школы и театра?
– Опыт танцовщика имеет принципиальное отличие от пути хореографа: мы не имеем такой свободы в плане передвижения и организации своего времени, в большей степени связаны репетициями. Поэтому мы в определенном смысле привязаны к нашей alma mater, педагогам, балетному станку. Все восемь лет учебы в балетном училище проходят под сильным давлением, поскольку есть риск отчисления и никому не хочется, вложив столько сил, оказаться не у дел. Поэтому первой школой жизни для меня было Вагановское училище, а второй – Мариинский театр, куда я поступила сразу же после окончания школы. Следующим этапом стало самостоятельное плавание, когда я стала заключать контракты с American Ballet Theater в США, Opera de Paris во Франции, Staatsoper в Берлине и взяла на себя ответственность за свое расписание и уровень занятости.
Обстоятельства личной жизни и ближний круг тоже довольно сильно влияют на то, как сложится твоя карьера, это очень взаимосвязанно. Имеет значение и удача, встретишь ли ты правильного человека в нужное время и в нужном месте. Но главное, конечно, это твои личные качества и то, насколько ты способен собраться или ограничить себя в чем-то, когда это необходимо, насколько ты сумеешь не растерять любовь к своему делу. Если утратить мотивацию, то любимое дело превратится в рутину, искра исчезнет и зритель тут же это почувствует. И, чтобы искра сохранилась, нужно уметь не почивать на лаврах звездности, успеха и всех приятных моментах, которые с этим связаны. Искры рождаются в процессе преодоления себя, во время взлета, выхода на новый уровень. В этом правда жизни.
– Что считаете важным рассказать о правде жизни своему сыну и за что в этом смысле благодарны родителям?
– Я благодарна судьбе за то, что мне так повезло с родителями. Родители – это твой жизненный фундамент, корни, генетика, это те люди, благодаря которым ты осознаешь себя, понимаешь, почему ты именно такая.
Родители всегда меня очень поддерживали и помогали, не лишая при этом возможности проявлять самостоятельность, принимать собственные решения. У них много чудеснейших качеств, они являются и вдохновением, и примером красоты, силы, благородства для меня, и ориентиром во многих других отношениях. В этом плане мне очень повезло: я естественным образом впитала их систему ценностей, и мне не пришлось искать какие-то другие идеалы во внешнем мире. В прошлом году родители отпраздновали золотую свадьбу, полвека вместе. К сожалению, всего месяц назад я потеряла папу, это огромное горе для меня, которое я сейчас очень остро переживаю.
Если говорить о сыне, то я повторю слова, сказанные уже о балете: очень важно любить. Все родители своих детей любят, но вот вкладывают в это понятие самые разные вещи. Важно понять – и мои родители это знали, – что в определенный момент ребенка нужно отпустить, дать ему почувствовать свою самостоятельность. Нужно, чтобы ребенок сам нашел себе в жизни учителей, наставников, выбрал свой путь. А если ты будешь навязывать ему свои желания и через него воплощать в жизнь собственные несостоявшиеся когда-то планы, то ничего хорошего не получится. Нет смысла оберегать ребенка от тех ошибок, что ты когда-то сделал сам. Ошибки все равно будут, но они будут свои, и на них он будет учиться.
Я рада, что родила ребенка, уже будучи состоявшейся личностью. В более молодом возрасте я еще не понимала многих важных для воспитания ребенка вещей, да и временем ты с возрастом учишься распоряжаться иначе. Сейчас я могу дать сыну намного больше, чем, скажем, 10 лет назад.
Я буду поддерживать его, помогать ему узнать себя, понять ту миссию, ради которой он пришел в этот мир. Надеюсь, что у меня это получится. Сейчас он еще маленький, но проявления характера уже заметны, и мы с мужем во многом узнаем в нем себя.
– Что в вашем сыне от вас?
– Подвижность, эмоциональность, импульсивность. И он такой же упертый, до конца стоящий на своем, как и я.
– Вы назвали сына Рудольф Виктор. В чем значение этого двойного имени?
– Я много читала о мужских именах, интересовалась их значениями, прежде чем принять решение о том, как назвать сына. Мне хотелось, чтобы в имени присутствовала буква «р», в ней есть сила, мужественность, стойкость. Узнав, как я назвала сына, некоторые люди решили, что я сделала это в честь Рудольфа Нуреева, но это совсем не так. Имя Рудольф означает «смелый вожак», «славный волк», и мне очень близок смысл этого имени. В сыне смешано много кровей: татарская и русская с моей стороны, корейская и белорусская со стороны мужа, поэтому я понимала, что традиционное русское имя ему не подойдет. Второе имя, Виктор, – это имя моего отца, которое мне очень дорого и которое в переводе означает «победитель».
Кроме того, наш сын родился в США, где отчество не используется, и мне хотелось подарить ему два имени. Когда он станет постарше, у него будет выбор, какое из двух имен сделать первым. Я сама всегда очень любила свое имя – во многом потому, что оно редкое. Имя человека в чем-то подобно флагу, знамени, оно может быть очень красноречивым, и для сына хотелось выбрать именно такое.
проект «Большой балет» назовет имена победителей
19 декабря в 15:30 телеканал «Культура» покажет финальный выпуск четвертого сезона проекта «Большой балет», в конце которого мы услышим имена победителей. Два месяца восемь пар артистов балета из Мариинского театра, Государственного театра оперы и балета Республики Коми, Бурятского, Башкирского, Красноярского, Саратовского, Воронежского и Екатеринбургского театров оперы и балета боролись за право называться лучшими.
Молодые артисты представляли номера, являющиеся лучшими образцами классической и современной хореографии. Каждое выступление сопровождалось замечаниями строгого, но справедливого жюри, в состав которого вошли звезды мирового балета: народный артист России Фарух Рузиматов, заслуженный артист России, хореограф Алексей Мирошниченко, приглашенный солист Михайловского и Мариинского театров, доцент Академии Русского балета имени А. Я. Вагановой Денис Матвиенко во главе с прима-балериной Мариинского театра Дианой Вишневой.
Финал «Большого балета» станет своеобразным гала-концертом. Перед публикой и судьями выступят конкурсанты нынешнего сезона, а также победители проекта прошлых лет. К ним присоединятся звезды балета: Анна Тихомирова и заслуженный артист России Артем Овчаренко; народная артистка России Мария Александрова и заслуженный артист России Владислав Лантратов; заслуженный артист Украины, приглашенный солист Михайловского и Мариинского театров, член жюри нынешнего сезона Денис Матвиенко и пианист Филипп Копачевский; Ильдар Абдразаков и Евгения Образцова; Кристина Шапран и заслуженный артист России Игорь Колб и другие.
В конце вечера победителям сезона в номинациях «Лучшая балерина», «Лучший танцовщик» и «Лучшая пара» вручат главный приз – Хрустальный пуант. Он выполненный в старинной технике пат-де-вер (pâte de verre), что в переводе означает «тесто из стекла».
Ведущие – прима-балерина Большого театра России, этуаль балетной труппы Миланского театра «Ла Скала», народная артистка России Светлана Захарова и оперный певец, народный артист Республики Башкортостан, народный артист Республики Татарстан Ильдар Абдразаков.
10 балерин, изменивших историю танца
Сегодня Светлана Захарова и Мисти Коупленд очаровывают нас своим стилем и грацией. Им предшествовали божественные Анна Павлова и Майя Плисецкая, страстная Алисия Алонсо, царственная Марго Фонтейн и романтическая Карла Фраччи — имена, которые на слуху даже у тех, кто не интересуется танцами.В этой статье вы найдёте десять самых важных имён, которые помогут окунуться в историю женского балета с девятнадцатого века до наших дней.
1. Мария Тальони (Стокгольм, 1804 — Марсель, 1884)
Образ танцовщицы как нежной, утончённой девушки появился именно благодаря ей. Уверенная стойка на пуантах в пачке, украшенной вуалью — она словно на облаке, в невесомости.После дебюта в Парижской опере в балете «Сильфида», который положил начало романтической эстетики этого танца, Мария стала дивой в театрах и дворах по всей Европе.
С модной сцены стиль Тальони вызвал ярость в обществе, а её жизнь была авантюрной и почти развратной, несмотря на ангельскую репутацию танцовщицы. Став настолько богатой, в том числе благодаря пожертвованиям поклонников, чтобы иметь ряд дворцов в Венеции, она закончила свою жизнь в бедности, преподавая танцы.
2. Анна Павлова (Санкт-Петербург, 1881 — Гаага, 1931)
Почитаемая элитой и принадлежавшая массам — Анна Павлова, воплощение танцовщицы-лебедя. Выбравшись из царской России, она появлялась на парижских и лондонских сценах, а между гастролями ездила в Австралию. Именно там ей посвятили торт — белое безе, похожее на её пачку.Всегда идеальная в своём стиле, в одежде Анна отдавала предпочтение мехам шиншиллы и соболя; была любительницей шляпок со страусиными или ястребиными перьями.
3. Марго Фонтейн (Райгит, 1919 — Панама, 1991)
Для новых поколений балерин Марго Фонтейн остаётся образцом английской балерины: безупречная — на сцене и в жизни — она не зря получила титул Дамы Британской империи.После детства в Китае Марго вернулась в Великобританию, где утвердилась в качестве танцовщицы-символа Королевского балета.
Её личная жизнь была достаточно оживленной: первый муж — панамский дипломат, ставший жертвой политического скандала. Позже — отношения с Рудольфом Нуреевым: он — двадцатилетний вундеркинд, только что сбежавший из Советского Союза, она — почётная сорокалетняя балерина, которой уже светит отставка. Между ними разгорелась страсть, на сцене и, возможно, не только, после исторической «Жизели», за которой следуют золотые сезоны, и аж до балета «Маргарита и Арманд», созданного специально для них.
4. Майя Плисецкая (Москва, 1925 — Мюнхен, 2015)
Жизнь этой балерины могла бы стать отличным сюжетом для фильма. Получив звание абсолютной примы-балерины, она покорила целые поколения зрителей своей блестящей техникой и изысканным лиризмом.Неукротимый темперамент танцовщицы так и не поддался советской власти, которая делала всё, чтобы скрыть Майю от мира — например, запретив ей выступать за границей. Но её слава превосходила любую идеологию. Помимо хореографов, которые дарили ей балеты, западные модельеры и фотографы также восхищались её светящимися глазами, длинными волосами, лебединой шеей и волевой красотой.
5. Алисия Алонсо (Гавана, 1920 — Гавана, 2019)
Кубинский балет — уникальное явление благодаря сочетанию классической техники и карибской страсти. Алисия Алонсо всей своей натурой отрицает, что классический балет может быть исключительно западным искусством.Танцевать Алисия продолжила даже восьмидесятилетней, наслаждаясь гастролями до последних своих дней: с ярким театральным макияжем, блестящими красными ногтями и неизменным шарфом на голове.
6. Карла Фраччи (Милан, 1936)
Наследница див романтического балета, благодаря своей простой и яркой красоте, изяществу и вечной женственности, Карла Фраччи воплощает собой образ классической танцовщицы.Из своего театра Алла Скала «Карлина» взяла курс на международную карьеру: главная героиня многих незабываемых шоу в великих театрах мира и сам Рудольф Нуреев в качестве партнёра.
7. Сильви Гиллем (Париж, 1965)
Сильви Гиллем изменила стиль балета последних 30 лет.Всем известна её безупречная и царственная техника, а особенно её красивые ноги в положении «шесть часов». Дебютировав в художественной гимнастике и будучи вундеркиндом в Школе балета в Париже, она вошла в труппу в 16 лет, а в 19 уже стала примой-балериной.
Капризная по своей натуре, «Мисс Нет» оставила Оперу, чтобы чувствовать себя свободнее. С этого момента прошло 50 лет, а прощание со сценой оказалось безвозвратным: перфекционистка, какая она есть, не пойдёт на компромиссы.
8. Алессандра Ферри (Милан, 1963)
Художественная и личная истории современной балерины трагедии Алессандры Ферри столь же неотразима, как и истории див прошлого.Страсть и смелость всегда определяли её выбор: одарённая ученица балетной школы при Алла Скала, в 15 лет она перешла в Королевскую балетную школу в Лондоне, где стала примой-балериной. Ей было всего 19, когда она со своим горячим темпераментом играла Джульетту для сэра Кеннета Макмиллана, легендарного хореографа.
Её артистическое любопытство заставило её уехать из Лондона в Нью-Йорк — по приглашению Михаила Барышникова, одного из ее избранных партнёров, она стала любимой примой Американского театра балета.
В разгаре успеха Алессандра попрощалась со сценой, чтобы посвятить себя своим дочерям Эмме и Матильде, но вернулась через семь лет, «потому что не может жить без танцев».
9. Светлана Захарова (Луцк, 1979)
Царица русского балета Светлана Захарова уже много лет показывает своё превосходство в танцевальном мире. Ангельская красота и вспыльчивый характер вдобавок к её таланту сделали из неё успешную приму-балерину.Получившая сотни призов и наград, звезда Большого московского балета является ещё и выдающейся личностью помимо танцев: за её плечами политический опыт в качестве члена российского парламента, балетный фестиваль для детей, который носит её имя, и участие в нескольких телепередачах.
10. Мисти Коупленд (Канзас-Сити, 1982)
Настоящей революцией для балета стало появление на сцене Мисти Коупленд, первой афроамериканки, получившей звание примы-балерины Американского театра балета.От неблагополучного детства в пригороде Западного побережья Мисти удалось сбежать благодаря изучению балета. Мисти понадобилось много лет, чтобы утвердиться и танцевать великие роли примы-балерины: её дебют в белой пачке в «Лебедином озере» стал историческим; после него ей удалось сыграть Джульетту в Алла Скала.
Десять чарующих женщин, изменивших историю балета — их жизни могут стать источником вдохновения и мотивации.
Книга недели: пособие по развитию тела от балерины с мировым именем | Культура
Культура
24 декабря 2020
10 лет. Именно в этом возрасте дети приходят в настоящую балетную школу. Впереди их ждут многочасовые разогревы, балетные классы и репетиции, а затем — спектакли и овации. Балерины учатся контролировать каждую маленькую мышцу своего тела. Они знают, что человеческое тело — это инструмент, который можно натренировать на тонкую и точную работу. Именно танцовщицы умеют с ним работать как нельзя лучше и настраивать его на достижение успеха.
В книге «Научите меня балету!» балерина Мария Хорева раскрывает базовые способы создания универсального тела, пригодного для занятия танцами, спортом и фитнесом. Профессиональные секреты известной танцовщицы подойдут каждому человеку, заинтересованному в гармоничном развитии своего тела, в его красоте и здоровье.
- Как увеличить выносливость?
- Как «сжечь» лишние калории?
- Как добиться хорошей растяжки (наработать «балетный шаг»)?
- В чем секрет правильного шпагата?
- Почему так важен разогрев перед тренировкой?
- Как улучшить фигуру?
- Какие упражнения за пределами балетного класса помогут развитию балетных навыков?
Своей книгой Мария хочет передать читателям все то, чему она сама она училась долгие годы. Марии всего 20 лет, но она уже первая солистка Мариинского театра и одна из 8 мировых «ballebrities» по версии New York Times. Мария с отличием окончила Академию Русского балета имени А. Я. Вагановой.
За ее блогом @marachok в Инстаграме следят 460 тыс. человек. Книга Марии значительно отличается от привычных пособий по изменению тела. Цель автора-балерины — познакомить как можно больше человек с главным занятием ее жизни — балетом, показать, чем живет современный танец и влюбить в него читателей. Для этого Мария составила несколько комплексов упражнений, балетных классов (так называются занятия, с которых начинается балетный день) и просто приемов, которые основаны на методике образца балетной педагогики А. Я. Вагановой.
Специальные упражнения предназначены для решения конкретных простых и понятных задач: разогреться перед тренировкой, скинуть вес, накачать красивые сильные руки и стройные выносливые ноги, как следует растянуться. Вы можете выбирать понравившиеся, комбинировать их с другими и модифицировать сложность в зависимости от вашего уровня подготовки.
«Балет — один из последних по-настоящему живых видов искусства, где ошибка остается ошибкой без возможности исправления: танцовщик виден как на ладони, ему не спрятаться за декорацией, не отшутиться, не повторить забытую или плохо произнесенную реплику. В балете есть только один путь — бесконечные тренировки и репетиции, доводящие стандартные элементы до автоматизма, а затем переводящие их в режим бессознательного воспроизведения, когда на первый план выходят эмоции и управление телом передается сердцу».
Книга подойдет не только тем, кто занимается балетом. Она пригодится всем, кто совершенствуется в смежных областях: фигурном катании, художественной гимнастике, танцах, синхронном плавании, фитнесе — там, где нужна сила, объединенная с координацией.
Grand battement, arabesque, grand plié — все эти загадочные слова раскроют перед вами свои значения и вы поймете, как именно балет выстраивает тело человека и почему он считается самым сложным и гармоничным видом классического искусства.
Развивайтесь с удовольствием!
12 красивых имен для новорожденных балерин — Квест имени ребенка
Новые телешоу, вдохновленные балетом, такие как «Breaking Pointe» и «Bunheads», все лето подпитывали мечты маленьких девочек. И хотя у их персонажей не всегда есть детские имена, похожие на имена балерин, некоторые действительно выделяются.
Когда дело доходит до имен балерин, мы думаем, что лучшие примеры — это имена известных балерин из современной истории и персонажей, которых они изображают.
Имена, вдохновленные балетами и персонажами балета
1.Аврора — из балета «Спящая красавица»
.Имя, которое мы связываем с северным сиянием, у Авроры также есть сказочное изображение, которое можно добавить в свой список очарования, и в настоящее время наблюдается восходящая тенденция.
2. Клара — из балета «Щелкунчик»
Имя маленькой девочки, чьи мечты воплощаются в жизнь в балете, это кажется подходящим для балерины или девушки по соседству (или и того, и другого!). Хотя Клара не так популярна, как в 1800-х годах, она также имеет тенденцию к росту.
3.Жизель — из балета «Жизель»
Одно из самых знаковых имен балерин (в конце концов, это название), Жизель — это также имя принцессы Диснея, хотя это, похоже, не сильно повлияло на ее популярность.
4. Майя — для русской балерины Майи Плисецкой (1925 г. р.)
Это имя также набирает популярность с тех пор, как оно впервые появилось в чартах в 1970-х годах.
5. Саша — из телешоу «Болваны»
Русское имя с большой привлекательностью, Саша — это прозвище Александра, которое используется в основном для девочек в США.С.
6. Сильви — для французской балерины Сильви Гиллем (р. 1965)
Французская форма Сильвии. Это очаровательное имя, кажется, нравится людям, но редко используется.
7. Светлана — для украинской балерины Светланы Захаровой (1979 г. р.)
Это распространенное русское имя, которое редко встречается в США, так как из-за комбинации его трудно произносить.
Имена балерин заканчиваются на -ina
Одна общая характеристика, которую разделяют несколько детских имен балерин, — это окончание ин-ина, отражающее само итальянское слово «балерина».Все следующие имена имеют интернациональный оттенок. Нина самая популярная, остальные даже не входят в первую тысячу.
8. Беттина — из «Bunheads»
9. Галина — для балерины Галины Мезенцевой (1952 г. р.)
10. Ирина — для балерины Ирины Колесниковой (1980 г. р.)
11. Катрина — из телешоу «Академия танцев»
12. Нина — для грузинской балерины Нины Ананиашвили (1963 г. р.)
наименований ~ Блог детских имен: имена для балерин
Изначально я написал эту статью для Name Candy.Он был отредактирован и обновлен для этого блога. Наслаждаться!
Если вы похожи на меня, вы не можете насытиться всем балетом. В частности, мой телевизор переполнен реальными и воображаемыми балеринами из шоу, которые делают жизнь примы-балерины готовой для взрослых зрителей. Шоу Breaking Pointe (реалити-шоу), Bunheads (драма / комедия) и австралийская драма Dance Academy — прекрасный ответ на мое увлечение балетом.
Если вы хотя бы наполовину очарованы, как я, вы, вероятно, также вдохновлены именами из этих шоу. Персонажи и настоящие танцоры в этих шоу не всегда получают имена, которые кричат о балете ! , но некоторые действительно выделяются. Что касается имен балерин, я думаю, что наиболее яркими примерами являются имена известных балерин на протяжении всей современной истории, а также имена из классических балетов. Вот примеры каждого из них.
Аврора — это имя, которое мы связываем с северным сиянием.У него прекрасное значение и сказочный образ, чтобы добавить к его списку прелестей. Это имя имеет тенденцию к росту.
Клара — из балета Щелкунчик
Имя маленькой девочки, чьи мечты воплощаются в жизнь в балете, кажется подходящим как для балерины, так и для соседской девушки. Хотя Клара не так популярна, как в 1800-х годах, она также имеет тенденцию к росту.
Жизель — из балета Жизель
Возможно, самое культовое имя балерины всех времен, Жизель изящна и создана для балета.Это также имя принцессы Диснея, хотя это, похоже, не слишком повредило и не способствовало ее популярности.
Майя — Майя Плисецкая, русская балерина (р. 1925)
Майя — еще одно имя, которое набирает популярность с тех пор, как впервые появилось в чартах в 70-х годах.
Саша — из Bunheads
Русское имя с большой привлекательностью. Это любимая форма Александра, которая используется в основном для девочек в США.
Сильви — Сильви Гиллем, французская балерина (р.1965)
Французская форма Сильвии, это милое, но изысканное имя, которое, кажется, нравится людям, но не используют его так часто, как следовало бы.
Светлана — Светлана Захарова, украинская балерина (р. 1979)
Это распространенное русское имя, которое редко встречается в США, так как сочетание «Sv» делает его немного прерывистым при произношении. Это имя носит русская балерина Светлана Лунькина.
Беттина «Бу» — персонаж из ушедшего телешоу Bunheads
Галина — Галина Мезенцева, русская балерина (1952 г.р.)
Ирина — Ирина Колесникова, русская балерина (1980 г.р.)
Катрина «Кат» — персонаж в Академии танцев
Нина — Нина Ананиашвили, грузинская балерина (р.1963)
Самые известные балерины, которых вы должны знать
Наталья Осипова начала танцевать в нежном пятилетнем возрасте | © Guy Corbishley / Alamy Stock Photo
Строгость и решительность балерины — это то, что нужно отметить. Но кто самые лучшие и самые известные артисты балета, которых когда-либо знал мир? Мы собираем женщин, которые достигли вершины своего искусства и покорили мировую публику своей элегантностью.
Мисти Коупленд сломала барьеры в балетной индустрии, когда в 2015 году стала первой афроамериканкой-солисткой престижного Американского театра балета.Несмотря на то, что она начала свое обучение поздно, в возрасте 13 лет Коупленд продолжила танцевать ведущие партии в балетах, таких как Coppelia , Le Corsaire и Swan Lake . Отмеченная наградами танцовщица также снялась в музыкальном клипе с Принцем и сыграла роли в бродвейских шоу, а также в фильмах Disney Щелкунчик и Four Realms (2018).
Известная русская прима-балерина Анна Павлова получила место в Санкт-Петербургском Императорском хореографическом училище в 1891 году, когда ей было всего 10 лет.Павловой приходилось преодолевать серьезные физические проблемы на тренировках, в том числе тонкие лодыжки, которым требовалась дополнительная поддержка при работе на пуантах. Несмотря на это, она стала одной из ведущих танцовщиц Императорского Русского балета и гастролировала по миру. Ее помнят за ее выдающуюся роль Умирающего лебедя в Лебединое озеро , и сообщается, что последними словами Павловой перед заболеванием пневмонией в 1931 году были: «Приготовь мой костюм лебедя».
Анна Павлова была одной из ведущих танцовщиц Императорского Русского балета | © SPUTNIK / Alamy Stock Photo
Нью-йоркская танцовщица Виолетта Комышан наткнулась на балет почти случайно, когда скауты проводили прослушивания в ее государственной школе.В 11 лет она выиграла стипендию для обучения в Американском театре балета, а затем изучала современный танец в средней школе Ла Гуардия вместе с известными одноклассниками, такими как голливудский актер Ансель Эльгорт. Комышан, ставший иконой социальных сетей, танцевал для BalletNext и должен сыграть главную роль в постановке «Щелкунчик » Чикагской балетной консерватории.
Покойная Марго Фонтейн была одной из самых известных танцовщиц Королевского балета. Английская икона, назначенная королевой Елизаветой II в качестве примы-балерины, была любима за ее лирический стиль и идеальные линии.Фонтейн присоединился к Королевскому балету в 16 лет и продолжал играть классические роли в таких балетах, как Жизель , Спящая красавица и Ромео и Джульетта . Однако именно ее игра в паре с русским танцором Рудольфом Нуреевым в 60-х годах сделала Фонтейн мировой сенсацией.
Марго Фонтейн была одной из самых известных танцовщиц Королевского балета | © Архив AF / Alamy Stock Photo
Тамара Рохо танцевала в Королевском балете и Английском национальном балете, художественным руководителем которого она была назначена в 2012 году.Она — одно из самых популярных и узнаваемых лиц современного балета; сегодня вы увидите, как она танцует в Английском национальном балете в качестве приглашенного артиста. Рохо родилась в Канаде, хотя ее родители вернулись в Мадрид, где она тренировалась, когда ей было четыре месяца. На протяжении многих лет она установила широко признанное партнерство с Карлосом Акостой; они недавно воссоединились в постановке Дерека Дина « Ромео и Джульетта », в которой величественные движения Рохо и интенсивность ее исполнения были высоко оценены критиками.
Наталья Осипова, уроженка Москвы, балерина, обладательница множества наград, начала танцевать в нежном пятилетнем возрасте. Она обучалась в хореографическом училище Михаила Лавровского и с тех пор танцевала с ведущими мировыми труппами, от Большого театра до Михайловского и Королевского балета, где она стала солисткой в 2013 году. Она также является приглашенной танцовщицей в ряде престижных трупп, в том числе Американский театр балета. Она трижды была лауреатом Национальной танцевальной премии как лучшая танцовщица — больше, чем любая другая звезда.
Наталья Осипова трижды становилась лауреатом Национальной танцевальной премии как лучшая танцовщица | © Guy Corbishley / Alamy Stock Photo
Дарья Климентова покинула профессиональный балет в 2014 году после 25-летней карьеры. Последние 18 из этих лет она провела в Английском национальном балете, где она стала солисткой в 1996 году. Родившись в бывшей Чехословакии, Климентова училась в Праге после первых тренировок в качестве потенциальной олимпийской гимнастки. За свою танцевальную карьеру она много путешествовала, от Южной Африки до Шотландии, куда она приехала в начале 1990-х, чтобы присоединиться к Шотландскому балету.
Аргентинская танцовщица Марианела Нуньес работает в Королевском балете более 15 лет и дважды завоевала титул Лучшей танцовщицы Национальной танцевальной премии. Ее хвалили за ее интерпретирующую хореографию, которая привносит эмоциональное понимание в каждый шаг. Танцы были частью ее жизни с трех лет; в 15 лет она переехала в Лондон, чтобы поступить в Королевский балет. Ее карьера была уроком решимости, и она пожала плоды; За годы своего существования она исполнила все главные роли в классическом и современном балете и сама создала балеты.
Марианела Нуньес здесь выступает с Тьяго Соарешем в балете Джорджа Баланчина «Драгоценности» | © REUTERS / Alamy Stock Photo
На протяжении почти двух десятилетий Агнес Оукс была ведущим лицом Английского национального балета вместе со своим мужем и партнером по танцам Томасом Эдуром, с которым она познакомилась в детстве в Эстонской государственной балетной школе в Таллинне. . Оукс является ведущим сторонником классического балета и за эти годы снялся во всех известных постановках. Именно с моделью Manon Кеннета Макмиллана, появившейся на относительно позднем этапе ее долгой карьеры, она снискала всеобщее признание.Она была награждена премией Ричарда Шеррингтона как лучшая танцовщица в своем последнем сезоне на сцене.
Двукратный победитель Национальной танцевальной премии, Линн Бенджамин также была удостоена Премии Де Валуа за заслуги перед танцем в знак признания ее вклада в танец. Бенджамин родился в Австралии и танцевал по всему миру, в труппе Deutsche Opera Ballet, Королевском балете и труппе Wheeldon в Нью-Йорке. Она ушла из профессионального танца в 2013 году после более чем двух десятилетий карьеры, в течение которой она освоила все главные роли и создала несколько других.Бенджамин процветал как танцор к сорока годам, получая признание за свои роли в современных постановках и отмеченный реализмом в своем танце, который она описывает как отказ от «ролей пачки».
Лианн Бенджамин танцует здесь роль Золушки с Вячеславом Самодуровым в роли ее принца | © REUTERS / Alamy Stock Photo
Алина Кожокару наиболее известна своей ролью в балете Джона Ноймайера Liliom с Гамбургским балетом, который он написал специально для нее и в котором она стала единственной балериной, получившей приз Бенуа де ла Данс за второй раз.Румынская танцовщица покинула Королевский балет в 2013 году после разрыва с труппой и перешла в Английский национальный балет под художественным руководством Тамары Рохо. Эти двое объединились, чтобы создать разноплановую компанию, в которой Кожокару является одной из главных звезд.
Японская танцовщица Мияко Ёсида OBE вышла на сцену с K-балетом в Японии и в качестве главного приглашенного артиста Королевского балета, за это время она была удостоена звания Лучшей танцовщицы.Она вышла на пенсию в 2010 году и дала свой последний спектакль с Королевским балетом в Токио, городе, где она родилась и тренировалась. Она зарезервировала «Ромео и Джульетта» для своего последнего выступления на занавесе в Токио, после того, как попрощалась с Лондоном с финальным эмоциональным исполнением « Золушка ». Она известна точностью движений и выразительностью, опирающейся на хореографию, а не на искажения лица.
Зенаида Яновски родилась во Франции в семье танцовщиц Лионского оперного балета.В детстве Яновски привыкла к гастролям с труппой, хотя сама балетом она не занималась до сравнительно позднего возраста 14 лет. У нее была замечательная карьера в Королевском балете, к которому она присоединилась в 1994 году, получив повышение. в 2001 году. Она известна по ролям в классическом балете, но также создала роли для ряда режиссеров, в том числе для Королевы Червей в фильме Кристофера Уилдона «Приключения Алисы в стране чудес », который был хорошо воспринят критиками.
Зенаида Яновски сделала замечательную карьеру в Королевском балете | © Danilo Moroni / Alamy Stock Photo
Эми Блит предоставила дополнительный репортаж для этой статьи.
10 танцоров балета, которые считаются самыми известными в ХХ веке
Балет — прекрасный вид искусства, существующий на протяжении веков. Когда большинство людей слышат слово «балет», они представляют себе высокую худую женщину в балетной пачке. Но есть много мужчин-танцоров балета, и они так же талантливы и важны, как и женщины-танцоры.
1. Михаил Барышников
Михаил Николаевич родился в Латвии, когда она еще находилась под властью Советского Союза, и сделал себе имя как один из величайших артистов балета в истории этого вида искусства. И он достиг такого высокого уровня успеха, вырвавшись из строго регулируемого и подвергнутого цензуре арт-мира СССР. Находясь в турне по Канаде, ему удалось получить политическое убежище и продолжить карьеру в Канаде и США.
2. Рудольф Хаметович Нуреев
Рудольф Нуреев родился в 1938 году в Советском Союзе. Он развил свой талант в хореографическом училище им. Кирова и вскоре стал одним из самых всемирно известных артистов балета ХХ века. Он был одним из первых мужчин, взявших на себя новые ведущие роли в балетах в то время, когда мужчины традиционно играли лишь второстепенные роли второго плана.
3.Вацлав Нижинский
Нижинский родился до большевистской революции, когда Россия еще была царской империей. Он был одним из первых танцоров-мужчин, которые смогли успешно танцевать на пуантах, и его, казалось бы, легкие прыжки принесли ему всемирную репутацию величайшего танцора-танцора начала 20-го века.
4. Бенджамин Мильпье
Родился в Бордо, начал заниматься балетом, когда ему было всего 8 лет.Сегодня он ведет успешную карьеру в рамках балета Парижской оперы и танцевального проекта LA Dance Project. Он также поставил танцы для фильма «Черный лебедь». Именно во время работы над этим фильмом он познакомился со своей будущей женой Натали Портман.
5. Карлос Акоста
Карлос Акоста — кубинский артист балета, выступавший со многими всемирно известными труппами, включая Национальный балет Кубы, Английский национальный балет, Хьюстонский балет и Американский балетный театр.
Его история — настоящий источник вдохновения. Будучи самым младшим из 11 в семье, которая была настолько бедной, что Карлос никогда не ел праздничного торта, пока ему не исполнилось 23 года, он изо всех сил пытался найти себе место. Чтобы не дать ему попасть в плохую толпу, отец решил записать его в школу танцев, финансируемую государством. Именно здесь он обнаружил свою страсть к балету и закончил его с отличием и золотой медалью.
6. Эрик Брюн
Брюн родился в Копенгагене в 1928 году и начал заниматься танцами в Королевском датском балете в возрасте 9 лет.К 21 году он стал солистом — высшее звание, которое может быть достигнуто в датском балете. Он встретил Рудольфа Нуреева в 1961 году, и они полюбили друг друга. Эта любовь продлится до тех пор, пока Брун не умрет 25 лет спустя.
7. Иван Владимирович Васильев
Иван Васильев — еще один великий танцор из России. Родился в январе 1989 года, пришел к власти при падении Советской империи и прославился в раннем возрасте после обучения в Белорусском хореографическом училище.С тех пор он завоевал множество наград и уже сегодня в молодом возрасте 27 лет является одним из величайших танцоров в мире.
8. Джордж де ла Пена
Родился в Нью-Йорке и изначально учился на концертного пианиста. Де ла Пена понял, что его истинная страсть — это балет, когда он учился в старшей школе. Благодаря своему таланту и целеустремленности он быстро поднялся по карьерной лестнице и стал солистом Американского театра балета.Среди его бесчисленных успехов — исполнение роли Вацлава Нижинского в фильме 1980 года «Нижинский» о знаменитом русском артисте балета.
9. Майкл Смуин
Уроженец Монтаны Майкл Смуин стал отмеченным наградами артистом балета во второй половине 20-го века. Он был солистом Американского театра балета и балета Сан-Франциско. Он также был успешным хореографом в нескольких бродвейских пьесах и художественных фильмах.
10. Роберто Болле
Итальянец Роберто Болле начал заниматься балетом в возрасте 7 лет. К 11 годам он был принят в престижную балетную школу театра Ла Скала в Милане. Вначале его удивительный талант был признан Рудольфом Нуреевым, который поставил его на роль Тадцио в балетной версии знаменитой «Смерти в Венеции».
Виды балета — методы и стили балета
Стили балета
Более ранние модели были связаны с географическим происхождением, как французский балет, итальянский балет, русский балет.Более поздние стили сочетали классический балет с другими танцами. техники, такие как неоклассический балет и современный балет.
В 19 веке романтическая эпоха принесла романтических стиля балета , наиболее часто исполняемого классического балетного стиля. В центре внимания находятся балерины, танцовщицы, в классических коротких белых пачках. Они часто играли роль мистической женщины, поработившей сердца смертных. Характеристики этого стиля — пуанты, точные движения тела и сильные эмоции.Самые известные романтические балеты — «Сильфида» и «Коппелия».
Классический балет , как и французский, итальянский и русский, характеризуется классической балетной лексикой и техникой. Классический балет имеет методы обучения, которые часто их имена даны их создателями, например, метод Чеккетти, в честь итальянского артиста балета Энрико Чекетти. В 1920 году в Лондоне была создана Королевская академия танца. метод. В этом английском стиле соединились французский, итальянский, русский и датский стили.Наиболее известные классические балеты Петра Ильича Чайковского, такие как Щелкунчик и Лебединое озеро.
Неоклассический балет В отличие от классического балета имеет абстрактные элементы, так как нет строгих декораций, сюжета и костюмов, а также минимализм декораций. Устраняет формальности и открывает до современных техник и идей. Современный балетный стиль возник из неоклассического балетного стиля. В отличие от тонких движений предпочтение отдавалось большему атлетизму.
Современный балетный стиль использует балетные техники, такие как классический балет и элементы современного, этнического и джазового стилей, и позволяет экспериментировать с балетом и модерном. танец. Существует тонкая грань между современным балетом и современным танцем, а также между современным балетом и неоклассическим и современным балетом. Движения танцоров крупнее и быстрее, поэтому для них характерен сильный атлетизм, работа на полу, поворот ног, танцы босиком, актерское мастерство и пантомима.
Методы балета
Методы представляют собой формализованные и стандартизированные системы классического балетного обучения, часто основанные одним создателем или балетной группой.
Итальянский балет имеет метод Чеккетти, названный артистом балета Энрико Чекетти.
Русский балет имеет метод Вагановой имени танцовщицы Агриппины Вагановой и метод Легата имени Николая Легата.
Английский балет имеет систему обучения Королевской Академии Танца, созданную группой профессиональных артистов балета.
Французский и американский балет не стандартизированы как система или метод обучения одним создателем. Французскому балетному стилю обучают в балетной школе Парижской оперы.
Техники балета
Формализованные приемы балетной техники и исполнения движений тела.Они определяют направление носка, положение тела, движение рук и способ поворота. Большая часть Балетная тренировка — это балетная техника. Их практикуют, чтобы стать частью артистов балета, развить эстетику балета и избежать травм.
В балетной терминологии есть большой словарный запас, который определяет формализованные позиции или движения.
- Баллонная техника означает, что танцор балета выглядит легко во время прыжка и выглядит легким, как будто бросает вызов гравитации.
- Бравура — это эффектный стиль балетного танца, состоящий из множества сложных шагов.
- Пируэт — это неходовой поворот на одной ноге, состоящий из одного или нескольких поворотов.
- Пуанты означает танец на кончиках полностью вытянутых ног.
- Раскол — это положение ног, при котором они вытянуты в противоположных направлениях.Стэддл-раскол означает, что ноги стоят в стороны. В передний разрез означает, что одна нога стоит вперед, а другая — назад.
- Плие это непрерывное сгибание колена наружу с удержанием верхней части тела в вертикальном положении.
- Гранд Жете горизонтальный прыжок в длину, начиная с одной ноги и приземляясь на другую.
- Стрелочная техника означает завершать движения ногами, повернутыми наружу.
- Assemblé означает прыжок с приземлением на две ноги.
- Фуэ Это движение, при котором быстрый поворот на опорной ноге меняет ориентацию тела и рабочей ноги.
- Порт-де-бюстгальтер в технике означает изящно перемещать руки в разные положения.
- Техника центровки означает, что голова, плечи и бедра должны быть выровнены по вертикали.
- Камбре техника означает сгибание тела от талии вперед, назад, в сторону или по кругу и возвращение к центру.
- Позиция арабески тела означает, что артист балета стоит на одной опорной ноге, удерживая ее прямо, а другая нога вывернута и вытянута за туловище, удерживая ее прямо.
Балетная революция ХХ века — Музей Виктории и Альберта
Сувенирная программа «Балет Дягилева», 1912 год
Балет ХХ века родился в Санкт-Петербурге, в группе художников, разочаровавшихся в художественной сцене России.Среди них были художники Леон Бакст и Александр Бенуа, Серж Дягилев, прославившийся организацией выставок русской живописи в Париже, и хореограф Михаил Фокин, разочаровавшийся в консервативных традиционных балетах Петипа.
Новый балет
К 1905 году новое поколение танцоров восстало против консерватизма Императорского балета. Их новый балет объединил движение, музыку и дизайн в слияние, которое должно было отличить балет 20-го века.Тематика каждого балета определялась стилем хореографии, музыкой и дизайном.
Танцевальная программа теперь состояла из трех или четырех коротких контрастных произведений, а не из вечернего представления. Хореография стала более выразительной без формальных движений пантомимы, и кордебалет стал неотъемлемой частью балета, а не просто декоративным фоном.
Михаил Фокинев
Мишель Фокин, середина 20 века
В одночасье европейские представления о балете были перевернуты, и балет стал важной формой искусства.Успех Вацлава Нижинского и Адольфа Больма вернул танцору популярность, имена танцоров стали нарицательными, а дизайнеры — яростью Парижа.В 1912 году балет Михаила Фокина «Шахерезада», спроектированный Леоном Бакстом, вдохновил на создание моды на шаровары, тюрбаны и напольные подушки.
Хотя Мишель Фокин был известным танцором и педагогом балета Мариинского театра в Санкт-Петербурге с 1898 года, его настоящим призванием была хореография.
Отвергал формальные классические балеты, такие как «Спящая красавица» и «Лебединое озеро».Он считал, что танец должен быть по-настоящему выразительным средством, а не просто гимнастикой, и что тип движения, музыка и дизайн должны отражать время и место предмета.
Для консервативных русских театров того времени такие идеи были опасно революционными. Так, в 1909 году Дягилев организовал показ балетов Фокина в Париже. Ночной балет в Европе изменился навсегда.
Фокин был требовательным надсмотрщиком. Его танцоры привыкли к его внезапной ярости, к тому, что стулья разбрасывают по студии.Но как сказал один танцор: «Он извлекает из каждого лучшее. Тот, кому есть что дать, он улучшает и делает еще лучше ».
Сергей Дягилев собрал танцоров из Императорских русских театров, и в мае 1909 года они выступили в Париже. Никто раньше не видел таких балетов и танцоров, и они имели большой успех.
Бронза Адольфа Больма, около 1910 года. S.874-1981
«Сильфиды» — это дань уважения Михаилу Фокину романтическому балету. В нем по-новому и выразительно использован кордебалет.Ритмы половецких танцев и раскованная хореография Фокина в исполнении Адольфа Больма приводили публику в неистовство. Именно Фокин разработал новую захватывающую хореографию для мужчин и возродил интерес к танцорам.
Сенсацией премьеры Русских балетов Дягилева в Париже в 1909 году стали «Половецкие пляски».
Дикая жестокость хореографии Фокина, громкие ритмы музыки и распевный припев привели публику в неистовство.В Европе танцор стал объектом насмешек. Никто не мог представить себе мужчин, танцующих с такой мужественной силой и атакой. Почти за ночь танцор вернулся на свое место в центре танца.
Большая часть этой заслуги принадлежит Больму, чье исполнение роли Воина-вождя было в центре тщательно спланированного хаоса Фокина.
Танцующий как одержимый, его исполнение пробудило всю страсть и гордую свободу кочевых племен. Как написал один критик: «он — росток разрушения, дух беспокойства… ужасный, но великолепный».
Балет Мишеля Фокина «Жар-птица» 1910 года по мотивам русских сказок. Музыка была первой партитурой по заказу Дягилева у гениального молодого композитора Игоря Стравинского. Жар-птица обладает магическими способностями. Чтобы избежать плена юным царевичем Иваном, она дает ему зачарованное перо, которое вызовет ее, если он попадет в беду. Позже она освобождает его от нападения волшебника Кощей и его чудовищных последователей. Затем Иван женится на очарованной принцессе, которая была пленницей Кощей.
На этой фотографии из постановки Королевского балета, сделанной в 1959 году, Марго Фонтейн — Жар-птица. На нем изображена сцена, в которой она заставляет последователей Кощея танцевать неистовый танец, а затем погружаться в заколдованный сон. Балет был одним из лучших возрождений Королевского балета из репертуара Дягилевского балета. Фонтейн была обучена роли Тамары Карсавиной, которая была оригинальной Жар-Птицей в 1910 году.
Марго Фонтейн в роли Жар-птицы, Королевский балет, 1959
Цветная фотография Les Sylphides, представление Королевского балета Touring Company, 1963
Иллюстрация из балета Мишеля Фокина «Шехеразада», 1913 год.Музей № S.15-2001
Балет Мишеля Фокина «Шехеразада», спроектированный Леоном Бакстом, произвел фурор, когда впервые был поставлен Дягилевским балетом в 1910 году. Частично это было связано с пышным декадансом и смелым использованием цвета в оформлении, но также из-за сцены оргии жен шаха с негритянскими рабами.
Роль любимой рабыни придумал Вацлав Нижинский, а любимую жену шаха Зобейде — Иду Рубинштейн. Принт Барбье вызывает декадентскую чувственность их представлений.
По своей прорисовке и эротическому подтексту он напоминает стиль английского художника Обри Бердсли. Бердсли также оказал большое влияние на Бакста.
Эскиз костюма Храмового слуги воспроизведен в книге «Декоративное искусство Леона Бакста», Лондон: Общество изящных искусств, 1913. Museum no. ND699. B169
Здесь показан один из великолепных эскизов Леона Бакста для балета Мишеля Фокина «Le Dieu Bleu» в 1912 году. Хотя сам балет не имел успеха, это был великолепный образец дизайна Бакста.Он предоставил десятки костюмов, многие из которых можно было увидеть всего на несколько минут: священники, принцы, торговцы, храмовые служители, храмовые танцовщицы, девушки с павлинами на плечах, кружащиеся дервиши — все были одеты в роскошные костюмы.Дизайн театрального костюма — это не произведение искусства. Это рабочий рисунок для костюмеров, которые переводят двухмерные линии и цвет в ткань и текстуру.
Этот костюм был выполнен из яркого пурпурного и карминного шелка, инкрустирован серебряной тесьмой, блестками и жемчугом.Все костюмы были украшены одинаково богато. Это дань уважения глазам Бакста, что они создали гармоничный сценический эффект.
Одна из парадоксов театра в том, что сохранившиеся костюмы часто являются неудачными постановками. Успех означает, что костюмы быстро портятся из-за жара света, постоянного потоотделения и уборки. Провал Le Dieu Bleu означал, что до сих пор существует множество костюмов, демонстрирующих театральное видение Бакста.
Балет Дягилева
Дягилев расстался с Императорскими театрами в 1911 году и основал собственную труппу, которая много гастролировала по Европе.
Фотография Дягилева и Лифаря, 1928 год, Лондонский архив ассоциации танца
До 1911 года все балеты ставил Михаил Фокин. В 1911 году Нижинского уволили из Мариинского театра за нарушение дисциплины, которое, по мнению многих, было спровоцировано Дягилевым (который был любовником и наставником Нижинского).
Дягилев сформировал Дягилевский балет из танцоров, обучавшихся в российских императорских театрах, с Нижинским в качестве его звезды. Они так и не вернулись в Россию, и в течение следующих 20 лет компания была странствующей группой, гастролирующей по Европе, а иногда и по Америке.
Впервые труппа посетила Лондон в июне 1911 года, когда они исполнили «Павильон армиды» Фокина в Ковент-Гардене.
Осознавая необходимость поддерживать общественный интерес и необходимость постоянных изменений, Дягилев отказался от Фокина и начал обучать Нижинского как хореографа.
В первую ночь «Весны священной» в Париже зрители устроили полномасштабный бунт. В 1914 году, во время турне по Южной Америке, Нижинский женился на другой танцовщице Ромоле де Пульски.В ярости ревности Дягилев уволил его из компании.
Через несколько месяцев он нашел замену Нижинскому, 16-летнему студенту Леониду Мясину, и превратил его в крупного хореографа и харизматичного исполнителя.
Эскиз после 1918 г.
Эскиз костюма к балету «Королева и ее пажи» Мариуса Петипа (1818–1910) «Спящая принцесса» в Театре Альгамбра в Лондоне по эскизу Леона Бакста для Русского балета имени Дягилева, Париж, Франция, 1921 г.
Отрезанный от России Первой мировой войной и русской революцией 1917 года, Дягилев обратился к европейским художникам и подданным.Он нанимал крупных европейских художников и композиторов из стран, в которых они выступали.
Пикассо создал сюрреалистический балет «Трехугольная шляпа и парад». В дизайне Parade Пикассо смешал популярное искусство и кубизм. Музыкальная партитура была написана Эриком Сати и включала звуки пишущих машинок, самолетов и гудков.
Впечатлен финансовым успехом давнего британского мюзикла Chu-Chin-Chow. Дягилев искал подобное зрелище, которое могло бы придать его компании финансовую стабильность.Он вернулся к «Спящей красавице» Петипа и поставил в лондонском театре Альгамбра постановку по проекту Леона Бакста. Он потерял целое состояние.
Le Train Bleu Костюм, розовый вязаный шерстяной купальник, 1924 год
Русские балеты в 1920-е годы
Компания выжила и на протяжении 1920-х годов сохраняла интерес публики серией новых и актуальных работ. Сестра Нижинского, Бронислава Нижинская, создала Les Biches и Le Train Bleu, повествующие об элегантной социальной среде и модной Ривьере.После Нижинской пришел Джордж Баланчин.
Дягилев нанял композиторов Игоря Стравинского и Сержа Прокофьева, дизайнеров Мари Лорансен и Жоржа Брака, а также таких кутюрье, как Коко Шанель, для создания костюмов. На протяжении 1920-х годов труппа по-прежнему была в авангарде всего нового в танце и театре.
Дягилев умер в 1929 году. Его труппа распалась, но его танцоры и хореографы продолжали влиять на мир танца. В Англии Мари Рамберт и Нинетт де Валуа основали компании международного значения.Джордж Баланчин основал первую крупную труппу классического танца в Америке.
В 1930-е годы Фокин и Мясин работали с балетом Де Базиль, возрождая многие работы, созданные для Дягилева, а также создавая новые шедевры.
Наследие Дягилева — это взрыв мирового танца в 20 веке.