Современная балерина: Примы Большого театра. Самые известные балерины современности

Примы Большого театра. Самые известные балерины современности

Сцена Большого театра. Фото – Владимир Вяткин

28 марта отмечался юбилей Большого театра. Рассказываем о примах-балеринах, которые сегодня блистают на знаменитой сцене.

Мария Александрова

Имя народной артистки РФ Марии Александровой в афише — несомненная гарантия аншлага.

Балерина попала в Большой театр ещё в 1997 году, став лауреаткой первой премии международного конкурса. И почти сразу перешла из артисток кордебалета в ранг ведущих солисток.

Вот уже 20 лет без её участия не обходится ни один театральный сезон.

Все героини примы — обладательницы трудного характера, волевые и сильные женщины. Сегодня в Большом театре можно увидеть Александрову в образе Ундины из «Героя нашего времени» и в главной роли «Жизели» в редакции Григоровича.

Светлана Захарова

Светлана Захарова сначала выступала на сцене петербургского Мариинского театра, однако на взлёте своей карьеры не побоялась начать всё сначала и перейти в Большой.

С 2003 года артистка выступает в Москве, а в 2008 году даже стала примой-балериной знаменитого миланского театра «Ла Скала». Можно сказать, что Захарова успела перетанцевать все сольные партии культовых балетов, среди которых «Жизель», «Лебединое озеро», «Баядерка», «Кармен-сюита».

Но, несмотря на мировую славу, прима остаётся преданной Большому театру, и последняя её работа — Мери в балете «Герой нашего времени».

Евгения Образцова

Ещё одна бывшая прима Мариинки, а с 2011 года звезда Большого театра — Евгения Образцова.

Изящная, хрупкая девушка — идеальная героиня всех романтических сказок, поэтому за её плечами такие нежные образы, как Сильфида, Жизель, Баядерка, Принцесса Аврора, Золушка, Джульетта.

Однако балерина не стремится ограничивать себя рамками узкого амплуа: главное для неё — станцевать так, чтобы зрители поверили увиденному на сцене. Образцова много гастролирует и даже снимается в зарубежных фильмах.

Екатерина Шипулина

Екатерина Шипулина сегодня одна из самых востребованных балерин России. По окончании Московской государственной академии хореографии она была принята в труппу Большого театра, где успела поработать абсолютно со всеми хореографами.

Критики отмечают стремление Шипулиной к абсолютной точности исполнения. В репертуаре звезды десятки ведущих партий: Одетта-Одиллия в «Лебедином озере», Эсмеральда в «Соборе Парижской Богоматери», Жизель в «Жизели».

Сегодня приму можно увидеть на сцене Большого в образе Ундины в балете «Герой нашего времени».

Екатерина Крысанова

Биография этой примы может удивить многих, ведь первое образование Екатерины Крысановой было не хореографическим.

Сначала знаменитая балерина училась в Московском центре оперного пения им. Вишневской и только после поступила в Московскую академию хореографии. Статус примы она получила не сразу, зато после участия в балете «Спящая Красавица» раз и навсегда стала любимицей зрителей и театральных критиков.

Последней работой Крысановой в Большом театре были «Русские сезоны» и роль парижской балерины Корали в «Утраченных иллюзиях».

Нина Капцова

Нину Капцову в 1996 году, сразу после окончания Московской государственной академии хореографии, приняли в труппу Большого театра. Она с детства была отличницей и не привыкла работать вполноги.

Результат усердных тренировок налицо: в 2011 году Капцова получила звание примы Большого. После чего закрепила свой успех ведущими партиями в балетах: «Изумруды», «Иван Грозный», «Онегин». Сегодня приму-балерину можно увидеть на сцене Большого в образе Маргариты Готье в «Даме с камелиями», а также в «Классической симфонии».

Елена Дудник, “Аргументы и факты“

Известные балерины мира: рейтинг самых популярных прим

Балет — искусство, которое способно покорить все сердца и проникнуть в самые глубины человеческой души. Талантливые балерины могут заставить зрителя плакать, сопереживать, чувствовать печаль или радость. Расскажем о самых известных балеринах, которые до сих пор блистают на мировых сценах.

Ульяна Лопаткина

Ульяна Лопаткина

Ульяна Лопаткина — звезда мирового балета. Она пришла в балет еще в 4 года, однако путь в примы оказался для нее очень сложным. Типичная фигура балерин — небольшой рост, узкие кости. А Лопаткина отличалась от принятых стандартов высоким ростом и крупными стопами и кистями. Резко выделялась она и короткой стрижкой, непривычной для балерин классического театра. Но она не побоялась идти наперекор стандартам.

Утонченная Лебедь, идеальная Одетта-Одиллия, сольная работа в «Бриллиантах», Ульяна Лопаткина стала одной из выдающихся балерин наших дней.

Марианела Нуньес

Марианела Нуньес

Балерина аргентинского происхождения, прима-балерина лондонского Королевского балета. В 8 лет Марианела поступила в Институт искусств при театре «Колон», где училась под руководством Ольги Ферри. В 16 лет поступила в Королевский балет Лондона, а в 21 год стала прима-балериной.

В 2007 году Марианела была номинирована на влиятельную премию Лоуренса Оливье за роль в «Спящей красавице». В 2008 году исполнила роль Одетты-Одиллии в Королевском балете и роль Гамзатти в «Баядерке» в миланском «Ла Скала». В 2013 году получила премию Лоуренса Оливье за исполнение партий в постановках «Внутренности» и «Метаморфозы».

Диана Вишнева

Диана Вишнева

Диана Вишнева ‒ ученица Людмилы Ковалевой навсегда вписала свое имя в историю мирового балета. Лопаткина, Вишнева и Захарова вместе блистали на сцене Мариинского театра.

Вместе с Лопаткиной и Захаровой Вишнева олицетворяет всю красоту русского классического балета

Диана Вишнева исполнила на сцене Мариинского театра роль Китри, еще не окончив Академию русского балета. А уже в 20 лет стала прима-балериной театра. Она исполняла главные партии в театре «Ла скала», солировала в Метрополитен-опера, была приглашенной солисткой Берлинского государственного балета и Театра американского балета.

В 30 лет Диана Вишнева получила звание народной артистки России. В 2013 году Диана стала первой российской балериной после Майи Плисецкой, которая исполнила сольную партию в «Болеро». В репертуаре Дианы не только балеты классического репертуара и хореография XX века, но и современная хореография.

Людмила Пальеро

Людмила Пальеро

Людмила Пальеро — балерина аргентинского происхождения. В 2000 году стала солисткой труппы Балета Сантьяго, а в 2010 году стала ведущей танцовщицей Парижской национальной оперы. Людмила Пальеро — приглашенная звезда Большого и Мариинского театров.

Светлана Захарова

Светлана Захарова

Светлана Захарова — единственная балерина, которую экстерном зачислила на последний курс Академии русского балета им. А. Я. Вагановой. В 18 лет Захарова стала примой Мариинского театра. Про нее Ив-Сен Лоран сказал, что такой балерины не было и никогда не будет.

Светлана — одна из самых востребованных балерин мира, прима Большого театра и миланского Ла Скала

«Лебединое озеро», «Спящую красавицу» и «Баядерку» с Захаровой видели во всех ведущих театрах от Гамбурга до Парижа и Милана. В 2015 году она получила приз «Бенуа танца» за партию в «Дама с камелиями» Джона Ноймайера. В 2019 году Захарова получила орден «За заслуги перед Отечеством» IV степени.

Полина Семионова

Полина Семионова

Полина Семионова — прима Берлинского государственного балета, профессор этой же школы, солистка Американского балетного театра. Полина была приглашенной балериной крупнейших театров мира, среди которых Венская опера, Ла Скала, Мариинский театр, Большой, Английский национальный балет, Баварская государственная опера. В 2014 году получила приз «Бенуа танца», а в 2018 году была названа лучшей танцовщицей года.

Виктория Терешкина

Виктория Терешкина

Виктория Терешкина — прима-балерина Мариинского театра, в котором она стала первой исполнительницей партий Королевы моря в «Ундине». Викторию называют балериной, близкой к идеалу классической школы русского балета. Ее главное достоинство — безупречное владение техникой, что стало возможным благодаря ее наставнице Любови Кунаковой.

Балерина Элеонора Севенард о классике, любви и карьере в Большом театре

Балерина, а с недавних пор и ведущая солистка Большого театра Элеонора Севенард сумела прославиться и стать «надеждой русского балета» всего за пару лет после выпуска из Вагановской академии в Петербурге. Ее пуантам легко поддаются сцены главных театров в мире, а сама она к 22 годам, кажется, успела впитать все величие своих знаменитых предков (в роду Элеоноры отметилась сама Матильда Кшесинская). Чем живет и о чем мечтает Элеонора, а главное, как ей удается быть сильным и выносливым воином в теле хрупкой статуэтки — Vogue узнал у нее лично.

18 февраля появилась новость о том, что вы стали ведущей солисткой Большого театра — поздравляю с повышением! Для вас это тоже стало сюрпризом? 

Конечно, я ничего не знала, танцевала в тот момент в спектакле «Дон Кихот» с одной репетицией. К слову, у нас достаточно непростой сезон: сложные условия в мире накладывают отпечаток и на театр. Артисты болеют, у нас часто случаются экстренные замены, и я достаточно много в последнее время буквально влетаю в какие-то спектакли по замене — но делаю это с удовольствием, потому что безумно люблю свою работу. 

Тем вечером я точно так же с огромным удовольствием выступала без какой-либо задней мысли о повышении. Но к концу спектакля пришел художественный руководитель Махар Хасанович Вазиев (заслуженный артист России, руководитель балетной труппы Большого театра. — Прим. Vogue) и сказал, что заслуженно назначает меня на новую должность, завтра нужно прийти написать заявление. Я особенно запомнила момент, когда мы выходили на поклон — спектакль сам по себе поразительный, а тут еще и такое действительно важное для меня событие.

Расскажите, как в балете происходит карьерный рост.

Прежде всего нужно набрать репертуар. Разница между обычной балериной и ведущей на самом деле очень большая — ведущая солистка исполняет только главные роли в спектаклях, а для этого нужно набрать определенное количество спектаклей с ведущей ролью, чтобы показать, что ты это можешь. И соответственно, идти к цели, если этого действительно хочется. В противном случае об этом нельзя и мечтать. Это повышение означает, что я теперь официально не могу исполнять «двоечки» или «троечки» — хоть это и соло, но все же не ведущие партии. Мое же время теперь будет уходить преимущественно на подготовку главных ролей. 

Какими качествами должна обладать балерина, чтобы выйти из кордебалета солисткой при такой колоссальной конкуренции? Что помогло лично вам? 

Могу сказать вам честно: изначально многих берут в кордебалет, но с перспективой повышения до будущей солистки или даже примы. Театру ведь тоже нужны новые солисты, поэтому они заинтересованы в том, чтобы давать дорогу молодым. Когда меня взяли в театр, я танцевала и в кордебалете, и в небольших сольных вариациях — то есть периодически мне давали шанс и пробовали меня. Так в первый сезон я уже исполняла сольные партии, а спустя полгода работы мне досталась роль Мари в балете «Щелкунчик» — это была моя первая ведущая партия в спектакле. Почему мне тогда дали шанс? Наверное, видели, что я стараюсь, пробую и репетирую с моим педагогом — то, что мне предоставили репетитора, тоже очень важно для роста. А вообще есть люди, которые приходят работать именно в кордебалет — это ведь тоже очень сложно и интересно. Для меня в свое время это было целой школой: глаза должны одновременно смотреть во все стороны, чтобы видеть девочек перед собой и по сторонам, сохраняя на сцене ровный рисунок и двигаясь как одна. Это очень непросто и вместе с тем безумно красиво. Даже на репетициях меня часто завораживает, как наш кордебалет танцует на одном дыхании — это очень большая и важная часть нашей труппы. 

То есть в большей мере важно личное стремление?

Конечно. Многие даже боятся исполнять некоторые партии, потому что это физически очень сложно. Например, в балете «Дон Кихот», о котором я говорила, бывает безумно сложно скрыть усталость уже после первого акта, кажется, что сил просто не хватит. Это огромная нагрузка, а выносливость у всех разная: кто-то может физически не выдерживать соло, а в кордебалете прекрасно работать в свое удовольствие. Конечно, он все равно будет уставать, но в целом будет куда легче. 

Кроме того, у нас есть характерные солисты — они танцуют народные русские или восточные танцы не в пуантах, а в туфлях. В каждом балете свой сюжет и всегда есть эмоциональные танцы — мазурка, чардаш. Есть и просто актерские роли — например, балерины могут исполнять маму Жизель или Джульетты. Театр дает артистам большой выбор и возможности проявить себя: кто-то хочет быть характерным персонажем, кто-то актером, кто-то классическим танцовщиком, а кто-то современным. Каждый человек на сцене находит свою нишу, и это очень здорово. 

Вы говорили, что начали заниматься балетом в четыре года — наверняка тогда вы и не предполагали, что будете танцевать в Большом. Расскажите, когда и как к вам пришло понимание, что вы хотите посвятить балету всю свою жизнь.

Только в последнее время я осознаю, что, сколько себя помню, всегда занималась балетом. Детские воспоминания ведь сохраняются примерно с трех-четырех лет, а в этом возрасте я уже занималась. У меня такое чувство, что балет всю жизнь был рядышком, с самого детства. Конечно же, чтобы посвятить этому жизнь, нужно начать достаточно рано, а дети не понимают всей серьезности и ходят на занятия как бы для общего развития. В более осознанном подростковом возрасте ощущение, что это действительно мое, ко мне и пришло.

В это время вы как раз учились в Вагановской академии в Петербурге, расскажите, чему вас научил классический русский балет в жизни в целом, не считая великолепно поставленных вращений и прыжков.

Балет особенным образом закаляет характер, и я думаю, что в какой-то мере его можно сравнить со спортом. Как искусство он сильно отличается, но в плане дисциплины и характера он, безусловно, очень похож на спорт. Нужно уметь преодолевать себя и свою боль — опять же повторюсь, что это большая физическая нагрузка, из-за которой часто случаются мелкие травмы, болят мышцы. После обычных тренировок в зале тело может гудеть на следующий день, а теперь представьте, что вы проходите определенные элементы классического танца каждый день с утра до ночи. Таким образом ты учишься преодолевать себя с самого детства — не вести себя как ребенок, а постоянно бороться. Также регулярно проходят отчетные концерты, на которых бывают просмотры: после долгих репетиций и проб кого-то на них пускают, а кого-то нет. Так впервые сталкиваешься с неудачей. А если и проходишь дальше, то ты не должен радоваться: впереди еще больше работы. Я считаю, что конкуренция в балете все-таки должна присутствовать, но не злая, чтобы всегда было стремление развиваться и расти. Конечно, все это здорово воспитывает характер.  

Сама Академия классического русского балета является самой старинной балетной школой в России — в ней чувствуется определенный дух. Заходишь внутрь и понимаешь, что именно здесь учились величайшие балерины и танцовщики. В этих стенах через картины в тебя буквально врастает эта культура, мы ведь учимся там долго. После четвертого класса общеобразовательной школы я поступила в академию и проучилась там восемь лет. Эта школа отличается от обычной: первым уроком может быть математика, а вторым — урок классического танца. Занятия заканчиваются здесь не днем, а в семь часов вечера каждый день, а каникулы всего два раза — зимой и летом. Ты сразу же понимаешь, что находишься в особенном месте, где педагоги учат методике классического русского танца, на которой выстроен репертуар всех главных театров в мире — Мариинского в Санкт-Петербурге, Большого в Москве, Гранд-опера в Париже, Ла Скала в Милане, Королевской оперы в Лондоне, Метрополитен-оперы в Нью-Йорке.

Ежедневно вы проводите в зале колоссальное количество времени — расскажите, что вы делаете и как проходит ваша обычная тренировка.

Мы называем это не тренировкой, а уроком или классом. У нас есть два таких класса ежедневно — в 10 и в 11 часов, там преподают разные педагоги, и артисты сами распределяются по ним. В Большом театре всего пять залов для занятий, поскольку труппа очень большая. В начале дня у нас проходит этот урок как своего рода разогрев перед репетициями и спектаклями, чтобы мышцы размялись и стали мягкими. Это классический урок танца, которому нас учат в школе — стоим у станков, вертимся, прыгаем. Затем у нас начинаются репетиции и иногда прогоны спектаклей. В зависимости от загруженности мы чаще всего проводим в театре весь свой день. Единственное исключение — если у тебя вечером спектакль, то можно приехать к нему, разогреться и на сцену. Дело в том, что практически невозможно весь день работать и хорошо станцевать, чтобы хватило сил. Выходной у нас всего один, это понедельник, а в субботу и воскресенье мы работаем для тех, кто отдыхает, как и в праздники.

А как вы отдыхаете? В представлении многих балерины и в свободное время не изменяют своему образу жизни, слушают классическую музыку и смотрят исключительно исторические фильмы — развеете этот стереотип?

Я абсолютно искренне могу сказать, что действительно люблю классическую музыку. Когда ты в такой особенной среде, начинаешь это сильно ценить. Мы действительно видим самых разных артистов и у нас в театре и во время гастролей в других, что просто потрясающе. Но это не значит, что мы не можем послушать какую-то современную музыку или сходить на концерт — это уже, скорее, стереотип. Мы целыми днями вращаемся в определенной среде, а классическая музыка — наш аккомпанемент на классе и на выступлении, без нее никуда. Репетируем под рояль, танцуем под оркестр — она всегда с нами.

Вне театра, когда бывают сложные недели, хочется просто выспаться и никуда не бежать — это самый лучший отдых. Все как у всех людей, честно говоря. Единственное — иногда хочется сделать массаж, чтобы помочь организму быстрее восстановиться. В баню можно не всегда, хотя я знаю, ребята у нас часто ходят попарить мышцы, чтобы они были мягче. Но лично мне помогает хороший часовой массаж, во время которого можно убрать все зажимы в ногах, спине, руках, шее. Иногда действительно нужно, чтобы тело почувствовало, что ты отдохнул, а то бывает такое, что лежишь весь день — и в итоге становится еще хуже. Еще бы, ты прыгал всю неделю, а тут прилег — у организма шок.

Понятно, что этого требует от вас профессия, но не могу не сказать, что выглядите вы просто потрясающе. Расскажите про свою диету — позволяете себе сладкое или калорийное?

Спасибо! Скажу честно — сладкое позволяю. Ограничиваю себя только по вечерам, если нужно похудеть. Опять же, балет — это большая нагрузка, для которой нам нужны силы. Нам необходимо хорошо питаться, иначе где еще нам черпать энергию, когда все внутри буквально горит? Расскажу вам одну историю: многие сейчас носят умные часы Apple Watch, у нас некоторые девочки тоже раньше носили, а сейчас перестали, потому что они мешают репетировать. Там есть функция подсчета калорий, и одна наша балерина решила ради интереса включить счетчик во время репетиции «Дон Кихота». Оказалось, что за час она сожгла больше тысячи калорий, а это только одна репетиция. Поэтому нам в принципе не нужно худеть специально, иначе может случиться травма: попросту говоря, у организма не будет энергии для движения, и он начнет затрачивать дополнительные ресурсы, тем самым травмируясь. Так что я просто стараюсь не есть булочки и придерживаться здорового, сбалансированного питания. По возможности, конечно. (Смеется.) А вот следовать режиму, к сожалению, невозможно, так как расписание меняется каждый день. После вечернего спектакля есть вообще не хочется, как и обычным людям после изнурительной тренировки в зале. Стоит прийти домой, расслабиться, и уже ближе ко сну просыпается чувство голода — благо завтра ждет репетиция, на которой все снова сожжется. 

Расскажите про свой макияж в жизни и на сцене.

Каждый день я подкрашиваюсь — мне это добавляет уверенности. Я не из тех людей, кто любит выходить без косметики: всегда пользуюсь тональным средством из линии Dior Backstage, добавляю румяна и тушь. Это что касается макияжа на каждый день. Создание образа для спектакля — всегда определенный процесс. Конечно, у нас есть гример, но он один на всех, и иногда бывает такое, что мне хочется накраситься именно самой.  

А какую косметику используете для выступлений? Специальный стойкий грим или средства из обычной косметички?

Сейчас такая косметика, что нет особой надобности использовать специальную сценическую. Все привычные бронзеры и хайлайтеры, наоборот, очень красиво смотрятся во время спектаклей — единственное, хайлайтер нужно наносить осторожно, так как на сцене очень яркий свет. По этой же причине нужен более плотный и темный тон: очень плоское освещение прожектора, прямо как в студии, съедает все тени и делает кожу бледнее, и нам приходится краситься достаточно сильно. Например, если вы будете смотреть спектакль из зала, а потом зайдете за кулисы, то вы заметите разницу в том, как это выглядит издалека и вблизи. Так что секрет сценического макияжа в том, что мы красимся той же косметикой, только ярче, из-за чего получается такой обман зрения. Сцена Большого театра сама по себе огромная, и чтобы с последнего ряда были видны наши глаза, мы клеим ресницы и делаем стрелки — это целый процесс.

Есть ли у вас явные фавориты среди продуктов? 

Люблю помады M.A.C и Nars, потому что они матовые, а нам особенно важно, чтобы, когда мы улыбаемся, не оставалось следов от косметики на зубах. Быть красивым на сцене — это тоже наша задача. Туши у меня очень много — сейчас даже открою косметичку — под каждое настроение своя. Если я веду спектакль, то всегда клею ресницы. Тени использую Too Faced — мне нравится, что у них большой выбор цветов, и под разные образы можно найти нужный оттенок.

А как создаются образы для спектаклей? Насколько вы свободны в этом процессе?

Мне очень нравится, что в нашей профессии мы можем экспериментировать с макияжем. Бывают роли, в которых это даже приветствуется. Это тоже особый вид творчества — ты думаешь, чего тебе хочется, какие тени выбрать под наряд, как лучше накрасить губы. 

Буквально на днях я танцую в спектакле «Четыре персонажа в поисках сюжета». Когда только намечалась премьера, хореограф дал нам некую свободу в разработке образов. Наши костюмы там лазурно-голубого цвета, а сам балет разворачивается на фоне картины Айвазовского «Девятый вал» — мы могли придумать на лице рисунки волн или морской пены. Для этого нам как раз-таки принесли специальный грим, о котором вы спрашивали, в этом случае он был необходим, чтобы мы могли кисточками изобразить на лице свое видение морской тематики. В итоге все пришли к тому, что мальчики красят синим цветом только шею, а девочки наносят голубые тени с мерцающими блестками — это напоминает отражение луны в воде и выглядит очень красиво. Кстати, и сейчас можно продолжать экспериментировать: некоторые, например, пробуют синеватые скулы. Свет на сцене во время спектакля приглушенный, поэтому это выглядит особенно необычно и эффектно.

А что насчет ухода? Понимаю, что мы с вами ровесницы, и каких-то особенных проблем с кожей в нашем возрасте нет. Есть ли незаменимые средства, которые особенно нравятся?

На самом деле уже с самого начала работы на сцене меня начало беспокоить большое количество плотного тона на коже. После умывания лично у меня кожа требует серьезного увлажнения. Я не очень люблю маски — может быть, только пока. Но мне нравится увлажняющий крем Hydra Life Dior, с которым очень комфортно при минусовой температуре и сухом воздухе в квартире. Еще мне нравится натуральный увлажняющий крем My Clarins.

Говорят, что из-за конкуренции в балете нет места дружбе, но тем не менее вы нашли в нем место любви. То, что ваш молодой человек (артист балета, премьер Большого театра Денис Родькин. — Прим. Vogue) из вашей же профессии, больше помогает или мешает? 

На самом деле мне очень комфортно, учитывая, что мы весь день проводим в театре. Если кто-то из нас работал бы в другой сфере, мы бы виделись только рано утром и поздно вечером, а выходные у нас были бы в разные дни. А так мы запросто можем между репетициями пойти выпить чашечку кофе, поболтать и чуть-чуть отдохнуть вместе — для этого нам даже не нужно выходить из театра. Поэтому здесь одни плюсы.

И наверняка проще поддерживать друг друга?

Да, к примеру, очень легко быть за кулисами на всех спектаклях с участием друг друга — для этого даже не нужно просить билет. Находясь всегда рядом, ты можешь принести воды между актами, поддержать морально, выйти посмотреть выступление из зала. Это действительно большой плюс — просто огромный. 

В одном из интервью вы говорили, что все балерины делятся на тех, кому проще дается либо адажио, либо технические элементы. Себя вы отнесли ко второму типу. Почему?

По природе я и правда отношу себя к типу технических балерин — повращаться и попрыгать мне от природы дается легче, чем исполнить какое-то адажио. Но недавно мы ездили в Сочи на ежегодный фестиваль зимних искусств Юрия Абрамовича Башмета, в рамках которого танцевали адажио из балета «Ромео и Джульетта». Было безумно приятно исполнять такое романтическое адажио со своим любимым человеком. Партии там очень эмоциональные и доставляют какое-то внутреннее удовлетворение: происходит буквально упоение танцем. Это немного отличается от тех моментов в спектакле, когда ты все время прыгаешь, крутишься, устаешь и бежишь дальше. Здесь ты именно танцуешь.

Сложно ли переключаться?

Как раз-таки наоборот, гораздо приятнее, когда в одной роли есть все, и ты можешь показать максимум. Исполнять их — огромное счастье. Вообще в последнее время я поняла, что очень люблю большие сюжетные балеты в несколько актов, в которых ты проживаешь целую историю на сцене. Недавно был балет «Корсар», и там вокруг тебя пистолеты, имитирующие выстрелы, огромный корабль, который потерпел кораблекрушение прямо на сцене. Участвовать в такой захватывающей истории действительно большое удовольствие для артиста. У нас очень много таких балетов, поэтому я стремлюсь пробовать, готовить и показывать подобные масштабные роли все больше.

На Западе все стремительнее развивается направление модерна в балете. Не хотели бы вы в будущем немного отойти от классики и попробовать себя в современном танце?

Есть спектакли, в которых я танцую современную хореографию в балетках, а не в пуантах — то есть я уже себя пробую. Но пока что мне более интересно классическое направление. Как я сказала, мой особенный интерес вызывают большие сюжетные спектакли. У зрителя, кстати, судя по комментариям и отзывам в инстаграме, больший отклик находят именно такие классические постановки. Артистам в них всегда интересно — удастся ли справиться с серьезными актерскими и техническими задачами в таком масштабном действии. И когда все получается, ты радуешься гораздо сильнее, получая большой заряд на дальнейшие достижения.

Над какими спектаклями вы работаете и где вас можно увидеть на сцене уже сейчас?

Сейчас как раз репетирую партию в балете «Спартак». Теперь пробую другую женскую роль. Премьера намечена на седьмое марта — я впервые буду выступать в статусе ведущей солистки. Это будет интересно, потому что премьера досталась мне неожиданно. Но мы сейчас вовсю готовимся и репетируем с моим педагогом: уже выучили весь порядок спектакля и теперь работаем над образом. 

Какая партия для вас самая особенная?

На самом деле все роли, когда ты их исполняешь, становятся любимыми, поэтому выбирать сложно. Но у меня есть одно особенное воспоминание: два года назад меня поставили исполнять Фригию в балете «Спартак» на гастролях в Лондоне. Это был первый раз, когда я участвовала в таком сюжетном балете и испытала все эти невероятные эмоции. Поэтому лично для себя я выделяю ее, хотя люблю все партии, которые исполняю. 

Что бы вы хотели сделать за свою карьеру, чтобы могли сами себе сказать — все было не зря?

Сложно сказать, потому что все так быстро и непредсказуемо. Даже если сейчас вдруг все закончится, я скажу, что все было не зря. Для меня удовольствие — просто выходить на сцену. 

_{На сайте могут фигурировать ссылки на внешние ресурсы, которые мы не администрируем и не контролируем. Политика конфиденциальности, практикуемая другими сайтами, не находится в сфере нашего влияния. Как только вы осуществляете переход на другие ресурсы, вы должны найти информацию об их политике конфиденциальности, прежде чем вводить на них свои данные.}

Свою любовь к России мама привила и мне — Российская газета

Трудно поверить, но в Большой театр Беларуси Ирина Еромкина пришла почти четверть века (!) назад. Одетта-Одиллия в «Лебедином озере», Никия в «Баядерке», Спящая красавица и Маша из «Щелкунчика» — за эти годы артистка перетанцевала практически весь классический репертуар. И до сих пор без ее имени в афише не обходится ни одна премьера. Кажется, Ирине Еромкиной действительно подвластно все: любые образы, и классический балет, и современный. Впрочем, сама народная артистка Беларуси признается: главное в балете — это характер.

На днях стало известно, что за главные партии в спектаклях «Анастасия» Вячеслава Кузнецова, «Анна Каренина» на музыку Петра Чайковского и «Сотворение мира» Андрея Петрова прима-балерина Большого театра Беларуси Ирина Еромкина выдвинута на соискание премии Союзного государства в области литературы и искусства за 2021/2022 годы. Мы встретились с артисткой перед началом 89-го театрального сезона и поговорили о номинации, любимых ролях, жизни в движении и возрасте, который для балета совсем не помеха.

Ирина, первым делом принимайте наши поздравления.

Ирина Еромкина: Спасибо! Для меня даже сама номинация на премию Союзного государства — это уже высокая оценка и награда. Находиться на том же уровне, что и другие номинанты и лауреаты, которые получили эту премию в прошлые годы, действительно дорогого стоит. Скажу честно: приятно, когда артиста балета отмечают, пока он еще на сцене, пока он еще танцует. Не секрет, что балетный век короткий, мы работаем всего около 20 лет.

Анастасия и Анна Каренина из одноименных спектаклей и Ева из «Сотворения мира» — какой из этих образов самый любимый?

Ирина Еромкина: Когда ты готовишь новую роль, то полностью в ней растворяешься, на некоторое время она становится самой любимой. В 2018 г. мы работали над спектаклем «Анастасия», и образ главной героини мне сразу стал близок. В то время в моей жизни были определенные трудности, мятущееся состояние, при котором я ощущала, что должна защищать себя и своих детей… Анастасию Слуцкую называли «белорусской Жанной д»Арк», а я говорила, что это «лилия на стальном стержне». Несмотря на внешнюю хрупкость, внутренне моя героиня очень сильная и смелая. Я ее понимаю, потому что знаю, как иногда необходимо вне зависимости от своего состояния собраться с силами, мобилизоваться и идти вперед.

А после «Анны Карениной», помню, вы признавались, что с этой героиней вы абсолютные противоположности…

Ирина Еромкина: Да, сначала у меня были определенные внутренние сложности, потому что я совсем не похожа на Анну. Моя героиня — тонко чувствующая, слабая женщина, которая, поддавшись эмоциям, бросила сына ради новой любви. А для меня дети — моя основа, смысл жизни. Но я все равно оправдала Анну и позволила себе быть ею на сцене. В этом, кстати, и заключается прелесть нашей профессии. Театр дает артисту возможность быть разным…

Зато Ева из «Сотворения мира» меня восхищает, она идеальна. Проматерь рода человеческого, при этом реальная женщина. Приблизиться к героине, эмоционально прочувствовать этот образ мне помогла первая исполнительница партии Евы Людмила Бржозовская. Она очень поэтично описывала, как Ева, впервые спускаясь с небес, шла прямо по облакам… Поэтому, когда я танцую эту партию, ощущаю будто бы легкие воздушные потоки, тонкий эфир.

Есть спектакли, которые сняты из репертуара, но по которым вы особенно скучаете?

Ирина Еромкина: Очень не хватает «Рогнеды». Полностью спектакль назывался «Страсти» (Рогнеда)» и был посвящен принятию на наших землях христианства. Музыку к постановке написал композитор Андрей Мдивани, в июле ушедший от нас… Так вот, я всегда с нетерпением ждала этого спектакля, он наполнял меня особенными чувствами, был дорог.

Интересно, что оба спектакля — и «Сотворение мира», и «Страсти (Рогнеда)» — поставил Валентин Елизарьев. В его постановках, кажется, вы действительно раскрываетесь по-новому.

Ирина Еромкина: С Валентином Николаевичем мы очень хорошо понимаем друг друга, мне близка его хореография. Роли в его спектаклях созданы как будто специально для меня, а я — для них. К слову, в последнее время одним из моих любимых спектаклей стал «Спартак» Арама Хачатуряна в постановке Валентина Елизарьева. Даже когда я просто слушаю музыку Хачатуряна дома, у меня всегда мурашки по коже. Со «Щелкунчиком» Чайковского, кстати, та же история. Главное адажио невозможно слушать без эмоций, хочется плакать и смеяться одновременно.

Свою любовь к России мама привила и мне. Мы с раннего детства ездили в Москву, Петербург, Ярославль…

Когда готовитесь к премьерам, перечитываете первоисточник?

Ирина Еромкина: Бывает, что история знакома нам еще из школьной программы. Но спектакль — это труд команды авторов-постановщиков. Моя главная задача — донести до зрителя мысль не автора первоисточника, а тех людей, которые создают спектакль. Он должен получиться таким, чтобы хореограф увидел на сцене свое воплощение истории. Поэтому, конечно, перечитываю первоисточники и смотрю фильмы, но понимаю, что балет будет отличаться от них.

Через неделю Большой театр откроет новый сезон. Как вы провели последние дни отпуска?

Ирина Еромкина: Все лето была в Беларуси. Некоторое время жила с детьми за городом у мамы, но потом занялась переездом в Минск. Последнюю неделю готовились к школе: младшая дочь Катя стала первоклашкой, а средняя Ксюша пошла в пятый класс. Ну а сын в этом году получил диплом о высшем образовании, и я за него наконец спокойна.

Ваша мама, насколько я знаю, из России?

Ирина Еромкина: Мама родилась на Кольском полуострове, в городе Мончегорске — это Мурманская область. Училась в Санкт-Петербурге, но потом переехала в Беларусь. Свою любовь к родным местам она привила и мне. Мы с детства ездили в Москву, Петербург, Ярославль, куда переехал ее брат и где сейчас живет моя двоюродная сестра. Особенно запомнились поездки в Санкт-Петербург. Соборы, театры, история города и его архитектура — это то, что никого не оставляет равнодушным. А в Москву в основном я приезжала с гастролями. С труппой белорусского Большого театра представляли балет «Витовт» на сцене Большого театра России, были также мои личные гастроли с другим театром. Поэтому для меня Россия — это тоже родина и моя семья.

Дочки, как мама, будут артистками?

Ирина Еромкина: Ксюша размышляет пока, а младшая очень похожа на меня, можно сказать, моя мини-копия. Фигура, ноги, она очень пластичная, легко садится на шпагатики. Так что, если захочет в балет, спорить не буду.

Хотите знать больше о Союзном государстве? Подписывайтесь на наши новости в социальных сетях.

Балерина Наталья Осипова: шаг в современный танец

• Александр Кан
• Обозреватель по вопросам культуры Русской службы Би-би-си

7 июля 2016

Автор фото, Nikolai Gulakov

Подпись к фото,

Наталья Осипова показала в лондонском театре Sadler’s Wells спектакль современного балета

На сцене лондонского театра Sadler’s Wells прошла мировая премьера спектакля из трех одноактных балетов, в которых известная российская балерина Наталья Осипова выступила в жанре современного танца.

Между классикой и современностью

Артисты классического балета вступают на путь современного танца, как правило, тогда, когда их путь в академическом театре подходит к концу. При всей заманчивости сольных антреприз с твоим именем крупными буквами на афишах, такой шаг все же считается некоторым отступлением, на который звезда идет лишь в случае невозможности по тем или иным причинам успешно продолжать свою классическую карьеру.

В применении к Наталье Осиповой все эти соображения кажутся совершенно неуместными. Ей только что исполнилось 30 — возраст в балете не юный, но никоим образом не предполагающий завершения академической карьеры. Она постоянно появляется в ведущих партиях на сцене Большого театра в Москве, Михайловского в Санкт-Петербурге, Гранд Опера в Париже, Американского балетного театра в Нью-Йорке.

В 2012 году она стала приглашенной солисткой Лондонского Королевского балета (Ковент-Гарден), а в 2013 была принята в труппу в качестве прима-балерины. Она танцевала «Лебединое озеро», свою любимую «Жизель», Татьяну в «Онегине», Джульетту в «Ромео и Джульетте» и многие другие партии.

Однако, как Наталья Осипова признавалась в недавнем интервью газете Sunday Times, преследовавшие ее травмы, в том числе и крайне болезненный вывих бедра, привели к отмене множества спектаклей и к длительному перерыву.

Поворот к современному танцу стал способом выйти — пусть и временно — из жесткой, временами беспощадной репетиционной рутины классического балета.

Этот поворот, впрочем, ни в коем случае нельзя назвать внезапным или неожиданным. Еще в Большом она танцевала в спектакле «В комнате наверху» современного американского хореографа Твайлы Тарп, в Ковент-Гардене специально для нее создавали партии ведущие британские хореографы Кристофер Уилдон, Уэйн Макгрегор и Алистер Марриотт.

Два года назад три современных хореографа — бельгиец Сиди Ларби Шеркауи, израильтянин Охад Нахарин и португалец Артур Пита создали для нее и для ее тогдашнего партнера и на сцене, и в жизни Ивана Васильева спектакль из трех одноактных балетов «Соло для двоих», премьера которого прошла на сцене лондонского театра «Колизей» в августе 2014 года.

Союз с Полуниным

Автор фото, Bill Cooper

Подпись к фото,

Полунина британская пресса не без оснований называет enfant terrible классического балета

Нынешний спектакль, который театр современного танца Sadler’s Wells заказал трем хореографам специально для российской балерины, в немалом смысле идет по пути, проторенному двухлетней давности «Соло для двоих». И не только потому, что двое из трех постановщиков — Шеркауи и Пита — вновь работают с Осиповой. В двух из трех постановок она вновь на сцене только со своим партнером — и по сцене, и по жизни. Партнер этот, правда, теперь другой — Сергей Полунин.

Полунина британская пресса не без оснований называет enfant terrible классического балета. В 2003 году 13-летний подросток, уроженец украинского Херсона, благодаря стипендии Фонда Рудольфа Нуриева перешел из Киевского хореографического училища в Школу Королевского балета. В июне 2010-го он стал самым молодым премьером в истории лондонского Королевского балета.

Однако уже в 2012 году он ушел из знаменитого театра. Ушел со скандалом, сопровождаемый слухами о злоупотреблении кокаином, сетуя, что балет не дал ему в полной мере насладиться свободой юности и заявив, что в академическом балете «художник внутри меня умирает».

Первое, что он сделал после ухода, — основал в Лондоне салон татуировки. Потом, уже в качестве фрилансера, он исчез за несколько дней до назначенной премьеры спектакля «Полуночный экспресс», сорвав таким образом премьеру.

С тех пор он мигрирует между российскими академическими театрами — Станиславского и Немеровича-Данченко в Москве и Новосибирским театром оперы и балета и престижными и коммерчески выгодными ангажементами на Западе — от Ла Скала до видео-клипов, снятых американским фотографом и постановщиком клипов в стиле «сюрреалистического гламура» Дэвидом Лашапелем.

«Когда мы объединились, многие считали, что я сошла с ума», — признается Осипова. — Мне немедленно стали давать самые разнообразные советы. Но я всегда делала, что я хочу. И если сердце подсказывает мне, что я должна поступать именно так, то так я и буду делать».

Полунин отвечает ей взаимностью: «Танцевать с Натальей просто великолепно. Я погружаюсь в работу с головой, для меня это новая полноценная реальность, и я хотел бы танцевать с нею всегда».

Спектакль в Sadler’s Wells

Впрочем, в первой из трех постановок нового спектакля Осипова на сцене не с Полуниным, а с двумя другими танцовщиками. Спектакль называется Qutb: в переводе с арабского это слово означает «ось, стержень». Но это также и духовный символ, которым в суфизме обозначают совершенного, универсального человека.

Сиди Ларби Шеркауи родился в Антверпене. Его мать — бельгийка, но отец — иммигрант из Марокко. Он учился в медресе и, культура Востока для него такая же родная, как и культура Запада.

Автор фото, Alastair Muir

Подпись к фото,

В спектакле Qutb тела трех танцовщиков сплетены в единый клубок

Тела трех танцовщиков сплетены в единый клубок, в котором не поймешь, где мужчины, где женщина, где чья рука, нога или голова. В этом сплетении тел, впрочем, нет ничего эротического — по замыслу хореографа, Наталья Осипова олицетворяет Венеру, Джеймс О’Хара — Землю, а Джейсон Киттельбергер — Марс. Они вращаются вместе и вокруг друг друга в сопровождении суфистской музыки, олицетворяя — с некоторой, впрочем, претенциозностью — ни много, ни мало как процесс мироздания.

Второй спектакль — «Молчаливое эхо» в постановке британского хореографа Рассела Малифанта — самый абстрактный, самый авангардный, и, как это ни парадоксально звучит, самый традиционный. Осипова и Полунин возникают из полной темноты, по одному, выхваченные лучами прожектора в самых неожиданных местах сцены, то отдаляясь, то приближаясь к друг другу. Большую часть спектакля они не соприкасаются. В этой отстраненности, усиленной колючей, холодной электронной музыкой британского музыканта Робина Римбо, известного под артистическим именем Scanner, есть что-то потустороннее, максимально отдаленное от классического балета.

Механистические движения под механистическую музыку вызвали у меня ассоциации со сдержанной экспрессией классика хореографического авангарда Мерса Каннингема, как вдруг, в своей заключительной части, после двух сольных номеров танец обрел неожиданную классичность.

В этом признается и сам хореограф: «Я хотел создать форму, близкую к классическому па-де-де — дуэт, два соло, и опять дуэт».

Автор фото, Bill Cooper

Подпись к фото,

Балет «Беги, Мэри, беги» отличается игривостью, заставляющей вспомнить легендарную «Вестсайдскую историю» Джерома Роббинса

После эмоциональной скупости и сдержанной философской отрешенности двух первых частей спектакля в третьем эта самая эмоциональность бьет через край. Даже само название — «Беги, Мэри, беги!» — подразумевает историю, сюжет, что нечасто встречается в современном танце. У героев даже есть имена: Осипова — Мэри, Полунин — Джимми. Яркие, красочные, даже нарочито вульгарные костюмы; твист, рок-н-ролл, секс и наркотики; характер танца и движений заставил вспомнить классическую «Вестсайдскую историю» Леонарда Бернстайна и Джерома Роббинса.

Даже музыка относит к той же эпохе — началу 60-х. Девичья группа The Shangri-Las сегодня почти забыта, но их эмоциональные, часто разыгрываемые как театральные сценки песни вдохновляли Эми Уайнхаус, и, по замыслу хореографа Артура Питы, Осипова в своем внешнем облике и движениях призвана была повторить безудержное отчаяние безвременно ушедшей певицы. А жесткое, придуманное автором концепции «стена звука» Филом Спектором инструментальное звучание The Shangri-Las придает всему шоу характерный отзвук «дисков смерти» — именно так называли музыку группы.

Жесткий приговор прессы

Столь разношерстный, пестрый и лишенный единого стилистического стержня спектакль вызвал у британской критики весьма нелицеприятные оценки.

«Русская балерина потерялась в пространстве» — так озаглавила свою статью рецензент Guardian. Отдавая должность решимости Натальи Осиповой двинуться в сторону современного танца, газета пишет, что это долгий и трудный путь, и Осипова пока еще не достигла той свободы и раскованности, которой, в отличие от жестко регламентированного академического балета, требует это искусство.

Financial Times, впрочем, возлагает вину за неудачу не столько на самих танцовщиков, сколько на театр и хореографов: «Артисты оказались в ловушке жуткой неадекватности и чудовищной претенциозности Sadler’s Wells. Спектакль искажает и не дает проявиться их дару и их подлинному лицу.

Не менее жестко звучит и вынесенный в заголовок рецензии приговор Daily Telegraph: «Звездная пара Осипова и Полунин дают осечку в неэротичном триптихе».

«Где огонь, где страсть? — задается риторическим вопросом критик. — Планка задрана высоко, но в целом спектакль оставляет впечатление напрасно растраченного таланта». Впрочем, рецензент не считает, что в этой области шансов у танцовщиков нет: «Будем надеяться, что Осипова и Полунин «долго запрягают», и лучшее у них все еще впереди».

У спектакля есть возможность для совершенствования: после короткого премьерного показа он отправится в августе на Эдинбургский театральный фестиваль, затем в сентябре вернется в Sadler’s Wells, а в ноябре будет показан в New York City Centre. Планов гастролей в России пока нет.

Автор фото, Bill Cooper

Подпись к фото,

По мнению британской прессы, Осипова и Полунин пока еще не достигла той свободы и раскованности, которой, в отличие от жестко регламентированного академического балета, требует современный танец

Шесть отличных новых книг о танце и балете

Екатерина Баева, автор канала «Мистер Дарси и бал» советует шесть отличных новых книг, которые помогут начать разбираться и в классическом балете, и в современном танце.

«Ангелы Аполлона. История балета» Дженнифер Хоманс

Трудно понять настоящее, не имея представления о прошлом, потому начинаем с истории классического балета — той самой плодородной почвы, на которой вырос современный танец. «Ангелы Аполлона» — исчерпывающая история балета без нафталина, которая подойдет даже начинающим и не даст заскучать тем, кто уже прочел Веру Михайловну Красовскую.

Допустим, вы уже знаете, что балет родился не в России, а Айседора Дункан знаменита не только своим браком с Есениным. Книга Хоманс дополнит картину и станет хорошим справочником и проводником по тому, кто, что, когда поставил и станцевал. Автор, сама бывшая танцовщица, пишет о балете и танце не только с любовью, но и с пониманием. Она научит не путать Барышникова с Нуреевым, не называть любой современный танец модерном и расскажет о Вагановой без свойственного русской школе придыхания.

Издательство АСТ, перевод Ольги Буховой

«Антология балетного либретто. Россия 1800–1917» Юрия Бурлаки и Анны Груцыновой

Еще один быстрый прыжок в прошлое — это увесистый сборник либретто (то есть краткого содержания) балетов, ставившихся в России от Петипа до революции. Впрочем, краткие содержания оказываются не такими уж краткими!

Даром, что издание учебное, читается оно как обаятельнейший сборник чуть подернутых патиной новелл — что‑то среднее между Карамзиным и Верой Ивановной Крыжановской-Рочестер — с кучей подробностей и деталей, которые обычно опускаются в современных либретто. В ожидании премьеры реконструированной «Дочери фараона» в Мариинском театре можно сравнить редакции 1862 и 1898 годов и делать ставки на то, какую же использует постановщик Алексей Ратманский.

«Русский балет Дягилева» Линн Гарафолы

«Русские сезоны» продолжают будоражить зрителя спустя десятки лет после смерти их создателя. Под именем Дягилева проходят фестивали и конференции, ставятся многочисленные редакции спродюсированных им постановок, а ученые пытаются восстановить утраченные шедевры по крупицам: ведь Дягилев запрещал снимать свои спектакли на фото и кинопленку, чтобы легенда оставалась легендой.

Гарафола — одна из крупнейших современных исследовательниц, славится своей дотошностью и умением копаться в архивных документах. В этой книге она анализирует «Русский балет» не только с художественной, но и с деловой точки зрения. Действительно, искусство, пишет Гарафола, это — о ужас! — бизнес, который существует по суровым законам рынка даже тогда, когда в твоей команде все самые талантливые люди в мире. Таким образом, «Русский балет Дягилева» превращается в пособие для начинающих антрепренеров, организаторов культурных событий и даже будущих гениев пиара и маркетинга (попробуйте-ка превзойти детище Сергея Павловича в его блеске и славе).

Первое русскоязычное издание книги уже стало библиографической редкостью, так что не пропустите второе.

Издательство «КоЛибри», перевод Марины Ивониной и Олега Левенкова

«Мэри Вигман: Абсолютный танец. Воспоминания, письма, статьи»

В замечательной серии «Garage Dance», которую курирует исследовательница и историк танца Вита Хлопова, вышло уже несколько важных работ по истории балета и современного танца ХХ–XXI веков (Марта Грэм, Мерс Каннингем, Ройд Клименхага про Пину Бауш, Андре Лепеки и другие). Помните, что не все, что современное, — это модерн? Так вот, Вигман — это тот самый модерн в чистом виде.

Мэри Вигман прожила долгую жизнь и прошла путь от девочки, которой советовали стать домохозяйкой, не видя в ней никакого хореографического потенциала, до женщины, которую в Америке называли «верховной жрицей танца». В родной Германии школы ее имени были открыты в каждом крупном городе, а в Нью-Йорке ее встречали так же горячо, как Анну Павлову и Айседору Дункан.

Вигман стала одной из легендарных женщин-реформаторов, прославившись в первую очередь созданием нового танцевального направления, позже названного Ausdruckstanz, то есть «экспрессивный танец». Ее танец был глубоко эмоциональным и даже пафосным, ярким, независимым и философским. Вигман часто сама писала о танце, что не слишком свойственно служителям этого искусства. В книге в хронологическом порядке собраны собственные статьи, размышления и воспоминания Вигман, которые записал и отредактировал ее близкий друг Вальтер Сорелл.

Издательство Garage, перевод Лии Эбралидзе

«Танцтеатр Пины Бауш: искусство перевода» Габриэле Кляйн

Это первая книга, выпущенная в новой издательской серии фестиваля Context. Diana Vishneva. Невероятно красивое издание посвящено еще одной легендарной женщине из мира танца — Пине Бауш. Даже если вы совершенно не разбираетесь в хореографах, то имя Пины слышали наверняка или смотрели фильм Вима Вендерса.

Работа Кляйн — это серьезное академическое исследование (подготовьтесь к обильному цитированию и ссылкам на другие научные статьи), в котором творчество Пины Бауш скрупулезно разбирается с совершенно разных позиций. В книге есть и практические, и сугубо теоретические главы. В одних автор дает общую характеристику работ Бауш, разделяя ее творчество на пять периодов (полезно начинающему баушеведу), в других размышляет о том, как танцевальная критика соотносится с критикуемым искусством (спойлер: примерно как горчица соотносится с котлетами: хорошо, когда она есть, но необязательно).

Самая известная цитата из Пины, «Мне неинтересно, как люди двигаются, мне интересно, что ими движет», может ввести вас в заблуждение, что ее спектакли — это голая экспрессия и импровизация. На самом деле в основе постановок Бауш часто лежала почти математическая четкость движения, а насыщение танца смыслом начиналось только тогда, когда была освоена его форма. Книга, детально препарирующая наследие Бауш, будет хорошим подспорьем в постижении «мифа Пины».

Издательство Individuum, перевод Наталии Бакши, под редакцией Никиты Алексеева и Марии Москвиной

«Современный танец в Швейцарии (1960–2010)» Анн Давье и Анни Сюке

Предположим, человеку, который увлекается танцем, грешновато не знать великих немок Мэри и Пину, а ничего не знать о современном хореографическом процессе, например, в Швейцарии, кажется, не так уж и стыдно. С другой стороны, теперь, когда появилось такое хорошее переведенное исследование, есть чем блеснуть в разговорах в антракте на каком‑нибудь модном фестивале современного танца.

Краткая шпаргалка для заинтересовавшихся. Первая глава рассказывает о том, как современный танец зародился в Швейцарии в 60-х годах прошлого века. Вы узнаете, что сформировало самых первых швейцарских танцовщиков и хореографов с точки зрения и наследия, и новаторских идей. Вторая глава — это путь осмысления и использования опыта пионеров их последователями, бытовая сторона вопроса, то есть где учиться танцевать и где выступать, если нет официальной инфраструктуры. Третья часть посвящена собственно эстетической стороне вопроса и рассказывает о художественных опытах многострадальных швейцарских танцовщиков.

На самом деле очень интересно наблюдать, как авторы буквально пишут историю, творящуюся на их глазах, опрашивают танцовщиков и хореографов. «Ты швейцарец, ты молод и хочешь стать танцором? Что ж… Собирай вещи! Тебя ждут за границей!» — как здорово, радуются авторы, что эта шутка уже совершенно неактуальна. Ах да, и было бы здорово, если бы эту книжку прочитал кто‑нибудь из Минкульта, отвечающий за развитие современного танца в России. Глядишь, и у нас было бы как в Швейцарии. Хоть что‑нибудь.

Подробности по теме

8 лучших новых книг об искусстве

8 лучших новых книг об искусстве

Откровения балерины: это стиль жизни, но очень тяжелый | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

Табита Домброски танцует в труппе Swiss Offspring Ballet. Ныне 20-летняя дипломированная балерина проходила двухлетнюю стажировку в Академии Штутгартской школы Джона Кранко. Она родом из Новой Зеландии, где начала танцевать балет в возрасте трех лет. Табита также попробовала свои силы в джазе, чечетке и современном танце.

Но балет был тем танцевальным направлением, которое привело ее в Европу, в школу Джона Кранко. Там она также впервые попробовала себя в роли хореографа. В интервью DW балерина рассказывает о «русской школе» Джона Кранко, о границах возможного и ментальной силе в сценическом танце, а также о проблемах танцевального образования. Поскольку балетная карьера редко продолжается до пенсионного возраста, она решила получить еще одну профессию, психолога. 

DW: Табита, за что вы полюбили балет?

Табита Домброски: Балет — это стиль жизни, но очень тяжелый. Он требует большой физической силы, дисциплины и решимости. Он формирует характер, если балетом заниматься с ранних лет. Это очень красивая и изматывающая профессия. Она требует поддержания безупречной физической формы, но при этом развивает грацию и артистичность. И все должно выглядеть очень легко. Балет — это способ самовыражения.

— Балет помогает в жизни?

— Да, это так. Помогает правильно распоряжаться временем. Дисциплинирует.

— Почему именно школа Джона Кранко в Штутгарте?

— Это одна из лучших балетных школ в мире. И одна из последних, где преподают по русскому методу. Школа выпускает универсальных танцоров. Я люблю современный танец так же, как и классический балет.

— Как выглядит рабочий день в Академии?

— Занятия начинаются в девять часов с двухчасовой разминки у станка. После этого отработка соло или вариаций. После обеда либо репетиции спектаклей, либо, например, уроки фламенко с кастаньетами, тренировки па-де-де или техники контемпорари. По вечерам я еще работала над своими хореографическими постановками. В первый год у меня также была теория: музыка, анатомия, история танца и немецкий язык.

— На Facebook вы пишете: «благополучно выжила». Нельзя ли поподробнее об этом?

— Я росла с различными танцевальными стилями, много занималась контемпорари и джазом. Артистичность для меня очень важна, экспрессивность мимики и тела. Тренироваться по русскому методу означает, что речь идет в первую очередь и исключительно о технике. Как раз то, что мне было нужно. Но это очень тяжелая школа, потому что самые простые движения должны быть идеальными — каждый раз, когда их выполняешь. И педагоги очень строгие. Они требуют совершенства. Они не дают спуска, потому что хотят самого лучшего для своих учеников. Они выжимают из тебя все силы по максимуму. Это очень тяжело физически. Балет — это искусство тела. Поэтому так тяжело учиться. Надо быть в отличной форме и выглядеть как балерина.

— А были моменты, когда хотелось все бросить? Не устарел ли морально “русский метод”?

— Интересный вопрос. Это очень старомодный способ обучения с фокусом на классическую балетную подготовку. В наши дни физическое и психическое здоровье является важным аспектом хореографического обучения, но в Штутгарте он не был частью программы, не было специалистов в этой области. В новозеландских школах все по-другому. Там следят за здоровьем танцоров. Здесь надо самому понимать, что хорошо, а что перебор, когда надо сделать перерыв. Здесь ты сам помогаешь себе — своему телу и психике. Некоторые с этим справляются. У меня это получалось, потому что у меня есть опыт. А вот для совсем юных танцоров подготовка без помощи специалистов может быть очень трудным делом. 

— Вопрос возник неслучайно. В отношении Берлинской государственной балетной школы выдвигались обвинения, о которых вы, несомненно, слышали. Были разговоры, например, о слишком продолжительных и утомительных тренировках. Или о том, что на растяжках применялась физическая сила со стороны без предупреждения. 

— Да, я об этом слышала. Я не могу сказать, что в школе Джона Кранко тренировки были слишком долгими. В Новой Зеландии я тренировалась и подольше. Тяжело было, да. Но нам давали отдохнуть. И если у кого-то был тяжелый день, репетиции, то педагог не требовал по полной. Растяжки, я думаю, это проблема больше в художественной гимнастике. У нас важнее техника и нюансы. 

— Раз разговор зашел о технике… Кульминационные 32 фуэте черного лебедя из “Лебединого озера”. Говорят, что это самая сложная фигура в балете. Как этому научиться?

— Все женские главные партии чрезвычайно сложные. Везде нужен хороший баланс, нужны гибкость, сила и плавность движения. Потребуются месяцы репетиций, чтобы довести соло до совершенства. Нужны тысячи повторений, чтобы довести движения до автоматизма.

— Одна из ваших собственных хореографических миниатюр называется «Состояние медитации». Вы медитируете?

— Да. Я люблю йогу и уже давно занимаюсь медитацией. Именно поэтому я решила изучать психологию, потому что мне интересно, что происходит у нас в головах. Это ведь так: наши поступки являются отражением наших мыслей. Просто иногда проблемы кажутся больше, чем они на самом деле есть. Балет — это тяжелый труд и короткая карьера. В балет надо влюбиться как можно раньше. Главное для карьеры — знать, для чего вы пришли в балет, любить его всем сердцем, находить в нем счастье, но не жертвовать ради него своим здоровьем и благополучием. Балет — это очень стоящее дело, но награды — выход на сцену, партии, о которых все мечтают, аплодисменты — даются очень дорогой ценой.

Смотрите также:

• Страсти по Нурееву

  Побег из СССР

  В 1961 году солист Кировского театра Рудольф Нуреев по окончанию гастролей в Париже попросил политического убежища и стал первым из советских артистов «невозвращенцем». Из Франции танцор уехал в Данию и оттуда в Лондон, где более 15 лет был звездой лондонского Королевского балета. На фото: принцесса греческая и датская Марина в 1961 году пришла посмотреть на сенсацию из-за «железного занавеса».

• Страсти по Нурееву

  Премьер Ковент-Гардена

  Главные партии в спектаклях Королевского балета в Лондоне Нуреев танцевал с английской балериной Марго Фонтейн. Легендарный творческий союз продержался 17 лет. Нуреев говорил, что в танце они были «одна душа и одно тело». В последний раз они выступили вместе в 1988 году, когда Фотейн было 69, а Нурееву — 50. На фото: пара танцует «Лебединое озеро» в постановке Нуреева в Вене в 1964 году.

• Страсти по Нурееву

  Солист и хореограф ведущих театров Запада

  В 1982 году Нуреев обменял свой нансеновский паспорт на австрийское гражданство и до 1988 года был танцором и хореографом балетной труппы Венской оперы.

• Страсти по Нурееву

  Директор Парижского балета

  В 1983 году Нуреев возглавил знаменитый балет Парижской оперы. Он был одновременно премьером труппы и поставил для нее несколько спектаклей. Но Парижем и Веной деятельность Нуреева не ограничивалась. Он работал как одержимый и выступал по всему миру. Число выступлений доходило порой до 300 в год. На фото: Рудольф Нуреев и Наталия Макарова в балете «Лебединое озеро», Париж, 1973 г.

• Страсти по Нурееву

  Экранная звезда

  Сценой профессиональная жизнь Рудольфа Нуреева не ограничивалась. Неистовый гений не только танцевал, ставил балеты и делал собственные редакции классических спектаклей. Он также много снимался в кино и на телевидении. В британском комедийном сериале «The Muppets» танцор ведет беседы с Маппетами и исполняет с Мисс Пигги знаменитое пародийное «плюс-де-де» из «Свиного озера».

• Страсти по Нурееву

  Рудольф играет Рудольфа

  В псевдобиографическом фильме «Валентино» 1977 года, который снял британский режиссер Кен Рассел, Рудольф Нуриев сыграл Рудольфа Валентино, кумира и секс-символа эпохи немого кинематографа. Разыграл свою жизнь не хуже голливудской суперзвезды и неукротимый Рудик, которого называли Чингисханом балета, самым сексуальным танцовщиком XX века, первым геем планеты.

• Страсти по Нурееву

  Бисексуальный и страстный

  Для фильма «На виду» («Exposed») Нуреев научился играть на скрипке. Его партнершей в триллере была Настасья Кински. Позднее танцор Роберт Трейси, бывший одно время любовником, секретарем и компаньоном Нуреева, утверждал, что Рудольф одно время мечтал о сыне от этой актрисы. Самой большой любовью неистового татарина был обжигающе холодный датский танцовщик Эрик Брун.

• Страсти по Нурееву

  Возвращение спустя 26 лет

  В 1987 году «невъездному» Рудольфу Нурееву, осужденному заочно за «государственную измену», впервые было позволено приехать на бывшую родину, чтобы проститься с умирающей матерью. Визу дали всего на 72 часа. На фото: Рудольф Нуреев у родительского дома в Уфе.

• Страсти по Нурееву

  Последний визит

  В 1989 году задули «ветры перемен» и гениальный «невозвращенец» приехал теперь уже в Петербург. Выступление в спектакле «Сильфида» на сцене Кировского театра, где блистательно начиналась его творческая судьба, стала своего рода прощанием с балетом. 6 января 1993 года, в возрасте 54 лет, Рудольф Нуреев скончался от осложнений СПИДа и похоронен на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа в Париже.

• Страсти по Нурееву

  Скандал в Большом

  Рудольф Нуреев был невыносимо ярким для советской власти явлением. И даже из небытия как герой одноименного спектакля также неудобного для номенклатуры Кирилла Серебренникова он продолжает эпатировать «советских» по своему духу людей. Запрещенная, а потом разрешенная премьера балета «Нуреев» в Большом театре стала главным культурным событием 2017 года в России.

  Автор: Элла Володина

 

Балерина | Vendome Press | Издательство искусства и иллюстрированных книг

Ballerina: Fashion’s Modern Muse — это открывающее, неотразимое удовольствие как для поклонников танцев, так и для модников. Такие кутюрье, как Balmain, Balenciaga, Chanel, Schiaparelli, Charles James, Dior и Yves Saint Laurent, разработали платья и платья в стиле балета, многие из которых отличались лифами на косточках и объемными юбками из тюля классических пачки. Американские дизайнеры прет-а-порте, такие как Клэр Маккарделл, черпали вдохновение в балетных трико и другой тренировочной одежде, создавая трикотажные комплекты одежды, купальные костюмы и платья с запахом.

Написанная экспертами в области моды и балета, книга иллюстрирована архивными фотографиями таких мастеров, как Ричард Аведон, Эдвард Стейхен, Ирвинг Пенн, Ман Рэй и Сесил Битон, а также недавно заказанными фотографиями современных балерин в моде под влиянием балета.

«С их взаимной любовью к красоте, элегантности и исполнительству мода и балет долгое время казались идеальными партнерами. Но до начала 20 века отношения были явно односторонними.Длительные отношения балета с модой … являются темой новой книги Патрисии Мирс « Балерина: современная муза моды ».
— BBC.com

«Балерина занимает уникальное место в западной высокой культуре как балерина. символ красоты и изящества. . . Ее влияние проникло в мир моды, поскольку пачка стала источником вдохновения для ведущих модельеров. Ballerina: Fashion’s Modern Muse объединяет архивные фотографии балерин с недавно заказанными фотографиями современных балерин в модной одежде с элементами балета.Текст книги, написанный ведущими критиками танца и моды, прослеживает отношения между балетом и модой, а также между великими балеринами и дизайнерами ».
– Wall Street Journal

« Как две сестры, делящие туалет, мода и балет имеют свободно заимствовали друг у друга более века. . . . Забавно задокументировать эти параллели, например, Ballerina: Fashion’s Modern Muse Патрисии Мирс с тщательными деталями и богатым ассортиментом фотографий.»
— W magazine

» Хотя книга охватывает лишь короткий период времени, она пробуждает идеи о том, как балет продолжает свои отношения с модой сегодня. Эти страницы, посвященные творчеству в области искусства, как исполнительского, так и визуального, полны романтики, гламура и истории, и их просто приятно исследовать ».
– Selvedge

Патрисия Мирс — заместитель директора Музей в FIT.

Лаура Джейкобс — танцевальный критик, модный писатель и писательница.

Джейн Притчард — куратор отдела танцев, театра и представлений в Музее Виктории и Альберта в Лондоне.

Розмари Харден — менеджер Музея моды в Бате, Англия.

Джоэл Лобенталь — танцевальный критик.

Балерина: Муза современной моды | Технологический институт моды

Галерея специальных выставок
11 февраля — 18 апреля 2020 г.
Поделиться с помощью #BallerinaExhibition в Twitter и Instagram.

Немногие виды искусства были столь же женственными, как классический балет. Как Джордж Баланчин, легендарный хореограф лаконично заявил: «Балет — это женщина». Даже те, у кого есть мало знаком с этой танцевальной формой, признаю, что ее высший практик, балерина, высококвалифицированный и опытный художник, воплощающий современные идеалы красоты и грация, безупречно заключенная в гладкое и завидно подтянутое телосложение.Ее возвышенное положение, однако это относительно недавнее явление. Испокон веков балерины, как и другие артисты-исполнители, были отнесены к маргинальным слоям общества и эксплуатировались повсюду. их карьеры. Однако после успешного парижского дебюта Русского балета в 1909 г. ее обстоятельства начинают улучшаться. Эта компания, основанная импресарио Сергеем Дягилевым, а также одноименная труппа под руководством русской эмигрантки балерины Анны Павловой, возродили классический танец на Западе и спровоцировали повсеместное и устойчивое увлечение для балета, или «балетомания.”

Pierre Balmain, розово-кремовое вечернее платье с кокосовыми перьями, 1949 год. Музей в FIT, Дар Барбары Луи. © Музей в FIT

Анна Павлова в костюме «Умирающего лебедя» из балета «Лебединое озеро», 1905 г. Фотография Германа. Мишкин.Отдел танцев Джерома Роббинса, Цифровые коллекции Нью-Йоркской публичной библиотеки.

Влияние балета было настолько сильным, что оно оказало влияние на многие области творчества. одним из самых важных является мода. В то же время балерина расцвела. в почитаемую и вдохновляющую фигуру красоты и гламура, а ее фирменный костюм — пачка с корсетом — вдохновит многих ведущих дизайнеров моды.Начало в 1930-х и на протяжении 1970-х годов балерины часто появлялись в ведущие журналы высокой моды. Были освещены не только их выступления, но и ряд самых красивых балерин регулярно моделировали в новейших модах.

Марк Хаппель, Симфония в костюме C , белый шелковый атлас, синтетическая сетка, кристаллы Сваровски, 2012 г.Пост Нового Йорк Сити Балет. © Музей в FIT

Cristóbal Balenciaga для Хэтти Карнеги, розовый шелковый тюль и атласное вечернее платье с вышивкой серебром по металлу, 1950 год. Пост Беверли Биркс. © Музей в FIT

Оливер Мессель, костюм Марго Фонтейн «Принцесса Аврора» из Спящая красавица , 1960-е годы, оригинальный дизайн 1946 года.Пост в Музее Виктории и Альберта в Лондоне. © Музей Виктории и Альберта, Лондон

Многие предметы высокой моды в коллекции Ballerina: Fashion’s Modern Muse были разработаны и изготовлены в Париже. Однако популяризация классического балета на протяжении двадцатого века многим обязан британцам и американцам. Императорский Русский классический балет не только выживет, но и станет самым популярным. популярное исполнительское искусство в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах с самого начала 1930-е годы до середины века.В тот золотой век высокая мода искала впервые к классическим балетам, таким как Жизель , Лебединое озеро и Спящая красавица , а дизайнеры спортивной одежды почерпнули идеи из современных балетов, представленных в обтекаемая тренировочная одежда.

Клэр Маккарделл, черный нейлоновый купальный костюм, 1948 год.Музей в FIT, Gift of Мистер и миссис Адриан Маккарделл.
© Музей в FIT

Вера Максвелл, комплект из серо-черного шерстяного трикотажа и брюк, около 1959 г. FIT, Дар Веры Максвелл.
© Музей в FIT

Более 90 представленных объектов включают: великолепный набор модных платьев, вдохновленных пачками. платья с лифом на косточках и объемными юбками; Американские готовые сепараторы на основе на купальниках, колготках и гетрах; и обувь от «балерины» до квартиры тапочки на фетишистских туфлях на высоком каблуке в стиле «пуанты».Материалы, вдохновленные балетом, стали приобретает все большее значение: шелковая сетка, известная как тюль, стала одной из стандартных материалы, используемые для изготовления вечерних платьев, в то время как трикотаж был предпочтительным материалом для спортивная одежда разделяет. Цвета, характерные для балерин, например, ее «балетно-розовые» колготки. и пуанты, а также оттенки, популяризированные конкретными балетами, такими как «Сон». синий и сиреневый от модели Sleeping Beauty , также нашедший свое отражение в коллекциях кутюрье и дизайнеров прет-а-порте. в годы середины века.Чтобы выяснить, как мода на балетные элементы одежды перемежаются с выбором балетных костюмов. легендарных балерин, таких как Анна Павлова и Марго Фонтейн, а также звезд Балета Нью-Йорка и Театра танца Гарлема.

Noritaka Tatehana, розовые кожаные балетки в стиле пуантов, 2012 г.Музей на СООТВЕТСТВОВАТЬ. © Музей в FIT

Christian Louboutin, черные лаковые туфли «Fetish Ballerine», 2014. Музей в FIT, Дар Кристиана Лабутена. © Музей в FIT

Виктор де Соуза, черное балетное платье и туфли, 2016 г.Пост Виктора де Соуза. Смоделированный пользователя Lauren Lovette. Фотография Изабель Магован.

На выставке также представлено представление о балерине как о «женщине стиля». Над дюжина ансамблей Christian Dior, Yves Saint Laurent,
и Halston, которые носили такие звезды, как Марго Фонтейн, Алисия Маркова, Мария Талльчиф, и Вирджиния Джонсон иллюстрируют важную роль, которую мода сыграла в жизни балерин. карьера.К началу 1980-х годов влияние балета на моду начало постепенно ослабевать. Его великое влияние середины века ослабло с ростом молодежной культуры и одновременным упадок высокой моды. Несмотря на это, балерины извлекли выгоду из меняющейся культурной ветры
, которые возвели их искусство, и они не потеряли завещанного им эмансипированного положения к ним от предыдущих поколений танцоров.В противоположность балерине, современная мода Муза, остается идеалом, который мы принимаем по сей день.

Yves Saint Laurent, мини-платье из шелковой марли с блестками, которое носила Марго Фонтейн, 1966 год. Великий пост пользователя Fashion Museum Bath. Фотография Уильяма Палмера.

Yves Saint Laurent, ансамбль из страусовых перьев Марго Фонтейн, 1965 год.Постоял Музей моды Баня. Фотография Уильяма Палмера.

Ив Сен-Лоран, шерстяной трикотаж, платье «Мондриан» на Марго Фонтейн, 1965 год. Великий пост пользователя Fashion Museum Bath. Фотография Уильяма Палмера.

Государственные программы

Выставка сопровождалась рядом публичных программ, а также однодневным симпозиумом с участием историков танца и экспертов, таких как Лаура Джейкобс, Джоэл Лобенталь, Джейн. Причард и Линн Гарафола.

Хотя выставка представляет международное влияние балета на моду, она также устраняет недостаток разнообразия в обеих творческих сферах. Чтобы расширить знания о балеринах-пионерах, преодолевших преграды, МФИТ представил специальную публичную программу по теме. Панельная дискуссия с участием первого поколения афроамериканцев балерины, которые достигли национальной и международной славы, включая Вирджинию Джонсон и Лидия Абарка из Театра танца Гарлема, Эша Эш из Нью-Йоркского городского балета, и Дебра Остин, которая танцевала с New York City Ballet, прежде чем стать солисткой танцор в Пенсильвании, одной из ведущих танцевальных трупп Америки, в 1982 году.Эта панельная дискуссия состоялась 27 февраля 2020 года, во время Месяца черной истории. Посмотреть фото с мероприятия.

Публикация

Выставка сопровождается богато иллюстрированной книгой, изданной Vendome Press. Помимо основных эссе, написанных Патрисией Мирс, заместителем директора MFIT, В издание также вошли работы ведущих специалистов в области танцев и моды.Среди них танцевальный критик и писательница Лора Джейкобс, куратор танцев в Victoria and Музей Альберта Джейн Причард, танцевальный критик и модный писатель Джоэл Лобенталь и менеджер и куратор моды Bath Museum Bath Розмари Харден.

Балерина: Муза современной моды стала возможной благодаря щедрости Совета моды музея. в FIT и Государственном совете по искусству штата Нью-Йорк при поддержке губернатора Эндрю М.Куомо и Законодательное собрание штата Нью-Йорк. Дополнительную поддержку оказали Лондонское общество антикваров и спа-центр Gainsborough Bath Spa.

По следам трех современных американских прима-балерин | В Смитсоновском институте

Вот уже более века танец отражает важные моменты в истории страны.Айседора Дункан крутилась на сцене в 1900 году как независимая «Новая женщина»; хореограф Басби Беркли подарил публике времен Великой депрессии желанный побег, заполнив киноэкраны танцевальными представлениями, а во время холодной войны советские танцоры, такие как Михаил Барышников, бежали в Соединенные Штаты в поисках свободы творчества и творческих возможностей.

Захватывающая новая выставка «Американский балет», посвященная изучению танца, в настоящее время находится в Смитсоновском Национальном музее американской истории. Новая витрина рассказывает историю трех современных прима-балерин, которые поражали публику от сцены к экрану и от Бродвея до Белого дома.

В современную эпоху танец отражает сбои в культурной трансформации. «Сегодняшний балет впитал в себя какофонию социальных, политических и культурных влияний, которые отражаются в нашей жизни», — говорит куратор Мелоди Суини. «В результате и классический балет, и роль балерины стремительно меняются».

Американский популярный танец впервые выступил на сцене водевиля под музыку Ирвинга Берлина, Джорджа М. Кохана, Сиссла и Блейка. Но американский стиль балета формировался медленнее.

Французская танцовщица Виолетта Верди (вверху в Jewels ) приехала в США в качестве иммигранта, присоединившись к труппе New York City Ballet. Представлена ​​ее пачка «Romantique» из модели Pas de Deux , которую она исполнила для президента и миссис Джеральд Форд в Белом доме в 1975 году. Wikimedia Commons / New York City Ballet

Европейское исполнительское искусство, балет так и не нашел своей уникальной опоры в Новом Свете до тех пор, пока уроженец России, получивший классическое образование, Джордж Баланчин не иммигрировал в США.С. в 1933 году. Хотя он сразу добился успеха, поставив хореографию для Голливуда и Бродвея, его наибольшее влияние оказало изобретение американского балета. Он организовал New York City Ballet в 1948 году, и его 150 хореографических работ для этой труппы создали уникальный американский стиль: балет Баланчина взлетел вверх.

Каждому хореографу нужна муза, и одна из главных идей, вдохновляющих Баланчина, Виолетта Верди, представлена ​​на выставке American Ballet. Верди родился во Франции и сделал важную послевоенную карьеру в Европе, в том числе главную роль в немецком фильме 1949 года « Балерина». После того, как она иммигрировала в США, она стала одной из «муз» Баланчина в период с 1958 по 1977 год. Он поставил ей главные партии в нескольких своих работах, в первую очередь в балете « Изумруды», «», который был открывающим балетом его триптиха « Драгоценностей». , и Чайковского Pas de Deux. На этой выставке представлена ​​пачка Верди «Romantique» из модели Pas de Deux , которую она исполнила для президента и миссис Джеральд Форд в Белом доме в 1975 году.Костюм был разработан Барбарой Балинской, костюмером NYCB, а ранее — Ballet Russe de Monte Carlo. Также демонстрируется пара розовых атласных балеток Верди из фильма « Балерина ».

Марианна Черкасская родилась в Мэриленде, имеет русское и японское происхождение. Она училась в Академии Мэри Дэй Вашингтонской школы балета, а в 1970 году поступила в Американский балетный театр, а в 1976 году стала солисткой.Она дебютировала с Барышниковым и заслужила признание как одна из ведущих балерин мира. Лучше всего известна как « Жизель», «». Она получила признание от танцевального критика New York Times Анны Киссельгофф, которая назвала ее «одной из величайших Жизелей, созданных американским балетом».

На выставке представлен ее костюм Жизель из ее спектакля с Барышниковым в постановке Американского театра балета. Костюм сшила Мэй Ишимото, американка японского происхождения, одна из ведущих балетных мастериц страны.

Мисти Коупленд рассматривает танец как «язык и культуру, с которыми люди со всего мира могут познакомиться, понять и объединиться». Wikimedia Commons / Фестиваль Naim Chidiac в Абу-Даби

Хотя танец в целом отражал разнообразие национального опыта, балет оставался в стороне от инклюзивности этого искусства. Большинство американских балетных трупп придерживаются классических традиций, очень европейских и очень белых.

Мисти Коупленд меняет это. Выросшая в трудных обстоятельствах, она открыла для себя балет только в 13 лет. Но ее талант был настолько замечательным, что она присоединилась к Американскому театру балета в 2001 году, а в 2015 году стала первой афроамериканкой, получившей имя «солистка». Теперь эта новаторская балерина полна решимости открыть двери балета для молодых афроамериканских танцоров. Она рассматривает танец как «язык и культуру, к которым люди со всего мира могут относиться, понимать и объединяться ради них».”

Мисти Коупленд в костюме из On the Town, , включая головной убор и тиару, выставлены в Американском историческом музее. Хью Талман

Хореограф Дана Тай Сун Берджесс, труппа которой официально находится в резиденции Национальной портретной галереи, называет Коупленд «новой музой мира танцев». «Муза» Баланчина 20-го века представляла собой вытянутый женский архетип, в то время как Берджесс объясняет, что Коупленд сочетает в себе артистическое превосходство с «спортивным мастерством, которое расширяет балетный словарный запас и требует хореографии, которая выводит американские идеалы на новый уровень.По мнению Берджесса, такая муза «полностью меняет то, как работает хореограф».

В дополнение к своей работе с ABT, Мисти Коупленд появилась как «балерина» в видео Принца « Crimson and Clover » (2009) и как Айви Смит («Мисс Турникеты») в бродвейской постановке 2015 года « On the Town». . Ее костюм из В городе , включая головной убор и тиару, представлен на выставке.

Центр исполнительских искусств Джона Ф. Кеннеди пригласил Коупленда в апреле этого года «курировать» программу для сериала Ballet Across America, , посвященного «инновациям и разнообразию в американском балете».Как объясняет Берджесс, «Мисти меняет определение американской балерины: она наша новая« леди Либерти »- сильная женщина, воплощающая дух сегодняшней Америки».

«Американский балет» будет находиться в Национальном музее американской истории бессрочно. «Балет по всей Америке — курирует Мисти Коупленд и Джастин Пек». Программа в Центре Кеннеди проводится с 17 по 23 апреля 2017 г.)

Американская история Американский исторический музей Танец Исполнительское искусство

Рекомендованные видео

Fashion’s Modern Muse FIT Museum — Изучение моды и политики в балете

Балерина издавна была кумиром моды, сочетая в себе достоинства классической грации и современной плавности в искусстве танца.На первой крупной выставке, посвященной балету и его связи с высокой модой, Ballerina: Fashion’s Modern Muse обнаруживает устойчивый след этого жанра в дизайне с 1930-х по 1980-е годы. На этой неделе откроется более 90 произведений, вдохновленных балетом — от платьев от кутюр с пачками до прет-а-порте в стиле балерин — это последняя демонстрация стиля в Музее Нью-Йорка при Технологическом институте моды (MFIT).

Платье Christian Dior, 1947 год

Луиза Даль Вулф

Вечерние платья от великих кутюрье Коко Шанель, Кристиана Диора и Пьера Бальмэна представлены на выставке, посвященной моде, наряду с отдельными платьями и одеждой для активного отдыха от дизайнеров Веры Максвелл, Стивена Берроуза и Бонни Август из Danskin.«Балет давно связан с модой, начиная с 1930-х годов», — рассказывает куратор Патрисия Мирс CR . «Появление женщин-кутюрье и рост числа женщин в модном дизайне, таких как Chanel, Lanvin, Schiaparelli и Vionnet, а затем и любовь к балету Dior, а затем и Yves Saint Laurent, помогли позиционировать образ балерины как вдохновляющий, идеализированный фигура.»

Кристобаль Баленсиага для Хэтти Карнеги, 1950

Эйлин Коста / © Музей в FIT

Только в 20 веке балет стал уважаемым видом искусства.К 30-м годам интеллектуалы, артисты и светские люди заинтересовались танцами и регулярно посещали представления. «Русские балеты Сергея Дягилева произвели революцию в балете, объединив искусство декораций, музыку, костюмы и хореографию», — говорит Мирс. «Современная американская культура и меняющаяся роль женщин также способствовали возрождению балета на Западе». Сама балерина стала очаровательной, а ее костюмы из классических произведений «Лебединое озеро» и «Спящая красавица» стали ориентиром как для дизайнеров одежды, так и для журналов.

Анна Павлова в костюме «Умирающего лебедя» из спектакля «Лебединое озеро», 1905

Герман Мишкин / Танцевальный отдел Джерома Роббинса, Цифровые коллекции Нью-Йоркской публичной библиотеки

Норитака Татехана, розовые кожаные балетки в стиле пуантов, 2012 г.

Эйлин Коста / © Музей в FIT

На всей выставке темы материала, силуэта и цвета иллюстрируют влияние балета на стиль.Будь то тюль или шифон, пачки или лифы — или даже «балетно-розовая» цветовая палитра — многие дизайнеры взяли реплики из балетных платьев. Ballerina открывается обувью — подчеркивая неизменно популярные балетные туфли, дань уважения Клэр Маккарделл, дизайнеру, который зажег феномен балетной квартиры, сочетая свой дизайн с тапочками Capezio в 1942 году. Также показаны модные современные варианты туфель пуанты на каблуке. , в том числе туфли Fetish Ballerina от Кристиана Лабутена и Lady Pointe от Норитаки Татеханы, разработанные специально для Леди Гаги.
Виктор де Соуза, черное балетное платье и туфли, 2016 г.

Изабель Магован

Дальнейшие связи между модой и балетом раскрываются в главной галерее. Костюм из производства 1919 Les Sylphides показан рядом с эталонным платьем L’Sylphide 1937 года Чарльза Джеймса. Костюм художника Кристиана Берара с юбкой из тюля для балета Cotillon 1932 года кажется вероятным источником вдохновения для романтических тюлевых платьев Chanel в стиле 30-х годов.Подруга художника и покровительница Русского балета Шанель, а также бесстрашный дизайнер Бальмэйн также сослались на тему «балерины как птицы» из Swan Lake с ее собственными перьями.

Габриэль «Коко» Шанель, темно-синее вечернее платье из тюля и пайеток «Etoiles» 1937 г.

Эйлин Коста / © Музей в FIT

Ballerina также раскрывает значение цветовой гаммы балета в моде.Розовый — в теплых телесных тонах или холодный «балетный розовый» — присутствует в образах от трикотажных колготок и атласных пуантов до вечерних платьев и специальных платьев. Костюмы фей bluebird bluebird и сиреневые от Sleeping Beauty привели к появлению второго фирменного цвета Эльзы Скиапарелли, «Sleeping Blue», а также популярных чайных платьев сиреневого цвета 30-50-х годов.

Эльза Скиапарелли, «Спящая» синяя шерсть, вышитое бисером болеро, весна 1940 г.

Эйлин Коста / © Музей в FIT

Позже известный хореограф Джордж Баланчин стимулировал современную тенденцию к созданию лаконичных балетных костюмов из трико и колготок, которые перешли в спортивную одежду.Дизайнеры Тина Лезер и танцоры, а ныне дизайнеры Валентина Шлее и Вера Максвелл нашли общий язык между танцевальной и повседневной модой, создав гетры, трико и юбки с запахом. Режиссер Danskin Бонни Август была главной силой в гибридном режиме, создавая стиль в соответствии с темой бренда «Danskin, а не только для танцев» с одеждой, которая легко переходила от повседневной к вечеру и от студии к улице.

Danskin Advertising, 1982

Данскин

Еще одно влияние на модный балет, дизайнер костюмов Барбара Каринска работала со знаменитостями стиля Кристианом Бераром и Сесилом Битон, прежде чем привнести в свое партнерство с Джорджем Баланчином свои знания от кутюр.Марк Хаппель — преемник Карински в New York City Ballet — сотрудничал с крупными именами в дизайне костюмов. Валентино, Оскар де ла Рента и Ирис ван Херпен — это лишь некоторые из дизайнеров, которых Хаппель использовал в последние годы.

Аллегра Кент и Артур Митчелл в сериале Agon в постановке Джорджа Баланчина

Цифровые коллекции публичной библиотеки Нью-Йорка

Выставка, отражающая возросшее разнообразие балета, освещает афроамериканских деятелей с модой как форумом.На видном месте представлены платья пионеров балета Дебры Остин и Вирджинии Джонсон. Остин, первая афроамериканка, танцевавшая с New York City Ballet, и Джонсон, член-основатель, прима-балерина и, наконец, директор Танцевального театра Гарлема, являются вершинами афроамериканских достижений в танцевальном искусстве. «Я чувствую, что будущее балета станет больше похоже на композицию этой страны и нашего времени», — комментирует Мирс. «Как и в модном сообществе, балет станет более инклюзивным для цветных людей, в то время как женщины будут иметь больший голос. в программировании, а также в производительности.”

Барбара Каринска, костюм «Бриллианты» из коллекции Jewels , оригинальный дизайн 1967 г.

Эйлин Коста / © Музей в FIT

Выставка Ballerina показывает, как балет и мода отражают культуру современности. Дизайнеры Жан Поль Готье, Валентино и Джамбаттиста Валли сделали балет модным на последних подиумах. Мисти Коупленд — первая афроамериканская солистка New York City Ballet — выступила в роли звезды недавней рекламы Стюарта Вайцмана, стала лицом аромата Modern Muse от Estée Lauder и даже создала собственную коллекцию для Under Armour.Даже мир красоты обратил внимание на культовый розовый лак для ногтей Essie, тапочки Ballerina и коллекцию Blushing Ballerina от MAC. Действительно, будущее моды и стиля выглядит столь же вдохновленным балетом, как и его современное прошлое.

Стюарт Вайцман

Ballerina: Fashion’s Modern Muse можно увидеть до 18 апреля 2020 года в Музее Технологического института моды в Нью-Йорке.

Современная балерина / подросток | Журнал

Моя мать не могла понять, что происходило со мной однажды летним днем, когда она проходила через гостиную и обнаружила свою семилетнюю дочь, сидящую на диване со слезами на глазах и торжественно смотрящую в телевизор.Внезапно заметив, что я выгляжу очень расстроенным, она быстро подошла ко мне, чтобы утешить меня и узнать, почему я беспорядочно плачу в одиночестве в гостиной, вместо того, чтобы на улице притворяться феей в саду, как обычно. . «София! Что случилось!» — очень озабоченно спросила она, кладя корзину для белья и чистящие средства. Сквозь слезы я пытался объяснить ей, насколько я тронут, когда смотрел этот документальный фильм, показанный по телевизору, в котором рассказывалось о жизни артистов балета и обо всех жертвах, которые им пришлось принести, чтобы продолжить свое ремесло.Я был так тронут, когда стал свидетелем такого уровня дисциплины, обретающего форму чистой красоты в сочетании с захватывающей дух музыкой и захватывающими дух танцевальными сценами. Моя мама была шокирована и слегка обеспокоена тем, что ее обычно счастливая, беззаботная дочь буквально прослезилась, глядя на передачу о балете. Тем не менее, этот момент побудил ее через несколько дней снять трубку, чтобы записать меня на осенние уроки балета, тем самым начав одиннадцатилетнюю одиссею, которая отныне была моей жизнью.

Мой первый балетный класс закончился катастрофой. Меня бросили в класс восьмилетних девочек, которые знали шаги, терминологию и стандартные правила балета — «укази пальцы ног, подтяни живот». Мой учитель все время приказывал мне «положить мое попо», но я понятия не имел, что такое «попо», поэтому я продолжал наклонять таз в совершенно противоположном направлении, чувствуя, как три моих позвонка хрустят вместе на протяжении всего бара.

Однако, несмотря на мой ужасный первый опыт, у меня не было никаких сомнений по поводу возвращения на следующей неделе.В классе было так много элементов, которые вдохновляли меня: музыка, структура класса, качество движений. Студии были просторными, с большим количеством естественного света, а названия ступенек звучали чуждо и интригующе. В тот момент, когда я вошел в студию, мое воображение, казалось, бежало ввысь, это было чувство, которое я сразу понял, что хочу, чтобы работа всей моей жизни была воплощена. Я решила забыть о том, что чувствую себя гадким утенком в классе, и подойти к процессу поэтапно.К моему удивлению, я начал преуспевать в своей студии, исполняя главные роли и получая высокие награды на профессиональных экзаменах Королевской академии танцев. Я стал чрезвычайно сосредоточенным и преданным, до такой степени, что это стало навязчивым — я проводил в студии по пять часов каждый день после школы. Я вошел в балетный вакуум; Я так боялся, что, если не позволю балету высасывать из себя жизнь, у меня никогда не получится. Однажды я понял, что вырастаю из своей студии, что в моей студии в Нью-Джерси я могу сделать очень много для себя, а они могут мне предложить лишь так много.Мне нужен был другой опыт, чтобы продолжать расти. Итак, однажды сентябрьским утром я оказался на прослушивании в Школе американского балета, а позже в тот же вечер мне позвонили, что я получил место в круглогодичной программе.

Школа американского балета полностью открыла мой мир … за те четыре года, что я был здесь, в Нью-Йорке, я был свидетелем того, как мой мир менялся передо мной, как вспыхивающие цвета калейдоскопа. Я встречал самых разных невероятных, интересных людей…. пребывание в городе продемонстрировало мне важность нетворкинга. Я влюбился в чувство сотрудничества после танцев и главной роли в фильме друга летом (для фильма Тиш) и снова во время работы над своей первой хореографической работой осенью (для студенческой хореографической мастерской SAB). Я начинаю чувствовать себя более открытым и беззаботным человеком, расширяясь и позволяя себе получить этот захватывающий новый опыт с блестящими людьми.

Недавно я начал понимать, что, возможно, мне не обязательно существовать исключительно в «балетном вакууме», чтобы добиться успеха как танцор.Мой подход к искусству и своему ремеслу значительно изменился за время, проведенное в Нью-Йорке … Теперь я вижу, что балет как искусство может существовать гораздо больше, чем небольшие общества элитарных людей, к которым часто прибегают крупные танцевальные труппы. придерживаться. Художники сами распоряжаются своей судьбой — с точки зрения того, что они хотят делать со своим ремеслом и с кем они хотят им поделиться. В сентябре 2016 года я руководствовался этой идеей, открыв свой собственный класс балета для начинающих в общественном центре искусств в Нью-Джерси, и мне удалось накопить достаточно денег, чтобы начать снимать себе квартиру на осень этого года, так что Мне больше не нужно было ехать из Нью-Джерси каждое утро, что дает мне больше возможностей исследовать чудеса Нью-Йорка во время простоя.Теперь я могу продолжать жить в городе, в который я безумно влюбился за последние четыре года, и развивать связи, которые я установил со многими удивительно вдохновляющими художниками.

Прошлой весной я прочитал автобиографию Марго Фонтейн, и эта цитата нашла отклик у меня: «Великие художники — это люди, которые находят способ быть самими собой в своем искусстве. Любые претензии порождают посредственность как в искусстве, так и в жизни ». В начале этой истории вы встретили девушку, которая плакала, потому что открыла для себя что-то прекрасное, и боялась, что ее причудливая личность не будет соответствовать дисциплине, необходимой для успеха в этом ремесле.Теперь я верю, что могу вытереть слезы и сказать, что я оказался в таком месте, которое позволит мне это сделать, оставаясь при этом свободной душой, которой я был все это время.

Балерина: Муза современной моды

Балет — это вековая форма искусства, которая последовательно отражала и впитывала преобладающие моды. Лишь в межвоенные годы двадцатого века балет занял свое место в западном пантеоне современной высокой культуры и начал оказывать влияние на многие области творчества, включая моду.В то же время балерина, самый знаменитый практикующий в этом виде искусства, превратилась в почитаемую фигуру красоты и гламура, а ее фирменный костюм — пачка с корсетом — впервые вдохновил многих ведущих дизайнеров моды. Выставка, организованная Патрисией Мирс, заместителем директора MFIT, Ballerina: Fashion’s Modern Muse продемонстрирует рост и последующее влияние классического балета и балерин на высокую моду с начала 1930-х до конца 1970-х годов.

Популяризация классического балета в середине века во многом обязана англичанам и американцам. Французский балет, возведенный в высшую форму искусства в Российской империи, классический балет стал самым популярным исполнительским искусством в Соединенном Королевстве в 1930-е и 1940-е годы, а затем и в Соединенных Штатах. На пике своего развития, с начала 1930-х до середины века, высокая мода обращалась к классическим балетам, таким как «Жизель» , «Лебединое озеро» и «Спящая красавица» для эстетического вдохновения.Современные балеты, исполняемые в трико и колготках, также повлияли на американскую моду активной одежды середины века.

Большинство из 80 представленных на выставке предметов будут представлять собой одежду высокой моды, от парижской моды до британской одежды на заказ и американской одежды прет-а-порте. Также будет представлен небольшой выбор костюмов и одежды для репетиций, демонстрирующих богатую, но часто упускаемую из виду связь между классическим балетом и модой. Выставка будет сопровождаться богато иллюстрированной книгой, которая будет издана Vendome Press.Среди авторов будут Патриция Мирс, Лаура Джейкобс, Джоэл Лобенталь, Джейн Причард и Розмари Харден.

Подробнее о Балерина .

Изображение: бальное платье Charles James, шелковый шифон, атлас, сетка и косточка, 1954-1955, США, подарок Роберта Уэллса в память о Лизе Кирк.

Место проведения: Галерея специальных выставок

Адрес: Музей в FIT

Начало: вторник, 11 февраля, 2020

Окончание: Суббота, 18 апреля 2020 г.

Балерина: Муза современной моды

Адрес электронной почты

Выберите страну: AfghanistanAland IslandsAlbaniaAlgeriaAmerican SamoaAndorraAngolaAnguillaAntarcticaAntigua и BarbudaArgentinaArmeniaArubaAustraliaAustriaAzerbaijanBahamasBahrainBangladeshBarbadosBelarusBelgiumBelizeBeninBermudaBhutanBoliviaBonaire, Синт-Эстатиус и SabaBosnia и HerzegovinaBotswanaBouvet IslandBrazilBritish Индийский океан TerritoryBruneiBulgariaBurkina FasoBurundiCambodiaCameroonCanadaCape VerdeCayman IslandsCentral африканских RepublicChadChileChinaChinese TaipeiChristmas IslandCocos (Килинг) IslandsColombiaComorosCongoCook IslandsCosta RicaCote д’Ивуар (Берег Слоновой Кости) CroatiaCubaCuracaoCyprusCzech RepublicDemocratic Республика CongoDenmarkDjiboutiDominicaDominican RepublicEcuadorEgyptEl SalvadorEquatorial GuineaEritreaEstoniaEthiopiaFalkland Острова (Мальвинские) Фарерские островаФиджиФинляндияФранцияФранцузская ГвианаФранцузская ПолинезияФранцузские Южные территорииГабонГамбияГрузияГерманияГанаГибралтарГрецияГренландияГренадаГуадалупаГуамГватемалаГернсиГвинеяГвинея-Бисау Гайана, Гаити, острова Херд и острова Макдональд, Гондурас, Гонконг, S.А.Р., ChinaHungaryIcelandIndiaIndonesiaIranIraqIrelandIsle из ManIsraelItalyJamaicaJapanJerseyJordanKazakhstanKenyaKiribatiKosovoKuwaitKyrgyzstanLaosLatviaLebanonLesothoLiberiaLibyaLiechtensteinLithuaniaLuxembourgMacaoMacedoniaMadagascarMalawiMalaysiaMaldivesMaliMaltaMarshall IslandsMartiniqueMauritaniaMauritiusMayotteMexicoMicronesiaMoldavaMonacoMongoliaMontenegroMontserratMoroccoMozambiqueMyanmar (Бирма) NamibiaNauruNepalNetherlandsNew CaledoniaNew ZealandNicaraguaNigerNigeriaNiueNorfolk IslandNorth KoreaNorthern Mariana IslandsNorwayOmanPakistanPalauPalestinePanamaPapua Нового GuineaParaguayPeruPhillipinesPitcairnPolandPortugalQatarReunionRomaniaRussiaRwandaSaint BarthelemySaint HelenaSaint Китс и NevisSaint LuciaSaint MartinSaint Пьер и MiquelonSaint Винсента и GrenadinesSamoaSan MarinoSao Тома и PrincipeSaudi ArabiaSenegalSerbiaSeychellesSierra LeoneSingaporeSint MaartenSlovakiaSloveniaSolomon IslandsSomaliaSouth AfricaSouth Грузии и Южной Sandwich IslandsSouth Ко reaSouth SudanSpainSri LankaSudanSurinameSvalbard и Ян MayenSwazilandSwedenSwitzerlandSyriaTajikistanTanzaniaThailandTimor-Лешть (Восточный Тимор) TogoTokelauTongaTrinidad и TobagoTunisiaTurkeyTurkmenistanTurks и Кайкос IslandsTuvaluUgandaUkraineUnited арабского EmiratesUnited KingdomUnited StatesUnited Штаты Экваторияльная IslandsUruguayUzbekistanVanuatuVatican CityVenezuelaVietnamVirgin остров, BritishVirgin остров, USWallis и FutunaWestern SaharaYemenZambiaZimbabwe

Введите свой почтовый индекс ниже:

Почтовый индекс

Отправить

.